mai 2016 - Still in Rock - A Garage Rock, Slacker, Post-skate Webzine

Best of Still in Rock : Mai 2016

31.5.16

Anachronique : Kleenex & LiLiPUT (Post Punk)

30.5.16

Kleenex était un groupe de post-punk suisse (Zurich) également connu sous le nom de LiliPUT. Il changera en effet d'appellation en 1979 suite à un procès en parasitisme d'une célèbre marque de mouchoir... Aujourd'hui, Kleenex est l'un des groupes les plus légendaires en matière de post punk féminin, aux côtés des Slits et des Raincoats. Et si j'y ajoute le qualificatif "féminin", c'est que la sexualité a beaucoup à faire dans tout ça, mais je vais y revenir.

Précisons également que cet article est particulièrement d'actualité en ce que Marlene Marder, la guitariste du groupe, est décédée le 19 mai dernier. Je n'avais malheureusement jamais eu l'occasion d'écrire sur le groupe plus avant, il le mérite pourtant, voici le récit de sa musique.

Kleenex n'a jamais fait paraître que 3 EP/singles pour un total de 6 morceaux, entre 1978 et 1979. Le premier contient 4 morceaux et paraît sur un petit label de l'époque, Sunrise Records. John Peel en tombera amoureux et le mettra régulièrement à l'honneur dans ses DJ set, ça aide. Et pour cause, ces titres sont excellents. Le premier, "Beri-Beri", est une sorte de titre de dance punk dans la mouvance Orange Juice & co. Suit "Ain't You", un des grands hits du groupe. C'est plus nerveux, plus Riot grrl aussi. Kleenex joue à fond la carte du all girl band pour un morceau depuis entré dans la légende. Vient alors "Hedi's Head", un titre qui rappelle les Slits avec ses chœurs ultra présents. Et puis, c'est "Nice" qui vient conclure ce premier essai. Chanté en allemand, il est le parfait faire valoir à un féminisme fleuri, dénonçant un petit caniche blanc (merci Google trad'), je vous laisse libre de votre interprétation.

Kleenex fera ensuite paraître un 7inch, avec un "angry side" et un "friendly side". Le titre méchant, c'est "Ü", un morceau pop entrecoupé de plusieurs cris. Le titre gentil, c'est "You", le même, mais différent. Il y a du X-Ray Spex dans ce morceau avec son post-punk plutôt agressif. Kleenex encapsule le spirit de l'époque, une rebellion sexuelle à la croisée des chemins. Ce féminisme passait par un style de mec, et de la brutalité, ce que Kleenex traduit parfaitement.

(mp3) Kleenex - Ain't You (1978)

(mp3) Kleenex - You (1979)

LiLiPUT a fait paraître son premier album en 1982 via Rough Trade. Le premier titre "Do You Mind My Dream" affiche une volonté plus pop, on sent l'arriver de mouvements alternatifs à la fin du punk avec le début des années '80. Le son est plus jangle-ish, LiLiPUT n'en demeure pas moins très efficace. Parfois moins incisif que ne l'était Kleenex, comme adoucie par le poids des années, on se retrouve toutefois confronté à du post-punk qui n'est pas là pour amuser la galerie, la preuve avec "Like or Lump It".

Et puis, LiLiPUT fera paraître son deuxième et dernier album, Some Songs, toujours via Rough Trade en 1983. Le premier morceau est assez iconique de ce qu'était devenu le groupe, plus mélodieux, toujours aussi vicieux. "Ring-a-ding-dong" doit figurer dans le top 10 de cette formation. L'enregistrement est de meilleure qualité, la preuve avec "A Silver Key Can Open An Iron Lock, Somewhere" qui se rapproche presque de Nico. "Your's Is Mine" est parfaitement égoïste et LiLiPUT prouve qu'il n'a rien perdu de son minimalisme punk sur "Terrified".

(mp3) LiLiPUT - Do You Mind My Dream (1982)

(mp3) LiLiPUT - Like Or Lump It (1982)

(mp3) LiLiPUT - Your's Is Mine (1983)

Au final, Kleenex/LiliPUT est un groupe culte au point d'être intégré chaque année dans toutes sortes de compilation, pour n'en citer que quelques-unes, Do It Yourself: The Rise of the Independent Music Industry After Punk, mais encore The Record Shop: 30 Years of Rough Trade Shops ou Perfect Unpop: Peel Show Hits & Long-Lost Lo-Fi Favourites. Surtout, n'hésitez pas à vous procurer l'anthologie paru en 1993, on y trouve l'ensemble des titres un jour composé par le groupe. Et puis, pour faire jouer l'argument d'autorité, Kurt Cobain n'hésitera pas à citer le groupe dans son top 50 des meilleurs groupes de l'histoire.

Alors, quelle influence pour ce groupe ? Elle est évidente : Priest, Perfect Pussy & co... Dans une moindre mesure, Kleenex sert toujours de modèle à tous les groupes qui relèvent la nécessité de sexualiser la musique (sur ce thème, voir notre article sur Bret Easton Ellis). Ex Hex et Peach Kelli Pop lui en sont donc redevables. Je prends le pari que le retour en force du Riot grrl portera Kleenex vers plus de lumière. On en reparle dans 10 ans ?! Chiche !

Liens afférents :
Article sur The Slits
Lien vers tous les articles anachroniques

LP Review : Chris Cohen - As If Apart (Slowcore)

27.5.16

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French version

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Chris Cohen. Il y a quelques jours, Mike Sniper, créateur de Captured Tracks, confiait "lorsque je déprime à l'idée d'avoir un label indépendant en 2016, je trouve réconfort dans l'idée d'avoir fait paraître deux albums de Chris Cohen". Inutile de préciser à quel point cette phrase est déjà révélatrice de l'importance qu'il convient d'accorder à la musique de cet artiste.

Ce deuxième album en question, c'est As If Apart, paru sur le label le 6 mai dernier. Disons-le d'entrée, il y a un certain décalage à écouter As If Apart un mois de printemps. Dans notre interview (lien), Chris Cohen me disait être impatient que les pluies d'automne arrivent, et c'est exactement ce que cet album traduit. Il y a l'odeur de l'eau qui vient humidifier la terre, une légère brise qui agite les fleurs et un regard tout aussi nostalgique que poétique sur la réalité. As If Apart est un album très humain, le témoignage d'un artiste qui parvient à traduire beaucoup des peurs que nous avons. Le particularisme de Chris Cohen traduit l'universel, c'est ce que les plus grands songwriter savent faire de mieux.

Edgar Allen Poe disait, "observer attentivement, c'est se rappeler distinctement". Voilà bien la philosophie de Chris Cohen. Perclus dans sa maison aux côtés de son piano, il sublime le monde qui l'entoure en s'arrêtant sur chacun de ses détails. As If Apart, et plus généralement la musique de Chris Cohen, est terriblement vrai. Je m'en rapporte ici à ce qu'il me confiait à l'occasion de notre interview, au fait qu'il "porte un regard sombre mais affectueux sur le genre humain". As If Apart est cet album-là.

Chris Cohen commence sur les chapeaux de roue avec les deux titres les plus pop de cet album. "Torrey Pine" ouvre le bal sur une première chanson d'amour ("without out", déjà). Si je déplorais récemment (lien) le fait que plus aucun songwriter n'ose écrire des chansons d'amour, il faut ici noter avec quel talent Chris Cohen magnifie un exercice d'écriture bien périlleux. On n'avait jamais entendu la voix de Chris Cohen avec autant de recul, c'est nouveau et bienvenu. Et puis, relevons à quel point "Torrey Pine" est le titre le plus psychédélique qu'il n'ait jamais composé. Le ton est donné.

Lire l'interview Still in Rock avec Chris Cohen

Dans quelle mesure "As If Apart", le petit second, est-il véritablement éloigné de Prokofiev ? Le morceau est tout aussi déstructuré et dissonant qu'une sonate de guerre, mais version sonate de paix, alors. On s'approprie ce titre au fil des écoutes et on le garde au fil des semaines, un peu comme un titre de Coltrane se bonifie avec le temps. Le travail studio est une nouvelle fois tout à fait remarquable. Quel duo introductif ! Et puis, "Drink from a Silver Cup" opère un retour au son d'Overgrown Path, un certain minimalisme qui sublime sa poésie. Pour une fois, Chris Cohen semble accepter le monde qui l'entoure. Les bruits en fond indique une volonté de ne plus se poser en homme seul contre le reste du monde. Et puis, grand créateur mélodie oblige, "Drink from a Silver Cup" vient nous rappeler la délicatesse pop de Cass McCombs.

Chris Cohen disait beaucoup penser au passé dans notre interview. C'est "Memory" qui en atteste. De retour sur le terrain de la bedroom pop, Chris Cohen délivre 3 minutes plus langoureuses, replié sur l'un de ses thèmes favoris. C'est une constante dans ses textes, ce désir de s'adresser à une seule personne, un refus d'aborder des thèmes trop généraux. Chris Cohen est un homme solitaire qui affirme son identité dans cette quasi-adversité. Sa musique traduit un désir de conserver son intimité. Sans être misanthrope, elle traduit un certain regard sur le genre humain, regard qui n'en demeure pas moins universaliste. "In a Fable" vient conclure la face A sur une nouvelle versification dont il a le secret.

"Needle and Thread" a quelque chose de très particulier qui nous raccroche à la notion temps. L'instru' rappelle le tic-tac qui nous rend anxieux et le refrain vient sublimer une longue descente vers l'inconscient. Chris Cohen profite ensuite de "The Lender" pour dévoiler une nouvelle partie des richesses de cet album. On n'avait jamais entendu une guitare si prégnante dans ses créations. Il n'y a pas que celle de B.B. King qui a quelque chose à nous dire, Lucille peut se rassurer de ne pas (plus) être seule. Et le thème de l'album revient, "without you", le dualisme entre le désir et la peur d'une solitude qui serait irréversible. C'est l'un de ses nombreux paradoxes, la recherche d'une quiétude qui semble pourtant le tourmenter suffisamment pour écrire de nombreux titres sur le sujet.

Le spleen de Chris Cohen revient sur "Sun Has Gone Away", et pourtant, on ne ressent jamais d'anxiété à l'écoute de cet album. La voix de Chris Cohen vient nous envelopper d'une douceur qui rappelle cette phrase de Gérard de Nerval : "Je ne suis pas belle, moi, mais je suis bonne et secourable, et je ne donne pas le plaisir, mais le calme éternel". Le message est passé et cet "ever" qu'il répète à l'envie nous situe une nouvelle fois sur le cadran d'une horloge. "No Plan" est une passade vers "Yesterday’s On My Mind", ultime création de cet LP. Chris Cohen propose d'aller marcher une fois la nuit tombée, tentative d'excursion dans le monde réel.

Sur le fond, Chris Cohen est toujours ce formidable écrivain qui parvient à capturer une part de nous en quelques phrases seulement. "Je ne suis pas certain d'adhérer à propos des messages positifs, je dirais plutôt que mes paroles sont neutres", me disait-il, et c'est justement parce que les paroles sont neutres que l'on peut y coller ce que notre inconscient désire fondamentalement. Le rapport de Chris Cohen à la littérature demeure une constante, on écoute cet album comme on découvre une formidable fiction. Peut-être est-ce une fiction russe, les portraits sont forts et romancés, le spleen permanent rappelle une grandeur passée, l'action est universelle.

Sur la forme, l'instru' est parfois plus riche que celle d'Overgrown Path. Elle demeure une surprise permanente, aucun titre ne se ressemble et l'écoute de As If Apart s'en trouve sublimée. Les textes, une dernière fois, traduisent les peurs et les envies d'un homme esseulé et qui trouve son confort dans la douceur d'une vie avec soi-même. "C’était la saison douce où le recueillement de la nature nous remplissait d’une sereine quiétude", disait Georges Sand, dit Chris Cohen.

Avec As If Apart, Chris Cohen met d'accord l'ensemble de la scène de bedroom pop, les Donovan Blanc & co. Seul Murals lui résiste et As If Apart complète le magnifique Violent City Lantern de Murals, deux albums lyriques qui traduisent beauté et équilibre. Il y a des albums qui procurent des moments d'exception, et ils en font tous les deux parties. Les avoir dans la même année est une chance, et j'en reviens pour conclure à cette phrase tirée de son premier album, "There’s nothing there below you". Avec Chris Cohen, on plane au-dessus de tout ce qui compte habituellement, de toutes les velléités qui nous meuvent. C'est la force des plus grands albums.

Que Mike Sniper se rassure, Chris Cohen m'avait confié son intention de faire paraître encore plusieurs albums chez Captured Tracks. Faire aussi bien qu'Overgrown Path était loin d'être évident et c'est pourtant ce que Chris Cohen a réussi à faire, s'établissant comme l'un de plus grands songwriters de sa génération. Il y a donc désormais toutes les raisons de croire en un futur clément.

(mp3) Chris Cohen - Drink from a Silver Cup

(mp3) Chris Cohen - Torrey Pine

Liens afférents :
Interview Still in Rock avec Chris Cohen
Article sur le premier album de Chris Cohen

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English version

(french above)

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Chris Cohen. A few days ago, Mike Sniper (Captured Tracks' boss) told the world “whenever I get depressed about running an indie rock label in 2016, I can take solace in knowing I put out 2 Chris Cohen LP's”. Needless to say how meaningful this is, proving the magnitude of Chris Cohen’s music.

His second LP, As If Apart, was released via Captured Tracks on May 6, 2016. Let’s say it right away, there is some kind of a lag to listen to As If Apart during the Spring. In our interview (link), Chris Cohen told us that he was looking forward the fall rains, and this is exactly the atmosphere created by this album. You can smell the water humidifying the soil, you can feel the light breeze making flowers dance and you can have a nostalgic and poetic look at reality. As If Apart is a very human album, the testimony of an artist that manage to capture most of our fears. And at the end, Chris Cohen expresses something universal, what the best songwriters do.

Edgar Allen Poe once said, “to observe attentively is to remember distinctly”. I believe that this sentence perfectly sums up Chris Cohen’s spirit. Alone in his house, side by side with his piano, he makes the world around him looks better, sublimating every little detail. As If Apart, and more broadly Chris Cohen’s music is terribly true. In fact, he told us in our interview that he always have “a dim but loving view of humankind”.

Chris Cohen starts his album with two of the most poppier songs. “Torrey Pine” is a beautiful love song, and if I was recently mourning the lake of artists daring to write such songs, Chris Cohen writes them with great talent. Plus, we had never heard Chris Cohen’s voice with such an echo, this is new and exciting. Lastly, “Torrey Pine” is the most psychedelic song that he ever wrote. The tone is set.

To what extent is “As If Apart” close to Prokofiev’s compositions? The song is just as unstructured and dissonant as the “war sonata”… let’s call it a “peace sonata”. This song is also growing on us just like a Coltrane’s song. And the studio work is quite outstanding, what a great couple of songs to begin with! “Drink from a Silver Cup” comes then to remind us the pop gentleness of Cass McCombs.

Chris Cohen told us that he was thinking a lot about the past. “Memory” is a proof of it. Back to his bedroom pop, Chris Cohen gives us three minutes on his favorite theme, addressing one person in specific. Chris Cohen is standing against the rest of the world, and his music reflects a certain look on human gender. “In a Fable” concludes the face A on a new versification that only Chris Cohen knows how to produce.

“Needle and Thread” has something special that bring us back to the notion of time. Chris Cohen then unveils anoter treasure with “The Lender”. We have never heard such an intense guitar in his creations. B.B. King's guitar is not alone, Cohen’s one has something to tell us as well. And the central theme of this album comes back again, “Without You” shows the dualism between its desire and its fear of loneliness. It is one of Chris Cohen’s many paradoxes, looking for a tranquility that is so haunting that it makes him write songs about it.

Chris Cohen’s spleen is back on “Sun Has Gone Away” but yet, we never feel any anxiety while listening to this album. His voice cuddles us with tenderness. “No Plan” is just a passing fad to “Yesterday’s On My Mind”, the last song. Chris Cohen is asking us to follow him into a night walk, once people are gone. We do.

When it comes to the substance, Chris Cohen is still this great writer that manages to capture a part of ourselves within a few sentences. He told us that his lyrics are not specifically positive but somehow “more neutral”, and that is precisely because they are that we find into them what our subconscious want to. Those lyrics reflects fears and desires of a lonely man that finds its comfort in a peaceful life with itself, and at the end, Chris Cohen’s music also creates the feeling of reading a great novel.

On this LP, the music is also richer than on Overgrown Path, creating kind of a permanent surprise. No song is like another and listening to As If Apart is a sublimating experience. The bedroom pop scene has found a new master with Chris Cohen. Only Murals is completing this experience with Violent City Lantern. We can only be thankful to get those two albums in the same year, because at the end, they make us float above everything that usually matter.

Chris Cohen told me that he wanted to release a lot more albums on Captured Tracks, Mike Sniper can be reassured. Doing as good as Overgrown Path was far from obvious and yet Chris Cohen managed to do it. He is one of the greatest songwriters of his generation, the future looks bright.

(mp3) Chris Cohen - Drink from a Silver Cup

(mp3) Chris Cohen - Torrey Pine

Link:
Our interview with Chris Cohen
Review of Murals' Violet City Lantern

LP Review : White Lodge - White Lodge (Garage Punk)

26.5.16

White Lodge est un groupe originaire de Queensland (Australie) qui s'est un jour donné pour objectif de redonner vie au rock'n'roll des Cramps, comprenez là, aux sorcières, monstres défigurés et autres zombies sur planches de surf. On se souvient que le groupe avait fait paraître un EP remarqué en 2014 (voir l'article), nous laissant depuis sur notre ~~fin~~ faim. Bonne nouvelle, son premier album est paru le 20 avril dernier via Wiener Records (le bébé Burger). Self-titled, il comprend un total de 11 morceaux qui ont été mixés à Portland (USA), histoire de conserver un peu de cet américanisme qui réussi si bien au garage.

L'album s'ouvre sur "Bleach Coma", sorte de surf punk qui est emporté par une basse très minimale (bien qu'elles le soient toujours, hein). White Lodge n'est pas loin de Richard Hell, l'aspect forcé de la voix de Hudson Tesoriero y est surement pour beaucoup. "Woodchipper" se fait ensuite la malle sur un morceau plus surf-ish. Le morceau est moins convaincant, mais une seconde partie no control vient largement relever le niveau. White Lodge vient définitivement de captiver notre attention.

"Bella-Union Creep" continue dans la même veine, creep et monstres pas beaux en tous genres pour un morceau de garage pop. White Lodge n'est pas un grand dénicheur de mélodies et, une fois encore, la première partie de ce morceau en souffre. Et une fois encore, la seconde partie vient la sauver, parce que White Lodge s'autorise quelques petits jams dont il a le secret. "Desert Roses" est pour sa part plus punk, du garage punk un peu dingo qui nous conduit tout droit sur "California Sun", une reprise du fabuleux morceau des Dictators. White Lodge y est bon. Si le morceau originel a de toute façon une puissance qu'il est impossible de nier, le groupe en fait quelque chose d'un brin différent, well played! Et puis, "Labour Of Love" conclu cette face A sur un titre plus contrôlé, ballade pour zombies.

Interview Still in Rock avec les Dictators

"Ancient Tides" ouvre la face B sur plus de surf, et plus de jam. Ca tombe bien, c'est précisément là où White Lodge est le meilleur. On regrettera simplement que le groupe ne s'autorise pas plus de rock'n'roll, de fuzz et de distorsion. C'est "Bleedin' Down The Bayou" qui nous donne tout cela, sans pour autant pousser le bouchon trop loin - et nous, on aime quand ça va trop loin. "Evil Dares", sur un thème identique, reprend le garage punk de "Desert Roses" pour délivrer un véritable "hymne pour cimetière". OK. Là ne se trouve pas l'avenir du groupe, à mon humble avis.

"Outcast" est pop, mais notre attention se porte déjà sur "Sister In The Dunes". Plus long morceau de cet album, on se dit qu'il contiendra bien quelques envolées monstrueuses. Et effectivement, la moitié de troisième minute nous donne enfin ce que l'on attend durant l'écoute de cet LP : un peu de salissure. Une fois encore (voir la première fois), je m'étonne que les groupes dits de garage s'évertuent à se concentrer sur la propreté de leur son. Faites de la musique hi-fi avec des disto' dans tous les sens plutôt que du lo-fi avec une guitare bien rangée ! Ty Segall a montré la voie, pourtant.

Au final, cet album contient quelques bons moments qu'il serait dommage qu'un fan de rock'n'roll et autres sucreries surf ne se mette pas sous la dent. Je pense notamment au titre introductif, "Bleach Coma", ainsi qu'à la reprise de "California Sun", deux réussites incontestables. Seulement, White Lodge manque encore ce petit plus qui fera de lui un nom sur la scène. Peut-être que ça viendra d'une meilleure production, mais je prends le pari que ça viendra surtout d'un plus grand lâcher prise. White Lodge n'est jamais aussi bon que lorsqu'il s'autorise des jams un peu crado. Ils collent parfaitement à son univers et apportent tout le déjanté que sa musique réclame.

Une fois encore, White Lodge aurait tout à gagner à lâcher prise plus souvent, se détacher de ce que font des groupes comme Night Beats, aka un son un peu dans un style, mais qui ne veut froisser personne. L'identité sonore de White Lodge passera par un son moins consensuel, peut-être par plus de psychobilly, peut-être par plus d'expérimentation. D'ici là, on se régale de ces quelques bouts ~~de chair~~ de musique que cet LP contient déjà, et à la revoyure !

(mp3) White Lodge - Bleach Coma

(mp3) White Lodge - California Sun

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Article de présentation du groupe

Article anachronique sur Richard Hell

LP Review : Guided by Voices - Please Be Honest (Lo-fi rock)

25.5.16

Guided by Voices. Ça y est, c'est décidé, je ne présente plus Guided by Voices. Pour un panorama complet de la carrière du groupe, cliquez ici, et pour ses récentes émanations, cliquez là. Ne pas chroniquer Guided by Voices serait un peu comme ne pas parler du patient zéro. Robert Pollard est un pionnier, pionnier dans le rock lo-fi, pionnier dans la musique indépendante, pionner dans l'expérimentation. Alors, lorsqu'il annonce la sortie d'un nouvel LP, il est un devoir d'y consacrer quelques lignes, au moins.

Please Be Honest est le 55ème album du groupe (ça calme). On se souvient surtout des récents (et très bons) Motivational Jumpsuit et Cool Planet, parus en 2014. Robert Pollard avait entre-temps décidé de sortir quelques albums sous d'autres projets (oh, juste une petite dizaine) et le revoilà sous le nom de Guided by Voices avec cet LP composé de 15 morceaux. On se demande alors s'il a décidé de tourner sa musique vers les Beatles, comme il le fait parfois, ou si un punk plus tranchant a emporté la mise. Réponses.

Qu'on se le dise, Guided by Voices a conservé ce même son lo-fi qui le caractérise. Aucun trick ici, il s'agit d'un véritable lo-fi qui n'est pas là pour feindre un je-m'en-foutisme rock'n'roll. "My Zodiac Companion" et "Kid On A Ladder", les deux premiers, sont des morceaux pop rock qui nous plongent lentement dans l'univers de Guided by Voices. Il est vrai que les premières minutes sont à chaque fois surprenantes. Pour jouer au vieux ~~con~~, je note que les technologies à disposition du moindre groupe ont tellement évolué qu'il est désormais possible de produire du lo-fi depuis sa chambre. Nécessairement, on se trouve moins confronté à un son quelque peu sali, ce que Guided by Voices nous a toujours proposé.

"The Grasshopper Eaters" est encore plus lo-fi, ce qui n'arrange pas son accessibilité, mais le côté mélodique fini par l'emporter. Guided by Voice fait dans un expérimental apaisé avec l'introduction des premiers accords de guitare sèche. Elle va revenir. Suit "Glittering Parliaments", un titre plus pop qui rappelle ses créations des années '90. "The Caterpillar Workforce" n'est pas moins bizarre, Robert Pollard qui s'essaie à la folk, c'est toujours particulier. "Sad Baby Eyes", un thème que Guided by Voices a souvent abordé (la tristesse, pas l'enfance), est toujours aussi minimal. Pollard expérimente encore plus et l'on se sent perdu, il faut bien le dire.

Heureusement "The Quickers Arrive" nous ramène sur des terres plus abordables. On aime notre Guided by Voices lorsqu'il flirte avec de l'indie rock nineties, c'est ce qu'il fait parfaitement sur ces 3 minutes à retenir. Une chose est sure, la musique de Robert Pollard est toujours aussi noire. C'est ce qui ressort tout au long de cet album, à l'image de ce titre. Vient alors "Hotel X (Big Soap)" qui opère une véritable cassure, histoire que l'on ne puisse vraiment s'habituer à aucune dynamique. N'importe quel autre groupe aurait construit son album de la sorte que l'on aurait crié à la faute de gout, mais il est va bien différemment avec Robert Pollard. Ce titre-là débute façon bande-son de John Carpenter en alternant entre indie rock et refrains pop. C'est parfaitement déconstruit, du très bon Guided by Voices.

"I Think A Telescope" reprend les arpèges du titre précédent pour repasser sur de la folk. "Please Be Honest" enchaine, toujours avec la décontraction d'un SHR (à google-iser). C'est un peu la version Guided by Voices du terme "balade", un truc un peu stressant où l'on court plus qu'on ne se promène véritablement. Guided by Voices a toujours voulu échapper aux arrangements studio qui plombent les créations, pari réussi.

"Nightmare Jamboree" a pour lui d'injecter un peu de punk dans cet album. C'est probablement l'un des meilleurs titres de cet LP. Si l'on aimerait parfois que les titres de Guided by Voices ne restent pas à l'état de démo, ce qu'ils sont toujours, on se dit que "Nightmare Jamboree" est très bon comme il est. "Unfinished Business" est plutôt indescriptible, alors on se reporte très directement à "Defeatists' Lament", l'avant-dernier. Cette fois-ci, Pollard semble avoir composé une musique de chambre. Sa voix est toujours autant sur le fil, ça fonctionne ! "Eye Shop Heaven", enfin, fait ressortir une énième production, et une belle mélodie pour conclure un album encore plus décousu qu'à l'habitude.

Au final, Please Be Honest ne diffère pas beaucoup des autres albums de Guided by Voices en ce sens que Robert Pollard a une formule qu'il appliquera jusqu'à la fin, et c'est très bien comme ça. Dès lors, critiquer un album de Guided by Voices, au risque de se répéter, revient à apprécier les mélodies de chaque morceau, seul déterminant véritable de la qualité de ses LPs. Et elles sont ici nombreuses à être mémorables.

Full disclosure, les articles sur Guided by Voices sont loin d'être ceux qui suscitent le plus d'intérêt, et je persiste pourtant à penser que le groupe, légende en activité, mériterait beaucoup plus de lumière. J'espère que cette publication sera une bonne surprise, comme le fut l'article sur la musique indépendante japonaise dont je parlais déjà hier. Voilà, adviendra ce qu'il adviendra. En attendant, Guided by Voices, l'un des plus grands groupes indépendants de l'histoire, continue sa route vers la postérité.

(mp3) Guided by Voices - Nightmare Jamboree

(mp3) Guided by Voices - The Quickers Arrive

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Article anachronique sur le groupe

Article sur l'album Motivational Jumpsuit

LP Review : Kikagaku Moyo ‎- House In The Tall Grass (Post Psych-Pop)

24.5.16

Kikagaku Moyo. C'est avec surprise que j'aie constaté l'intérêt qu'a généré mon article sur la musique indépendante japonaise des années 1970. Alors, par souci d'hédonisme, me revoilà avec l'album review d'un groupe japonais bien connu des lecteurs de Still in Rock : Kikagaku Moyo. Interviewé en 2013 (et en 2015), Kikagaku Moyo est devenu l'un des véritables piliers de la musique psychédélique japonaise. Il vient tout juste de faire paraître son nouvel album, House In The Tall Grass via Guruguru Brain, le label créé par le groupe

Plus doux que ses précédents LPs, ce dernier est l'occasion de découvrir un Kikagaku Moyo apaisé. Et cette sérénité lui va à merveille, House In The Tall Grass regorge de petits jams de bedroom pop qui font parfaitement écho à la nuit d'encre de la pochette. On doit probablement cela à la façon qu'a le groupe d'enregistrer ses albums : une prise, une seule. Kikagaku Moyo laisse une grande place à l'improvisation et House In The Tall Grass laisse apparaître des traces de cette volonté de ne jamais céder à ce qui est attendu. Là se trouvent forcément les défauts du groupe qui a parfois tendance à nous laisser de côté, mais il n'en demeure pas moins que le résultat d'ensemble est super convaincant.

Kikagaku Moyo a toujours autant le sens des grandeurs, c'est ce qui ressort de "Green Sugar", un premier titre de presque 8 minutes. Étonnement pop, ce morceau est l'occasion de se parer de tubas et de masques de plongée avant la grande descente. "Kogarashi" précise l'univers de cet LP : des sonorités éparses et des voix à l'aspect quasi-ecclésiastique.

"Old Snow, White Sun" est plus expérimental que les précédents. Ce titre, relativement bien fourni, a pour lui de nous rappeler ces espaces sonores d'ambiance sur lesquels on a (ou pas) l'habitude de se laisser aller. Une chose est sure, ce trio introductif est tout à fait surprenant. Kikagaku Moyo a pour l'heure troqué son rock'n'roll psyché avec une post-pop inattendue. Vient alors "Melted Crystal" qui nous fait patienter 5 minutes durant et c'est "Dune" qui réinjecte un peu d'entrain dans cet album. Kikagaku Moyo est toujours aussi déterminé à ne pas utiliser de voix, comme pour encore plus universaliser sa musique. Ainsi se conclut la première moitié de l'album.

Les deux titres qui suivent sont l'œuvre de Go Kurosawa. "Silver Owl", c'est une véritable épopée de plus de 10 minutes qui vont aller très loin. Kikagaku Moyo captive à nouveau notre attention. Son léger psychédélisme est habillé de sonorités japonisantes qui forment un reflet sur l'image du groupe. Le dernier tiers finit par exploser, le moment que l'on attendait depuis les premières secondes de cet LP. Kikagaku Moyo a su garder pour l'instant le plus adéquat. "Silver Owl" s'en trouve sublimé.

"Trad", dans un autre style, joue sur le côté planant de cet album, sorte de pop spectrale venue d'ailleurs. Et puis, comme le précédent, Kikagaku Moyo casse la structure qu'il venait de mettre en place pour laisser un peu d'espace à du rock'n'roll bien trouvé. Hello Sonic Youth, hello influence américaine, nous te souhaitons la bienvenue dans la musique de ce groupe.

"Cardigan Song" est une petite balade folk qui conclut agréablement notre petite escapade. Kikagaku Moyo y est très modéré, les arpèges forment une dernière expérience aux confins d'une musique à laquelle on n'a décidément pas l'habitude d'être confronté. Kikagaku Moyo maintient ses ambitions minimalistes.

Fidèle à la tradition psychédélique japonaise, on trouve de nombreuses traces de folk dans la musique du groupe. Au final, House In The Tall Grass est un album très poétique, sorte de musique pop post-psychédélique en ce sens qu'elle en reprend plusieurs codes dont elle joue souvent. Et puis, la musique de cet album est étonnement minimale, ce qui est généralement assez antinomique à la musique psychédélique qui est par nature beaucoup plus fournie. C'est l'apport de cet album.

Kikaguku Moyo nous avait surpris pour son rapport constant à la nature dans son premier album, il nous captive cette fois-ci avec des créations plus rêveuses. Le clergé ferait bien de s'inspirer de ces quelques douceurs s'il voulait requérir l'esprit de ses fidèles. En attendant, Kikaguku Moyo étend son empire à la vitesse grand V, preuve que sa musique est toujours aussi remarquée. Que le groupe ne se fasse aucun souci, il conserve haut la main son statut de groupe japonais le plus prometteur.

(mp3) Kikagaku Moyo - Silver Owl

(mp3) Kikagaku Moyo - Trad

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Article le premier album du groupe

Interview Still in Rock avec Kikagaku Moyo

Anachronique : James Taylor (Folk)

23.5.16

James Taylor. Comment chroniquer un autre album que celui qui commence par "Don't come to me with your sorrows anymore" ? Bien sûr, écrire sur un seul LP de James Taylor implique de faire un choix cornélien. Il y a bien son fabuleux premier album, James Taylor (1968), Sweet Baby James (1970) et JT (1977)... Je fais aujourd'hui le choix de vous présenter Mud Slide Slim And The Blue Horizon (1971) parce que, à mon sens mieux que les autres, il fait partie de ces albums mythiques qui, entre folk et country, insistent sur la dolce vita américaine d'autant.

Sur Mud Slide Slim And The Blue Horizon, James Taylor se présente à nous face au reste du monde. On retrouve de nombreuses fois ses ambitions de solitude et d'abandon. Pourtant, James Taylor porte un regard tendre sur le monde qui l'entoure, prêchant l'amitié (bien plus que l'amour), prêchant constamment la beauté du paysage. Cet album est tout aussi contemplatif qu'il est apaisé.

Un peu comme le faisait si bien Nick Drake, James Taylor est de ces romanciers de la vie qui dépeigne une Amérique apaisée et solidaire. Sa musique, parfaitement instrumentalisée, forme les stances de l'oisiveté. James Taylor est un artiste que l'on écoute lorsque l'on est amoureux, pour coller à notre état d'esprit, et que l'on écoute aussi lorsque tout s'écroule, pour remédier à l'apocalypse. Cet article complète ainsi notre série sur la folk américaine, la seule et unique. Van Morrison, J.J. Cale, Randy Newman, The Flying Burrito Brothers, Nick Drake et James Taylor faisaient partie des principaux membres du club des plus grands songwriter de l'histoire, voici le récit de l'un d'entre-eux.

"Love Has Brought Me Around" est plutôt trompeur en ce qu'il laisse entendre que James Taylor soit meut par une volonté de suivre sa destinée amoureuse. Le titre est un aperçu plutôt exact de ce que contient une partie de l'album, mais on ne saurait trop s'y reporter. "You've Got A Friend", à l'inverse, est probablement le titre le plus symbolique de ce que la musique de James Taylor est une tape amicale sur l'épaule. Ce morceau, qui constitue sans aucun doute l'un des plus beaux hymnes à l'amitié jamais écrits, penche clairement du côté le plus folk des créations de James Taylor, ou plutôt devrais-je parler de Bedroom Folk.

"Places In My Past" insiste sur le passé d'un voyageur sans fin. La voix légèrement nasillarde de James Taylor colore ce morceau d'une mélancolie passéiste qui nous fait du bien. "Riding On A Railroad" rappelle pour sa part Leonard Cohen, pour l'instru' très fifties, et Bob Dylan pour le rapport aux grands espaces. Ce titre n'est pas le plus symbolique de la discographie de James Taylor, mais quel périple, quelle croisière ! On aperçoit la petite échoppe au loin, comme un accessoire à la longue route poussiéreuse que l'on vient de traverser. C'est "Soldiers" qui nous y accueil, "just after sunrise". La journée fut longue et voilà que la première partie de l'album se conclut déjà. Et puis, James Taylor "got out of bed, say "good morning, what a beautiful day"...

La traversée reprend de plus belle avec "Mud Slide Slim". Ce titre est une nouvelle excursion dans la folk des années '70, plus proche de Van Morrison que jamais. "Mud Slide Slim" est une errance de luxe dans l'univers d'un homme de la terre, là où James Taylor veut "pick up a piece of land and built myself a cabin back in the woods". Et puis, l'adéquation entre le message et la forme artistique est absolument parfaite, le minimalisme de chaque côté est renforcé par un voile romantique, le texte fait référence à l'horizon et la musique est agrémentée d'un piano-bar texan. Voilà bien un chef-d'oeuvre du genre, rien de moins.

"Hey Mister, That's Me Up On The Jukebox" est directement étiquetée comme "sad song". James Taylor délivre en effet une balade sur laquelle on reflète le chemin déjà parcouru, avec ses au revoir et ses révérences. "You Can Close Your Eyes" est plus réconfortant. Troisième merveille de l'album (avec "You've Got A Friend" et "Mud Slide Slim", vous l'aurez compris), James Taylor dit ne plus connaitre de chansons d'amour et ne plus pouvoir chanter le blues. Il délivre une chanson d'une extraordinaire sensibilité, pour que sa tendre puisse la fredonner durant son absence.

La dernière partie de l'album s'ouvre avec "Machine Gun Kelly", un morceau plus enjoué qui rappelle le J.J. Cale inspiré (bien qu'il l'ait toujours été) de ses meilleurs albums. Sans entrer dans le message politique, on se perd dans les quelques allures de Country qui bercent encore de leur affabilité. Et puis, "Long Ago (And Far Away)" devra également être retenu comme l'un des grands de la discographie de James Taylor. Gracieux et suave, il laisse réapparaître plusieurs voix féminines, comme pour rappeler le leitmotiv de cet album.

On passe à autre chose avec "Let Me Ride", un titre presque funk-ish avec ses cuivres et son rythme effréné. Van Morrison semble revenir à grands pas, une fois encore. Des choeurs viennent renforcer l'impression et voilà que "Highway Song" crée l'inattendu : un titre à la Randy Newman. C'est bel et bien le style dans lequel James Taylor est le meilleur, lorsque sa mélancolie prend le pas sur des bonnes intentions. James Taylor dit vouloir reprendre la route, laisser sur place les gens du parcours, pour se retrouver seul, une fois encore. Ah, vous avez dit Beat Generation ?! Et puis, ce "higway" nous conduit directement sur "Isn't It Nice To Be Home Again". Tout est dit dans l'appellation de ce morceau. James Taylor complète son concept-album. Que l'odyssée fut belle !

Cet album est un sans faute, raison pour laquelle il a marqué l'histoire de la folk américaine, et, plus généralement, de la musique Américaine avec un grand A. À la différence de certains articles anachroniques sur des albums oubliés, Mud Slide Slim And The Blue Horizon est un absolu indispensable - reconnu comme tel - pour toute personne un tant soit peu intéressée par la musique seventies.

James Taylor, c'est des textes, un fabuleux songwriting et aussi une voix. L'expérience est absolument parfaite. Avec ce genre d'albums, on se prend à rêver de ce qu'aurait été notre vie dans une autre réalité, perdu dans une petite cabane d'un des lacs du Michigan. Et finalement, James Taylor nous fait goûter à cette autre existence - délicatement aromatisé au whisky -, et c'est déjà beaucoup.

(mp3) James Taylor - You've Got A Friend (1971)

(mp3) James Taylor - Mud Slide Slim (1971)

(mp3) James Taylor - You Can Close Your Eyes (1971)

Liens afférents :

Article sur J.J. Cale

Article sur Van Morrison

Interview Still in Rock : Parquet Courts

20.5.16

LP Review : Eagulls - Ullages (New New-Wave)

19.5.16

Eagulls est un groupe originaire de Leeds bien connu des lecteurs de Still in Rock et, plus généralement, de tout ceux qui s'intéressent de près ou de loin à la scène anglaise. Le groupe a été élevé au statut de star mondial par la presse anglaise et voilà que les feux des projecteurs sont désormais tournés vers lui. On connaît généralement la suite. Eagulls a fait paraître son nouvel album, Ullages, via Partisan Records le 13 mai dernier, et c'est là que tout se joue.

Autant le dire, je n'attendais pas beaucoup de ce deuxième album d'Eagulls. Le groupe m'a déçu à plusieurs reprises en live ce qui annonce presque toujours un coup de chance en studio. Et puis, la musique du premier album était sur le fil. Enfin, Ullages a perdu l'aspect punk du premier album, et avec, le post-punk qui l'accompagnait. On se trouve ainsi confronté à de la véritable new wave. Vous n'aimez pas les Cure ? Passez votre chemin. Résultat de tout ça ? Ullages est en dessous du premier LP, sans conteste. Seulement, l'album contient quelques morceaux qui valent véritablement la peine et on se souvient qu'Eagulls nous avait tellement enchanté en 2014 qu'il convient d'assurer le suivi, au moins sur cet album.

Il était crucial que le groupe commence de la meilleure des manières. C'est ce qu'il fait avec "Heads Or Tails", un morceau captivant qui nous plonge immédiatement dans la brume de son premier album. George Mitchell n'a rien perdu de sa superbe, c'est déjà ça ! Et puis, Eagulls reprend ses thèmes favoris, le noir, la solitude et la dépression, comme pour nous saisir immédiatement à la gorge. Rien à dire, ce premier titre est une franche réussite. Le petit second, "Euphoria", fait moins bien le travail. Les ficèles sont trop grosses et puis... trop pop.

"My Life In Rewind", c'est les premiers pas d'Eagulls dans pop ambiante, un style qui va habiter une bonne partie de cet album. Eagulls n'y excelle pas, on manque déjà l'intensité du premier album. Et puis, on croirait rêver avec "Harpstrings", non pas parce que le titre ressemble à la série Twin Peaks, mais bel et bien parce qu'il rappelle cruellement Alex Calder. Il ne s'agit en fait que d'une simple interlude qui nous conduit vers "Velvet". Ce morceau-là, à mon sens le meilleur de l'album, parvient à faire le grand écart entre les deux styles du groupe : celui intense et post-punk du premier LP, celui plus new wave et plus soft pop du second. "Velvet" doit être retenu !

Malheureusement, Eagulls ne réussit pas toujours son coup et on tombe ensuite sur "Psalms", sorte de bouillie dont on ressort peu satisfait. "Blume" est également trop mou, sans statement, sans objectif. "Skipping" est plus étonnant. Le titre alterne entre plusieurs univers, c'est suffisamment bien fait pour nous captiver, mais on se demande déjà ce qui suit. La réponse est "Lemontrees", un autre morceau très new wave qui a l'avantage de son refrain.

"Aisles" perpétue la batterie militaire qui oscille sur l'album depuis plusieurs minutes. La guitare n'est pas vraiment présente pour contrebalancer le tout, encore un morceau qui glisse comme la pluie de ce 19 mai 2015. On conclut finalement sur "White Lie Lullabies", un morceau tout aussi pop, un morceau aussi éloigné du post-punk un peu rageur du premier LP. Loin de moi l'idée de reprocher à Eagulls de n'avoir pas reproduit son album éponyme, mais il y avait peu être quelque chose de tout aussi saisissant à produire, même dans un style différent.

Un groupe qui abandonne le rock'n'roll, c'est difficilement pardonnable. Eagulls profite toutefois de cet abandon pour renouer avec un genre musical en déperdition. C'est le seul véritable statement de cet album, celui de montrer que le groupe est capable de s'éloigner de la hype de son premier album pour tenter une nouvelle identité musicale. C'est osé, c'est fort et ce doit être remarqué.

Toutefois, on aurait préféré qu'Eagulls fasse quelque chose d'autre de son intention. Ullages est souvent mou et uniforme, les titres s'enchaînent parfois sans jamais nous accrocher l'oreille, c'est dommage (rien de comparable à "Amber Veins" et "Footsteps" par exemple). Eagulls fait partie de ces rares formations à apporter quelque chose de nouveau à la scène, alors forcément, on aurait aimé que cette nouveauté nous extasie un peu plus. Mais on ne gagne pas à tous les coups, j'imagine. Il faudra tout de même continuer de porter un regard bienveillant sur le groupe qui mérite la reconnaissance qui est la sienne. Et puis, Ullages a quand même du bon, voir très bon. Prenons-le et partons en courant nous réfugier dans une église de Leeds.

(mp3) Eagulls - Velvet

(mp3) Eagulls - Heads Or Tails

Liens afférents :

Album Review du premier album

Article sur les démos d'Alex Calder