Nous y voici, la publication du top 77 des meilleurs titres de l'année est toujours un moment émouvant (larmes). Avant d'en présenter les règles, pourquoi un top 77 me direz-vous ? Eh bien, en hommage à cette grande année de la musique, 1977, en hommage à tous ces noms qui sont tombés pour la sueur de leurs sets, l'effroi des grands-parents ainsi que pour l'Amour.

Ty Segall. J'ai lu sur le web (je ne sais plus où) que cette nouvelle sortie hebdomadaire de Ty Segall était de qualité. J'ai aimé l'expression. Ty Segall est désormais bien connu pour être le créateur boulimique qui ne fait que des sorties de haut vol, sorte d'Erich Hartmann du rock'n'roll. Ce nouvel album de Ty Segall, intitulé Ty Rex et paru le 27 novembre dernier via Goner Records, est uniquement composé de reprise de T-Rex. Il compile plusieurs des morceaux révélés par Ty entre 2011 (Ty-Rex 12") et 2013 (Ty-Rex II 7"), auxquels il a ajouté "20th Century Boy" (ce que j'évoquais ici).Et sans surprise, c'est encore très bon ! Mais il y a plus à dire...

Avant toute chose, je dois avouer mon problème : je n'ai jamais été un grand fan de T-Rex. A moins que ce ne soit l'inverse, qu'il soit plus facile d'appréhender cet album sans trop avoir les morceaux de T-Rex en tête. Si je reconnais mille fois le talent de Marc Bolan, je ne ferai pas partie de ceux qui pensent que l'on ne doit pas toucher à ses créations. Et puis, Ty Segall a suffisamment démontré son génie créatif pour que l'on puisse lui accorder un album de reprise sans douter de ses intentions artistiques. 

Et puis, vient "Woodland Rock" (original) qui franchit un nouveau palier. Le titre est super garage, super raw, super Ty. Sorte de boogie des années '50 où Buddy Holly aurait décidé de donner dans le garage des Monkees. "20th Century Boy" (original), pour sa part, est le morceau le plus stoner de tout l'opus. Une énorme puissance s'en dégage, le son de la batterie très sec vient rappeler le dernier Fuzz tandis que la voix de Ty Segall est poussée dans ses derniers retranchements. 

"Salamanda Palaganda" (original) débute comme ces morceaux où Ty Segall finit par nous mettre les tympans en miette. "Elemental Child" (original) est LE grand moment de cet LP. Le final, deux minutes de pur noisy, est une extase. Rangez vos playboys magazine (et vos équivalents masculins, ça existe ?!), ce titre-là possède une telle force de frappe qu'il serait fou de vouloir prétendre pouvoir encore se mouvoir après son écoute à plus de 100 décibels. Quant à "Cat Black" (original), c'est l'histoire d'une femme fatale, de celles dont il faut éviter la route :

Cat Black, she is my honey

All she wants to do is spend my money

She's a real gone chick and I love her so

Knocks me out when she does the rock 'n' roll, yeah

J'écrivais déjà sur cette reprise en 2013 (lien) et en disait que les deux guitares électroniques qui viennent danser sur l'accompagnement acoustique donnent à ces trois minutes la touche printanière qui fait du bien. Force est de constater que ça fonctionne également très bien pour l'hiver, collection 2016. On conclut enfin sur "The Motivator" (original), le titre le plus proto-rock de tous.

J'en parlais il y a peu avec Casbah Records, l'influence de Ty Segall est à ce point immense que l'on a désormais souvent l'impression que nombre des autres groupes de la scène se contentent de le copier. Alors, si on peut reprocher à une partie de la presse d'être paresseuse et de se contenter de citer les Beatles et Ty Segall comme influence systématique, force est de constater qu'il a souvent une part de vrai, pour le meilleur. Voilà l'une des promesses tenues de cet album.

Et puis, je le répète une fois encore, cet album vient réaffirmer la toute-puissance de la scène garage à laquelle Ty Segall revient. Dédions cet LP à tous ceux qui doutent qu'il y soit un jour revenu...

(mp3) Ty Segall - Elemental Child (T-Rex cover)

(mp3) Ty Segall - Cat Black (T-Rex cover)

Album Review de Sleeper

Album Review de Manipulator

Dans les sombres rues de San Francisco traine une clique. On y trouve Ty Segall, White Fence, Sonny Smith et, en outre, Mike Donovan. Ses artistes se côtoient régulièrement, vont de concerts en concerts, se produisent, jouent dans les groupes des uns des autres... un véritable gang.

Peacers, c'est le dernier projet en date de Donovan, l'ancien leader de Sic Alps. Depuis la retraite du groupe culte, il a fait paraître un album solo en 2013 et revient cette fois-ci avec Peacers. Le premier album  self-titled est paru le 17 juillet dernier via Drag City et, surprise, on retrouve Ty Segall à la production qui fait un excellent travail (pour changer). Le bourdonnement ambiant (parfois similaire à celui de notre article d'hier sur Cassie Ramone) participe de créer des titres à la fois tourmentés et menaçants, ce qui contraste avec les mélodies très pop de l'album. Des titres comme "Scandi Mindy" en sont le plus parfait des exemples. 

Cassie Ramone est l'ancienne leader des Vivian Girls, également membre des Babies. Elle a lancé sa carrière solo à l'occasion d'un premier album, The Time Has Come (une référence à la reprise des Ramones, album Subterranean Jungle) paru en août 2014 via Loglady. Elle revient via Burger Records pour nous présenter un LP de Noël, j'ai nommé Christmas In Reno. La label décrit cet album comme étant "at once an ode to the nostalgic merriment of Christmas and a nod to the pain and desolation of the American holiday season", comprenez là, une oeuvre complète sur ce que représente Noël pour beaucoup, un mélange de joie et d'anxiété.

Cet album est une franche réussite, disons le clairement. Son effet spleenétique est renforcée par une instru' bourdonnante, parfois à la limite d'un noisy délicat. Et puis, uniquement composé de reprises, il parvient pourtant à laisser transparaitre la touche Cassie Ramone. 

Le premier morceau, "Christmas (Baby Please Come Home)" (une reprise de Darlene Love) est l'un des plus cute de l'album, pas forcément le plus saisissant de tous, mais déjà représentatif. "Run Run Rudolph", le single (un titre original de Chuck Berry, alors forcément...) est plus pop-y, le premier temps fort de cet LP. Cassie Ramone ajoute la sensualité nécessaire à compenser toute l'animalité de Chuck Berry. Mais là où l'on s'y retrouve le plus est finalement sur les titres les plus noirs, tel que "Wonderful Christmastime" (du Paul McCartney, please). Sorte de Bedroom Pop psychédélique, elle laisse place à tout ce que l'on aime chez Cassie Ramone : sa voix, ses arrangements analogiques, sa linéarité apparente. 

Big Star est, à mon sens, le plus grand groupe de Power Pop de l'histoire (bien qu'il ait également abordé d'autres styles). J'ai déjà eu l'occasion d'exprimer mon admiration pour le groupe, ici ou là, mais toutes les excuses sont bonnes pour l'évoquer une fois de plus, ce que je fais ici avec joie.

Le sujet de cet article est la parution d'un nouvel EP (compilant des titres datés des années '70) pour le Record Store Day via Omnivore Recordings. Il contient 7 morceaux de saison, à l'image du premier, "Jesus Christ". Ce titre issu de l'album Third/Sister Lovers (1978) fait bien entendu partie des classiques de la décennie, les angels from the realms of glory continuent de faire des leur. On trouve ensuite sa démo acoustique, tout aussi poétique que l'original. La puissance de la voix d'Alex Chilton est inégalée et le titre du documentaire qui leur a été dédié, Nothing Can Hurt Me, n'a jamais semblé si pertinent (à condition de considérer son ironie).

Hier, j'ai fait un drôle de cauchemar : l'Espace B fermait ses portes. Voici le récit de cette nuit agitée, triste moment de la vie d'un rockeur parisien. Dans ce rêve, j'écrivrais une lettre :

Beaucoup a déjà été dit/écrit sur la fermeture de l'Espace B. Seulement, lorsqu'un lieu à ce point iconique est forcé de fermer ses portes, lorsque le rock'n'roll subit un nouveau coup dur, il m'est difficile de ne pas vouloir rajouter ma pierre à l'édifice, peut être en vain.

Archy Marshall, aka King Krule, vient de faire paraître un nouvel LP, A New Place 2 Drown.

Oui, on me l'a dit : "ne publie pas cet article, King Krule est l'un des protégés de Still in Rock". Seulement, pour que les articles dithyrambiques trouvent une certaine forme de légitimité, je crois qu'il faut également dire lorsque les artistes font des ratés.

Mais avant toute chose, je voudrais remercier à King Krule, ne serait-ce que pour avoir mis la pagaille dans les classements de fin d'année, pour avoir fait regretter à tous ceux qui ont publié le leur en novembre, histoire d'être le premier, d'avoir manqué l'occasion, si jamais ils aimaient cet album (ils semblent être nombreux), de pouvoir le prendre en compte. Ça, c'est mon petit plaisir personnel. Je voudrai également remercier King Krule pour avoir tenté de faire ce à quoi peu d'artistes s'essaient : un tout artistique cohérent qui intègre différentes expressions, en l'occurrence, de la photographie, de la poésie et de la musique. Cet album sort en effet dans le cadre d'un projet réalisé avec son frère, Jack, qui a réalisé les photographies d'un livre que cette musique accompagne. C'est ambitieux et ça fait du bien. 

Une fois cela dit, force est de reconnaitre que New Place 2 Drown n'intègre pas la ligne artistique de Still in Rock, et pour cause, l'album est pour moi une déception. King Krule, cet artiste génial capable d'intégrer du jazz à un rock underground violent et poétique, vient ici de se trahir (seul "Ammi Ammi feat Jamie Isaac" laisse place à quelques accords jazzy). King Krule a en effet succombé à une musique robotique ("Eye's Drift" est-il la création de Metropolis ? Est-ce que "Empty Vessels" est l'aveu d'une nouvelle déshumanisation de la musique ?). Explications.




Je ferrai court, mais voici l'essentiel de cet LP : la sur-présence de la boite à rythmes est un véritable point faible de l'album. Elle force King Krule a adopté un beat trop constant, trop linéaire. Elle le contraint à se confirmer à ce tempo monogame. Mais ce n'est pas tout. Les basses sont bien trop fortes ("Thames Water", vraiment ?). La voix d'Archy Marshall suffit à produire une musique d'une exceptionnelle gravité, nul besoin de renforcer cela par une instru' exagérée. Et pour cause, sa voix n'est que très peu présente, pas assez.

Où sont également passées les mélodies (exemple : "Sex With Nobody") ? L'aspect futuriste d'un album, sa volonté avant-gardiste ne doit pas faire perdre de vue quels sont les éléments qui forgent une bonne musique. Sonic Youth l'a suffisamment démontré.

Au final, cet album, qui ne sortira pas en physique, sera au mieux la bande son de la prochaine exposition de Kenji Kawakami, une petite bavure dans la discographie de King Krule (ce dont on peut douter, à ce jour), et, au pire, le début d'une direction artistique que je ne suivrai plus. Paru sous le nom de Archy Marshall, et non pas King Krule, espérons que là se trouve l'astuce, parce qu'en attendant, avoir attendu deux ans pour avoir droit à de la musique de musée n'est pas vraiment satisfaisant.

Liens afférents :

Vidéo de "Rock Bottom"

Album Review de 6 Feet Beneath the Moon

(french) Les amis, l'heure est grave, l'heure est au sexe. Pour cette huitième mixtape Still in Rock, le thème s'est imposé à moi lorsqu'une émission de radio américain m'a demandé d'animer une heure très "raunchy" (disons... explicite). Mais loin de moi l'idée de me dédouaner. Le rock'n'roll est une musique sexuelle et sexuée, un thème abordé plusieurs fois dans notre série Lester Bangers. Après quelques 'recherches' complémentaires, voici donc la nouvelle mixtape Still in Rock, "The Nasty One". On y trouve du Perfect Pussy, du Nirvana, Iggy Pop, du Buzzcocks, mais aussi quelques spéciales, à l'image d'Ice. T (en guest, bien entendu), The Frogs et Chuck Berry pour un grande finale. Sortez vos slips léopards et rasez vous les aisselles, ça va suinter !

(Dazed and Confused)

1. The Gun Club - Sex Beat  (00:09)

2. The Dictators - Pussy And Money  (02:51)

3. Nirvana - Rape Me  (06:02)

4. Maggie Estep - Fuck Me  (08:49)

6. Kaviar Special - P'tit Cul  (14:35)

7. The Reatards - I Want Sex  (17:40)

8. Perfect Pussy - Dig  (19:25)

9. Iggy Pop - Lust For Life (20:47)

10. Mag & The Suspects - Erection  (25:50)

(Austin Powers 2 - The Spy Who Shagged Me)

11. Funkadelic - Sexy Ways  (31:08)

12. Ice. T - Sex  (34:04)

13. Weird War - Music for Masturbation  (37:00)

14. The Frogs - Here Comes Santa's Pussy  (38:41)

15. The Vomettes - I Like Your Pussy But I Love Your Penis  (41:32)

16. Pangea - Too Drunk To Cum  (42:48)

17. Buzzcocks - Orgasm Addict  (45:17)

18. Chuck Berry - My Ding-A-Ling (Live, Single Edit)  (47:16)

Links:
Mixtape #1 - From 1985 to 1995
Mixtape #2 - What Ever Happened to Baby Jane Mixtape?
Mixtape #3 - Christmas Is Cancelled
Mixtape #4 - High School is Forever
Mixtape #5 - It's 1977, Punk!
Mixtape #6 - Half A Century Ago

Mixtape #7 - Melted Jazz

Guided by Voices. Vous le savez, GBV est l'un de ces groupes cultes qui semblent ne jamais pouvoir mourir. Robert Pollard, son leader, compte plus de 5.000 morceaux à son actif. Nous avons déjà eu l'occasion d'évoquer ses derniers albums ici ou là, mais il revient cette fois-ci sous l'étiquette du défunt Guided by Voices pour nous présenter 100 démos, dont beaucoup réfèrent des morceaux inédits. 

Avant toute chose, je répète ici que la force de Guided by Voices réside dans la capacité de Robert Pollard à ne pas s'embarrasser de ce que le "format" morceau impose de faire : des titres de plus de 3 minutes, avec des refrains, un enregistrement qui mette le tout à l'honneur, un début et une fin. Le groupe a marqué l'histoire du rock'n'roll pour cette raison. L'anti-conformisme de Guided by Voices n'a pas d'équivalent, on se reporte alors à ces démos avec excitation.

Il s'agit certes d'un quadruple LP, mais ça va vite, très vite. Comme à l'habitude, les mélodies s'enchaînent à toute allure, les titres sont généralement très courts et très bruts. Composé de 100 morceaux, il est bien évidemment que je ne pouvais passer en revue chacun d'entre eux. Voici ceux qui mérite toute votre attention.

1er LP : "Lead Walking Shorts" est super punk, super raw. Le ton est donné, amateur de mélodies bien finies à la Beach Boys, passez votre chemin. Robert Pollard entend bien nous servir la meilleure soupe de ses démos. On retrouvera cette même envie punk sur "Porpoise Northeast". Suit "Walls And Windows" que nous connaissons sous le nom de "Hardcore UFO's", titre de Bee Thousand. "Deaf Dumb And Blind Girl" est le premier single de cet quadruple album. C'est excellentissime. Pollard semble ensuite avoir disjoncté sur "No Bird" (c'est dire). "Less Active Railroad" a un côté plus pop, fidèle à Alien Lanes. "Pretty Pinwheel" se la joue acoustique, pourtant, Pollard parvint à y insérer la même hargne. C'est l'un des temps forts de cet LP. Le dernier titre conséquent du premier LP est "Hallway Of Glass", un véritable classique. 

2ème LP : Sur le deuxième album se trouve "Over and Over Again" est la démo de "Motor Away", album Alien Lanes. "Slow Dirty Water" injecte un peu de poésie avant d'enchaîner plusieurs morceaux très primitifs, très punk. "Delayed Reaction Brats" est une démo pop fort convaincante, douce mélodie noyée au milieu de toute cette animalité.

3ème LP : Le troisième est plus le plus pop des quatre. "Bellboy Stomp", le tout premier morceau, est un instrumental qui lance la danse. Avec un titre pareil, "Pinpoints On The Anal Zone" mérite votre écoute, aussi chaotique soit-il. Et puis, on trouve une démo de "Quality of Armor", l'un des hits du groupe. Probablement enregistré avec un lecteur K7, il contraste avec "Why Do You Stare Into The Sea" qui présente l'un des sons les plus clairs de ces 100 titres. Enchaîne "Rock Time" immédiatement après. Le riff est toujours aussi imparable. "Doctor Boyfriend" annonce finalement le titre le plus long de tous, "Frog Baby Are Muderer", 4min49 de Robert Pollard, une éternité pour cet artiste. 

4ème LP : Le dernier album débute avec "Thick And Thin", dans la mouvance parfois très Beatles de Pollard. Histoire de rompre toute logique, GBV enchaîne avec "When 2 Hours Seem Like 5", un titre du genre stadium rock. C'est "Amazed" qui parvient à s'approcher le plus d'une version finale, sorte de mélange entre pop et rock'n'roll, entre punk et mélodies. On trouve ensuite une live version de "She Likes Tea Rats" qui annonce "Promo Brunette" (pas chère). Mais il faut attendre "High Treason" pour que GBV nous dévoile un autre morceau de très haut niveau. Il s'agit, sans conteste, du titre le plus/mieux produit. 

ALors crtes, 100 morceaux, c'est beaucoup. Malheureusement, peu prendront le temps de les passer en revue, de leur donner une écoute attentive sans se précipiter vers les titres de plus de 3min30. C'est probablement voulu. Robert Pollard ne s'est jamais soucié du succès commercial de ses LPs. Peut être même a-t-il voulu décourager une partie des journalistes / auditeurs afin de ne garder que les vrais amateurs d'un Guided by Voices ici à son plus brut. 

Une chose demeure, que les artistes actuels prennent plus exemple sur ce que fait Pollard, ils seront alors d'autant plus légitimes de se réclamer anti-conformiste, sauvages et rock'n'roll.

Tracklist idéale tirée de Suitcase 4 :

1. Lead Walking Shorts

2. Deaf Dumb And Blind Girl

3. Pretty Pinwheel

4. Over and Over Again

5. Delayed Reaction Brats

6. Why Do You Stare Into The Sea

7. Rock Time

8. Doctor Boyfriend

9. Frog Baby Are Muderer

10. Thick And Thin

11. When 2 Hours Seem Like 5

12. Amazed

13. High Treason

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Album review de Cool Planet

Article anachronique sur le groupe

Magic & Naked est une toute jeune formation helvétique qui fera paraître son premier album le 11 décembre prochain via Cashbah Records, un très bon label originaire de Valance qui se démarque notamment par son blog mais également par sa belle émission radio, j'ai nommé Rock à la Casbah.

Le groupe vient à nous avec une musique pre-psychédélique d'une poésie peu égalée en cette année 2015. Composé de 10 morceaux, Magic & Naked nous présente une pop spectrale dont la froideur est compensée par la chaleur des guitares qui viennent de succéder au fil des minutes. Le contraste est saisissant et permet en cela à Magic & Naked de marquer les esprits avec une musique immédiatement identifiable, fait suffisamment rare pour être noté. 

"(If you wish you can) Reach Me", le premier titre de l'album, est le plus évident de tous. Magic & Naked y est déjà captivant, à la frontière artistique entre Alex Calder et Real Estate. La vidéo qui l'accompagne mérite également le détour (lien). C'est doux et rêveur, mais attention, les M&N (sans 's) on en bien plus sous le pied. "Emmene Moi (aux pyramides)" se montre immédiatement plus tranchant. Les Magic & Naked entrent dans la musique psychédélique de la grande époque hippie. La production demeure largement entubée ce qui a pour effet de créer une belle tension dramatique. Le final mérite les honneurs Twink-ien, et comme j'ai pu le dire ailleurs, cette musique largement romantique est un must have parce qu'elle est la preuve qu'il est encore possible d'être déshabillé tout en étant doux amant.

On poursuit la danse avec "Anna". Après qu'Howlin Banana ait mis ce prénom à l'honneur, Magic & Naked perpétue sa lancée spleenétique. La guitare est pleine de réverb' et, marque du groupe, trouve une nouvelle résonnance sur les dernières secondes. Et puis, parce que son univers est déjà très bien ancré, on attendait un titre instrumental qui arrive sur "Many Seagulls". Plus western que les autres, il nous conduit vers un nouveau morceau de pop spectrale, "Will The Air Be Clean". Magic & Naked y est bon, mais le groupe peut plus ! Le très indie pop "The Ship" marque un temps d'arrêt à la façon des ? and the Mysterians avant que la romance que "Meet Me On the Beach" nous vienne ne ressaisir à la gorge. Et si les amours d'été se faisaient également sur les bords du lac Léman par un temps de décembre ?! 

"Ghosts" est à mon sens le deuxième meilleur titre de cet LP. Sa mélodie est imparable, mais ce n'est pas tout. Magic & Naked fait preuve d'une parfaite maitrise de ses instruments ce qu'il ne met pourtant pas au service d'un trop-plein instrumental trop démonstratif. Je l'ai déjà dit, beaucoup trop de jeunes groupes veulent montrer toute l'étendue de leur talent dès le premier album. C'est une erreur Magic & Naked s'épargne de commettre. Le potentiel de ce groupe se dévoile pleinement sur "Ghosts", et il en reste là, chapeau bas. 

On se rapproche finalement des derniers instants avec "Picture Of An Imaginary Desert". Sous ses airs de titre épique, Magic & Naked se lance dans un titre seventies façon post-Black Sabbath, loud et merveilleux. Et puis, "Anywhere" vient sonner le glas. Et pour qui sonne-t-il ? Probablement pour les amoureux d'une pop enchanteresse qui n'en finit pas de se révéler.

Au final, ce premier LP de Magic & Naked est remarquable à bien des niveaux. Beaucoup des albums de pop psychédélique de ces derniers mois ont péché d'être trop proprets. Cette uniformisation de la scène tend à ce que les LPs se succèdent et se ressemblent. Avec M&N, ce genre musical trouve une résonnance nouvelle qui, couplée avec une pop spectrale aussi froide et chimérique qu'une peinture d'Alfred Sisley, fait de ces quelques titres un moment lyrique qui n'est pas sans rappeler certains Syd Barrett. 

 

(mp3) Magic & Naked - (If You Wish You Can) Reach Me

(mp3) Magic & Naked - Ghosts

Maggie Estep était une poète originaire du New Jersey (1963 - 2014). L'histoire débuta lorsque MTV filma l'une de ses récitations publiques. Face au succès, Maggie intégrera la lineup de Lollapalooza, en 1994. Deux albums naitront de cette expérience, No More Mr. Nice Girl (1994) et Love Is a Dog From Hell (1997). Sa première nouvelle, Diary of an Emotional Idiot, paraîtra la même année. Cinq autres suivront.

J'ai souvent fait référence à la Beat Generation dans les articles de Still in Rock, mélange d'obsession et d'influence réelle. Avec Maggie Estep, cette mouvance littéraire et artistique avait trouvé une nouvelle incarnation. Maggie était largement attachée au groupe de Neal Cassady, ce que l'on retrouve à chacune de ses lignes, à la façon de Steven Jesse Bernstein. On la retrouve ainsi sur l'excellent Kicks Joy Darkness: A Tribute to Jack Kerouac, paru en 1997. Il faut dire qu'avoir eu William S. Burroughs comme professeur de littérature a dû aider à développer une certaine addiction pour ce mouvement.

"Hey Baby", le premier titre de No More Mr. Nice Girl, illustre l'idéal féministe de Maggie Estep. Ainsi la voit-on déambuler dans une ville, défiant les truands avec un aplomb sans faille. Et puis, n'oublions pas que Maggie Estep était proche du grunge, ce que l'on retrouve avec "My Life of Gardening". Mais bien entendu, l'un des titres phares de toute la discographie de Maggie Estep est "Fuck Me" qui restera comme l'un des symboles de ce que représentait Maggie Estep : une artiste engagée, tranchante, provocatrice et fière de son art. En voici un couplet :

"Sex Goddess of the Western Hemisphere" s'inscrit dans une mouvance similaire. Ce titre évoque la relation de chacun avec sa sexualité, et une fois encore, Maggie y trouve une signification politique. "The Stupid Jerk I'm Obsessed With" se veut également être une attaque contre ses propres désirs. "I Swear", titre de 30 secondes à peine, mérite que l'on s'y attarde un peu. Faites l'expérience. Enfin, "Bad Day At The Beauty Salon", le petit dernier, est également l'un des meilleurs morceaux de cet opus. L'histoire du little Susee sandwich nous traîne dans les bas-fonds d'un club de strip-tease. Madonna en prend un coup au passage. Ce titre est en réalité (en partie) autobiographique, émanation d'une époque où Maggie était strip teaseuse et, au passage, accroc à l'héroïne.

Au final, No More Mr. Nice Girl raconte souvent l'expérience de vie qu'a eu Maggie Estep à New York, on y croise des weirdos, des zonards et autres 'mauvais garçons'. 

Love Is a Dog from Hell, titre d'un livre de Charles Bukowski et deuxième LP de Maggie Estep, est souvent décrit comme meilleur, je pense à tort. Il contient toutefois plusieurs excellents morceaux. Dans l'ensemble moins grunge, il laisse cependant place à quelques moments saignants, à l'image de "I'm an Emotional Idiot". Et puis, cet LP features une excellente reprise du titre de Lou Reed, "Vicious". Maggie en fait un morceau plus sensuel encore, sorte de porno chic à ne pas manquer. Si certains autres titres font apparaître le nouveau son de Maggie Estep, comme le fait "Fireater", on en retourne très rapidement aux sonorités les plus rock'n'roll.

Plus que pour sa musique, sorte de prétexte à la récitation de ses textes, Maggie Estep restera comme l'un des principaux icônes de la Gen-X. Elle aura participé de la popularisation du slam, aura accompagné l’ascension d'artistes tels que Henry Rollins (Black Flag), aura donné vie à l'East Village de Manhattan, au Nuyorican Poets Cafe, à ces rues d'une génération d'artistes animée par la lutte sociale. Sa fascination pour les rues sombres et dangereuses se retrouve souvent, à travers ses nouvelles, ses écrits sur Legs Diamond, son attrait constant pour des sujets qui référençaient la déchéance. Oui, Maggie était tombé amoureuse de New York en 1971, le jour où elle "I saw dozens of people blithely stepping over a dead body on a sidewalk". Il y avait en Maggie le symbole de cette génération perdue, la première du 20ème siècle à ne pas savoir qu'elle était sa destinée. Cette génération aura finalement accouché de la génération Y. Maggie est en l'un des pères.

Son post-punk restera dans les mémoires de tous. Il en va de même pour ses textes que vous trouverez dans plusieurs anthologies, dont The Best American Erotica et Brooklyn Noir 2. Et puis, son blog est toujours en ligne, avec le texte publié quelques jours avant sa mort, "Strippers, Sluts & Umlauts". Tels étaient ses derniers mots : "and that is the story of the Great Umlaut Cake of slutdom and three ex-strippers sitting at a table".

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together PANGEA. Depuis notre interview avec Pangea en 2012 (lien), force est de reconnaître que le groupe s'est élevé dans de nouvelles sphères. Trois albums, quelques EPs, des lives dans le monde entier, peu auraient pu prédire un tel succès. together Pangea est désormais l'un des groupes phares de la scène Punk Pop, aux côtés de Fidlar, King Tuff, Audacity & co. 

Alors, en cette approche de fin d'année où les classements Still in Rock vont venir ponctuer 12 mois de musique, je me suis dit qu'une (dernière ?) petite dose de slacker ne nous ferait pas de mal. together PANGEA vient de faire paraître son nouvel EP via Burger Records, le dénommé The Phage. Produit pour le bassiste des Replacements, Tommy Stinson (rien que ça), il contient 6 morceaux qui ne trahissent en rien l'univers du groupe.

"Looked In Too" est un premier titre tout ce qu'il y a de plus classique dans ce style de musique : des riffs en veux tu en voilà, un refrain qui constitue 90% du morceau et la dose de slacker que l'on attend. "If You’re Scared" est un brin supérieur. La voix de William Keegan a toujours été l'un des atouts du groupe, ce que le morceau met parfaitement en avant. 

Vient ensuite "Blue Mirror", assurément le meilleur titre de cet EP. Si on ne s'attendait pas à ce que le groupe puisse un jour délivrer une si belle balade, "Blue Mirror" vient nous faire mentir avec un morceau tout en contrôle. together PANGEA y trouve un nouvel élan, peut être une nouvelle direction qui lui permettrait aussi de se différencier plus encore de la scène Punk Pop qui commence à grouiller de noms connus. 

"My Head Is On Too Tight" se la joue bande-son de Burger Records, à l'image du titre introductif. On l'écoute avec joie, mais difficile de dire s'il sera encore sur nos platines vinyles dans un mois, la dure loi de l'offre et de la demande. "Awful" renoue avec la structure classique des morceaux de Punk Pop. Et puis, surement "She’s A Queen" est-il le deuxième morceau de cet EP. together PANGEA gère parfaitement la montée en puissance, entre pop de l'introduction et rock'n'roll d'un refrain entêtant. 

Alors, ce nouvel EP vient ponctuer notre mois de décembre de la touche slacker / teen movies que l'on aime tant. Et puis, il nous rappelle que Pangea avait également produit l'un des tout meilleurs titres de l'année 2012, "River". Ces morceaux n'ont certes pas inventé la roue, mais comment leur nier cette immédiateté rock'n'roll qui fait tant de bien ?! Un seul mot d'ordre : party on Wayne.

(mp3) together PANGEA - Blue Mirror
(mp3) together PANGEA - She’s A Queen

(mp3) together PANGEA - River (2012)

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Beach House. On se souvient que Beach House a fait paraître un excellent album au mois de septembre dernier, Depression Cherry. Nous parlions d'une expérience "comme si le son passait entre de fines plaques de glace". Cet LP était tout en beauté, délivrant une musique délicate et rêveuse. 

Il y a quelques semaines à peine, Beach House annonçait qu'il allait faire paraître un second album, Thank Your Lucky Stars, composé dans le même temps que Depression Cherry. De deux choses l'une : soit cet LP est fondamentalement différent du premier, auquel cas les sortir à intervales séparés fait sens, soit ils sont similaires, auquel un double album eut été plus adapté. 

En réalité, Thank Your Lucky Stars est différent de Depression Cherry parce que moins bon. Attention, tout ne mérite pas que l'on s'en détourne, certains morceaux sont très beaux, je pense notamment à "All Your Yeahs", seulement, Beach House semble vouloir trop en faire, et un groupe qui se caricature ne peut pas réussir là où il l'entend. 

"Majorette", le premier morceau de cet LP, est trop forcé. La voix de Victoria Legrand s'exprime sans grâce et l'absence de refrain ne rattrape pas forcément le tout. "She's So Lovely", le second, est plutôt ennuyeux. "All Your Yeahs" est un titre plus travaillé. Pour commencer, la mélodie y est très belle. Egalement, l'instrumentalisation fait preuve d'un peu plus d'étoffe que pour les autres titres. C'est, à ne pas en douter, le temps fort de Thank Your Lucky Stars. Seulement voilà, revient l'ennui avec "One Thing". On écoute ce morceau comme l'on fait un trajet de métro, la tête ailleurs, pas vraiment convaincu que l'on devrait se trouver là. 

"Common Girl" est bien meilleur. Victoria Legrand force moins sa voix, on retrouve les profondeurs de Depression Cherry dans la gravité de son intonation et l'orchestration a l'avantage de la nouveauté. Le suivant, "The Traveller", nous présente un son qui se différencie clairement de celui de Depression Cherry, c'est agréable et lui donne une raison d'être. Ça s'arrête là. Et puis, on retombe dans le défaut principal de cet LP avec "Elegy to the Void" : c'est forcé. 

"Rough Song" nous guide agréablement vers le dernier, les pieds dans la neige. C'est "Somewhere Tonight" qui vient nous conduire sur la fin du chemin assombri de cet LP. L'orchestration elle-même semble fatiguée. La sensation d'écouter les chutes de Depression Cherry se confirme. Au final, cet album n'atteint jamais les mêmes envolées que celles de Depression Cherry, ca ne prend pas, à l'image de "One Thing" qui demeure bien creux. Et puis, dans l'ensemble, le travail sur les mélodies n'est clairement pas au niveau de celui de l'album précité. Enfin, la production est bien moins faite. Il n'y a qu'à écouter les premières secondes de "Levitation", le premier morceau de Depression, pour réaliser que le rendu sur la voix de Victoria Legrand est incomparable.

Il faut, je crois, en revenir à l'essentiel : quel est le statement de Beach House ? Le groupe transcende la dream pop, il lui a donné certains de ses plus beaux albums de l'histoire. Il est bien évident qu'il est difficile de poursuivre dans cette lancée. Seulement, que le groupe décide de changer de ligne artiste ou de stopper ses activités, la solution sera toujours meilleure que celle de se caricaturer. Lorsque Victoria Legrand nous sert une voix tantôt mielleuse tantôt forcée, lorsque la structure des morceaux, sorte de musique progressive où les montées en puissance sont téléphonées, est toujours identique, on se dit que cet LP n'a pas vraiment de raison d'être.

The Babe Rainbow est un groupe(ment) originaire de Byron Bay (Australie) qui a fait paraître son EP self titled le 10 juillet dernier. Composé de quatre morceaux, on y trouve une belle pop (soft) psychédélique qui emprunte à la surf music. 

Mais avant de m'attaquer à ce que contient cet EP, je voudrai ici exprimer un questionnement. Il est je crois fort possible que Babe Rainbow cherche à nous imposer une image qui n'est pas réelle, un peu trop clichée. Il n'y a qu'à voir, le groupe n'a pour l'heure sorti que deux EPs et Google Image répond par dizaine à la recherche de son appelation. Le groupe dispose également d'un Tumblr très chargé qui semble idéaliser la vie d'hippie bohème. Et puis, chacun des titres de son EP dispose d'une vidéo parfaitement produire, toujours dans le même thème. Alors, je me demande si le deal Babe Rainbow est réel ou pas. Il faudra attendre que les mois passent pour s'en rendre compte. Nul doute que la musique psychédélique est un genre très trendy, j'attendrai qu'il le soit moins pour guetter la direction artistique que prendra alors Babe Rainbow.

Une fois cela dit, force est de reconnaitre que des titres à l'image de "Secret Enchanted Broccoli Forest" sont à ce point jouissifs qu'on ne saurait pour l'heure trop questionner/critiquer le groupe qui l'a composé. Et puis, on ne peut s'efforcer de penser que nous aussi, après tout, on voudrait avoir la vie qu'ils ont dans la vidéo. 

"Love Forever" est un très bon premier titre, parce que rythmé et suffisamment représentatif du reste de l'EP. La belle production des Babe Rainbow fait sens pour un titre plus proche du psychédélisme coloré des The Lovin' Spoonful que celui de plus noir du Gun Club. Vient ensuite "Secret Enchanted Broccoli Forest", le meilleur morceau de cet EP. Ce dernier est particulièrement bon en ce qu'il ne semble être qu'un long jam arabisant alors qu'il s'impose également comme un hymne pop générationnel à la Woodstock. Si certains y verront également l'influence des Black Angels, j'y vois plutôt celle de Christian Bland & The Revelators. Il n'y a qu'à écouter son "Brian Wilson" pour s'en convaincre. 

"Planet Junior" est plus dreamy, on se rapproche alors de l'univers de groupe comme Real Estate ou Ducktails. Une fois encore, Babe Rainbow semble avoir trouvé la recette d'une douce musique poétique, inventive et playful. Et puis, la phase instrumentale du dernier tiers est fort bien faite. "Ashmay & Dr. Love Wisdom", le petit dernier, est un brin en dessous, parce que trop court et parce que trop générique. 

Si The Babe Rainbow est encore très pop et vise quatre morceaux catchy, il montre avec cet EP qu'il pourrait bien être l'un des noms à surveiller au plus près en matière de musique psychédélique. Inutile de préciser que ce groupe qui semble tout droit sorti d'un poster des Seeds ou du 13th Floor Elevator sera attendu au tournant. Il faudra désormais qu'il précise son identité sonore, à défaut d'avoir trop travailler celle visuelle.

(mp3) The Babe Rainbow - Secret Enchanted Broccoli Forest 

(mp3) The Babe Rainbow - Love Forever

Liens afférents : 

Bandcamp

Article sur Christian Bland & The Revelators.