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1. Murals : de l'or (article)

Le nouvel album de Murals relègue aux oubliettes la quasi-totalité des albums de dream / bedroom / pop / folk de ces dernières années. Violent City Lantern est une introspection en plein dans une belle ville éclairée à la bougie. Cet album-là marquera l'histoire de Still in Rock. Il restera comme l'une des expériences musicales les plus entières que je n'ai jamais vécu à ce jour.

2. DIIV : shoegaze et audacieux (article)

DIIV continue de faire des siennes. Son second album, Is The Is Are, est une petite merveille de pop shoegaze qui devrait marquer l'année 2016 de son sceau. DIIV a réussi l'exploit de contenter tous ceux qui attendaient (beaucoup) de lui. Ils sont peu à le faire. Profitez-en, au passage, pour aller relire notre interview avec le groupe.  

3. Ty Segal : les vidéos (article)

Ty Segall, le seul l'unique, est revenu avec deux vidéos : un court-métrage de 15 minutes sur fond d'Emotional Mugger ainsi qu'une session KEXP d'anthologie. Ces deux vidéos auront convaincu les quelque réticents de l'immensité de son dernier LP, à faire pleurer dans les chaumières des vieux punks de CGBGB. A ne manquer sous aucun prétexte ! 

4. Johnny Mafia : la relève (article)

On entend souvent des groupes décrits comme étant la relève de ceci ou de cela. Seulement, avec Johnny Mafia, l'expression prend ici tout son sens. Ce jeune groupe de garage rock français sera bientôt une valeur sure de la scène. Il peut viser haut, très haut. Les Burger & co ne tarderont pas !

5. Les articles anachroniques : Algebra Suicide et Redd Kross (ici et ici)

Les articles anachroniques ponctuent les lundis de Still in Rock depuis plusieurs années déjà, et c'est toujours avec autant de plaisir que j'en continue la lignée. Ce mois-ci, la douce pop synthétique d'Algebra Suicide est venue guider vos journées créatives tandis que le punk de Redd Kross s'est donné pour objectif d'agiter vos nuits de printemps. 

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À également ne pas manquer : le nouvel album de Sunflower Bean (ici), le retour des Oh Sees (ici), l'excellent LP des Combomatix (ici), l'apparition de Tall Juan (ici), le garage de Sick Sad World (ici), et, enfin, notre premier interview d'un show TV (ici).

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FRENCH VERSION
(click here for the english one)
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Milk'N'Cookies. Je l'ai dit et le redis ici, Milk'N'Cookies est l'un des plus grands groupes de power pop de l'histoire, et, de ce fait, l'un des plus grands groupes de pop. Period. Pourtant, il n'a jamais fait paraître qu'un seul et unique album, en 1975 (chronique). Alors, lorsque Captured Tracks a annoncé il y a quelques semaines à peine qu'il s'apprêtait à faire paraître un triple set du groupe, mon coeur d'adolescent meurtri n'a fait qu'un tour.

Les 18 premiers morceaux sont ceux de l'album que nous connaissons. Ils ont été remastérisés pour l'occasion, c'est toujours aussi excellent, la musique du groupe n'a rien perdu de sa superbe ! Mais concentrons-nous aujourd'hui sur les 25 autres morceaux, des démos et inédits, qui laissent aparaître un nouveau visage de Milk'N'Cookies. 

Le premier est une démo de "Not Enough Girls (In the World)", un classique à ce point culte qui devrait est sans conteste au panthéon des meilleurs titres pop de l'histoire, aux côtés de Big Star. "On the Out (Demo)", le second, est plus étrange. L'arrangement est super light et la voix de Ian North est délivrée sans artifice, voilà les prémises d'un Milk'N'Cookies plus punk. C'est ce que l'on retrouve aussi sur "Girls in Gangs (Demo)". On imagine comment ce refrain aurait pu nous enchanter d'une autre power-lolipop, il n'en sera rien. "Naked City (Demo)" vient clore ce curieux trio introductif : les Milk'N'Cookies étaient donc aussi un groupe de punk.

On retrouve un thème plus fidèle au groupe sur "Why Is Life (Demo)" où la phrase introductive, "being 14 is really hard" donne le ton d'un teenage movie. On se rapproche ici du son des Modern Lovers. C'est brillant. Avec "Randy Slut (Demo)", Milk'N'Cookies amorce une romance plus ironique, c'est les prémissses de la scène New Yorkaise de 1977 (mixtape).

"Auto Fade" introduit les morceaux tirés d'une répèt' du groupe datée de 1973. Le son est plus lo-fi, on y voit déjà l'immense chemin parcouru par Milk'N'Cookies pour arriver au résultat du son parfaitement léché de son LP. Et puis, avec "Bop the Do" apparaît un morceau tellement rock'n'roll qu'il aurait fait pâlir d'envie les Real Kids. C'est bien cette scène-là avec laquelle Milk'N'Cookies fait ici du pied. Jamais on aurai un jour cru entendre un son si raw dans la discographie du groupe. Il y a du punk, du Ramones (1, 2, 3, 4) et du Chuck Berry dans l'idée d'un titre immédiatement perceptible.


"English Tea" est l'un des meilleurs titres de cette session. Si les Sonics ne sont plus très loin, Milk'N'Cookies prend ce morceau comme un statement : le son jangle pop de la guitare peut parfaitement s'intégrer à du punk. Les Soft Boys auront compris la leçon, mais ils sont finalement peu nombreux a avoir répété l'expérience. Et puis, après le quasi-instrumental de "Hitter" vient "Move Fast". On se rappelle alors du "I Wanna Go Fast" de Warm Soda. "I Don't Want to Know It" rappelle une fois encore l'excellent "Roadrunner" de Richman, ou plutôt est-ce l'inverse.

Milk'N'Cookies passe la vitesse supérieure sur "Good Enough to Eat". Le groupe s'évertue à aller toujours plus vite, c'est rock'n'roll, c'est garage ! "Hello Girlie" vient réinjecter un peu de pop dans la soupe. Cela n'est pas pour empêcher le groupe de délivrer une guitare stridente, mais il y a là le refrain de ses plus grandes heures. "You Got My Shoes" laisse apparaître une ressemblance avec les New York Dolls, à moins que ce ne soit avec Johnny Thunders & the Heartbreakers.

"We Go On Dancing" introduit la dernière ligne droite où les titres sont tous des démos de ceux présents sur l'album. "Chance to Play" enchaine, puis vient une excellente version de "Last Letter". Jamais on ne résistera non plus au rythme de "Wok N'Woll". "Just a Kid" rappelle l'idylle adolescente de Milk'N'Cookies et vient alors la démo de "Not Enough Girls". Le titre pourrait être joué sur des pots de yahourts qu'il serait bon. "Good Friends" et "Six Guns" viennent clore la marche.

Au final, ces 25 morceaux qui permettent notamment de replacer Milk'N'Cookies dans son contexte historique forment un sans-faute. Le groupe new-yorkais débarque sur une scène en plein essor où l'explosion punk n'allait pas tarder. Nul doute désormais que les Milk'N'Cookies pouvaient aussi être bad boys. Ils sont, encore, la preuve de ce que le travail de prod' réalisé sur leur album studio est extraordinaire. Les Milk'N'Cookies seront passés de la scène punk à celle pop en l'espace de quelques mois en peine, délivrant le meilleur de chacune d'entre elles. 

L'influence de Milk'N'Cookies sur la scène Power Pop est immense. Warm Soda, Ex Hex, Nic Hessler, Eleanor Friedberger & co sont autant de groupes à lui rendre hommage. Mais peut-être devrait-elle l'être aussi sur la scène proto-punk. Peu de groupes sont parvenus à exceller dans deux genres musicaux différents, faites la liste, vous verrez. Et voilà comment Milk'N'Cookies intègrera désormais la catégorie des tout meilleurs groupes de l'histoire, notamment parce ce qu'il démontre avec ces démos qu'il n'aura pas été la formation d'un seul album. 

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ENGLISH VERSION
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Milk’N’Cookies. I said it once and I say it again, Milk’N’Cookies is one of the best power pop band in the history, and therefore, one of the best pop band ever. Period. Yet, they only released one album in 1975. So, when a few weeks ago Captured Tracks announced that they were going to release a triple-LP of Milk’N’Cookies, my teenage little blood boiled.

We already know fhe first 18 tracks. They were remastered for the occasion and the band music has lost none of its superb! But today let’s focus on the 25 other titles, these demos & originals that show us a new face of Milk’N’Cookies.

The first one is a demo of "Not Enough Girls (In the World)", a true classic, so cult that it should be, without any doubt, inducted into the pop tunes hall of fame, side by side with Big Star. The second, "On the Out (Demo)" is more intriguing. The arrangement is super light and the voice of Ian North is coming at us without any artifice. This is the premises of a more punk version of Milk’N’Cookies. We also get this feeling on "Girls in Gangs (Demo)" as we imagine how this chorus could have been another great power-lollipop song. "Naked City (Demo)" ends this introductory trio, and we can now say that Milk’N’Cookies were also a punk band.

We are back on a more usual theme with "Why Is Life (Demo)" when the first sentence, "being 14 is really hard", make it looks like a teenage movie. We are then really close to the sound of the Modern Lovers. This is brilliant. With "Randy Slut (Demo)", Milk’N’Cookies initiate a more ironic romance, the premise for the 1977' New-York scene.

"Auto Fade" introduces the tracks taken from a Milk’N’Cookies rehearsal back in 1973. The sound is way more lo-fi and we can measure the evolution made by the band, from here to their perfectly produced LP. Then appears "Bop the Do", a song that would have made The Real Kids envious. We never thought we would hear such a raw sound coming from Milk’N’Cookies. This is so punk that we can almost feel the spirit of the Ramones (1, 2, 3, 4) and Chuck Berry at the same time.


"English Tea" is one the best song of the session. The Sonics are not so far and Milk’N’Cookies makes this song a statement: jangle pop can perfectly match some more punk. The Soft Boys will learn the lesson, but only few bands finally did. After the quasi-instrumental "Hitter" comes "Move Fast". This reminds us the song "I Wanna Go Fast" by Warm Soda. "I Don’t Want to Know It" is once again close to the excellent "Roadrunner" by Richman, or maybe it's the opposite.

Milk’N’Cookies moves up a gear on "Good Enough to Eat". The band is trying to go as fast as it can; this is rock’n’roll, this garage-rock! "Hello Girlie" brings back some pop in the soup and it doesn’t stop them from delivering some loud guitar sounds. "You Got My Shoes" is close to the New York Dolls, even closer to Johnny Thunders & The Heartbreakers.

We know the studio version of all of the following tracks starting with "We Go On Dancing". "Chance to Play" comes right after, followed by an excellent version of "Last Letter". Do not try to resist the great rhythmic of "Wok N’Woll" or not to recall your big teenage love with "Just a Kid". Milk’n’Cookies embodied that so well. And this version of "Not Enough Girls" is excellent as well, what a song, what a hit! "Good Friends" and "Six Guns" are the closing statement.

Ultimately, these 25 tracks help us to put Milk'N'Cookies in its historical context. They recall us that Milk’n’Cookies appeared just before the punk explosion and proved that they could also be bad boys. And again, by contrasting so much with the final version, they underlined the great, great work made for the mastering. Milk’n’Cookies moved from being a punk band to one of the best pop bands in history in few months only, delivering the best of each musical genre.

Milk'N'Cookies' influence on the Power Pop scene is huge, and no other word can describe it. Warm Soda, Ex Hex, Nic Hessler, Eleanor Friedberger & co are all honoring the band. And maybe Milk'N'Cookies should also have a significant influence on the proto-punk scene. Only very few bands have managed to excel in two different musical genres, list them, you'll see. And that's what Milk'N'Cookies exactly prove he did. This band, to put it differently, is one of the very best in history, particularly with these demos which demonstrates that he had produced way more than only one terrific LP.

Combomatix a déjà été présenté comme le papa du garage rennais. C'est vrai et c'est faux. C'est vrai parce que le groupe produit des albums du genre depuis un petit moment déjà, bien avant que ce soit à la mode. C'est faux, parce que Combomatix est originaire de La Rochelle. C'est faux, parce que cela impliquerait que sa musique soit pépère, une sorte de George Clooney du garage. Ouais, mais en réalité, Combomatix fait plutôt dans un garage si lourd qu'il semble facilement s'imposer comme l'un des plus distinctifs de toute la scène française. Oubliez tous ces groupes que l'on arrive jamais à différencier (ces Combotox), avec Combomatix, l'expérience est unique et on peut l'identifier dès les premiers instants de chaque morceau. 

Suzies. Ca commençait à faire long. Les jours passaient et je n'avais pas pu chroniquer une jeune formation depuis un bon moment. Nous y revoilà, l'article à faire pâlir Vice parce qu'ils ne peuvent se permettre de passer trop de temps à écouter ce qui ne génère pas (trop) de cliques. 

Suzies mérite pourtant que l'on s'y attarde, longuement. Le groupe, originaire du Michigan, vient de faire paraître son tout premier EP, Bub, en janvier dernier. Composé de trois morceaux, on se dit à l'écouter qu'Halloween 2016 n'a jamais semblé si proche. À l'image de sa pochette, sa musique est pleine de toile d'arraigné, surement est-ce le prix à payer pour un garage psychédélique qui semble avoir été composé dans le chateau de Dracula. Mais encore ? 

"Lewd Dude", le premier morceau, surprend avec une guitare bluesy qui vient suppléer un rock psyché qui n'est pas sans rappeler quelques influences que l'on aime. La force de ce titre, c'est son passage instrumental qui vient rythmer trois minutes déjà suffisamment noires pour nous avoir convaincu de la nécessité de revoir Scream ce soir. "Lewd Dude" n'est pas le morceau le plus incontrôlable des trois, et déjà, le final laisse entrevoir ce que le groupe pourra donner sur quelques jams en live. 

"The Log Lady", pour sa part, se veut plus langoureux. Ne cédez pas à cette technique d'intimidation, Suzies cherche à hypnotiser son auditeur pour mieux lui nous tordre le cou. On retrouve ici le garage psyché un peu sale de Druggy Pizza & co. Le groupe vient de nous convaincre qu'il était un must watched. Une fois encore, Suzies n'est jamais aussi bon que lorsqu'il s'essaie au plus de psychédélisme possible. On serait curieux de voir ce que tout ça donnerait sur un format King Gizzard... 

Vient enfin "Martha" qui expose la faiblesse actuelle du groupe : une voix parfois trop fantomatique qui, bien qu'elle colle avec l'univers, mériterait un peu plus de consistance. Et puis, Luke, le chanteur, est super bon lorsqu'il ose être plus nasillard et plus crissant. Il aura donc tout à gagner à casser la voix. Quoi qu'il en soit, "Martha" explose là où il faut et Suzies nous convainc une fois encore de son talent. Il y a un potentiel important que l'on est impatient de retrouver sur un deuxième EP.

Au final, on se dit que Suzies, créé fin 2015, est déjà bien au-dessus d'une scène qui semble parfois avoir renouée avec la mouvance des années 60' où les groupes étaient des cover bands qui se contentaient de reprendre des titres connus. Yes, Suzies semble bien décidé à imposer sa patte sans trop rendre hommage à un nom en particulier. Peut-être faudra se faire à l'idée que la scène tournée autour d'Halloween, avec Hand Dream, L.A. Witch & co est l'une des meilleures en matière de psychédélisme rock'n'roll. Suzies pourrait bien en être l'un des premiers représentants.

(mp3) Suzies - The Log Lady

(mp3) Suzies - Martha

Liens afférents :

Article sur Druggy Pizza

Article sur Total Slacker

Feels, c'est un nouveau venu chez Castle Face Records. Produit par Ty Segall avec l'aide de JJ Golden (qui également bossé pour Drinks, Zig Zags, Built to Spill et j'en passe), il fera paraître son nouvel LP composé de 9 morceaux le 26 février prochain. Ce jour, le groupe originaire de Los Angeles intégrera la cour des grands. Il faut dire que passer chez Lolipop Records et Burger Records aide à se forger un son. Et au final, son album self-titled perpétue cet excellent début d'année 2016. Rappelons en effet la sortie d'un excellent Ty Segall, un DIIV de haut vol, le nouveau Murals et l'apparition de Johnny Mafia. Avec Feels, la mouvance s'accentue et alors que personne n'attendait trop ce groupe, il sera probablement dans tous les esprits en décembre prochain. Il faut dire que la claque est à la hauteur de la surprise.

Le premier morceau, "Close My Eyes", est un titre introductif comme il en faudrait plus : puissant, efficace, représentatif et suffisamment intriguant pour nous donner l'envie de poursuivre la route. Avec l'aide de Ty Segall sur la partie vocale, on se dit déjà que l'écoute de cet LP est placée sous les meilleurs hospices. Les dernières secondes se rapprochent du stoner noisy de Ty Segall, une indication sur ce que contient le reste de l'album. "Slippin'" a un rythme plus binaire. La première partie est punk tandis que la seconde tire à son tour vers des solos plus profonds. "Play It Cool" est punk punk punk, très inspiré du Riot Grrrl qui a fait les grands all girl band de Washington. C'est l'une des marques de Feels, cette tendance à s'inspirer du son nineties qui accompagnait le straight edge. "Unicorn" reprendra la thématique quelques titres plus loin, toujours avec autant de hargne. "Today" vient marquer un temps de pause, plus délicat, on prend.

"Tell Me" est le premier titre de la face B, l'un des grands temps forts de cet album. Si l'introduction est plus pop que le reste de cet LP, à la façon de Built to Spill, Feels pousse ensuite l'écho au maximum et nous embarque dans un road trip psyché. "Unicorn" fait alors office de passeur, un titre court et colérique. "Bird's Eye" construit lentement son œuvre, gardant toujours un contrôle que l'on croit prêt à exploser à chaque seconde. "Small Talk", lui, ne se fait pas prier pour tomber dans un rock noisy et expérimental qui sait comment susciter quelques excitations incontrôlées. "Running's Fun" est un cran supérieur, de quoi contenter les amoureux d'un rock'n'roll qui fera exploser le compteur légal des 105 décibels. Les deux dernières minutes sont dantesques, je vous laisse en découvrir la substance, à faire fondre la neige de Shining.

Au final, Feels est l'un des meilleurs groupes féminins de ces derniers mois (sans offense au batteur). Certes, Kim Gordon ne manquerait pas de dénoncer cette dernière phrase qui implique qu'il faille faire une distinction entre les groupes masculins et féminins. Je crois en réalité qu'il faut ici relever la qualité de l'album de Feels qui, outre ses lourds aspects de garage stoner, sait aussi utiliser le doo-wop féminin qui va bien. L'album joue avec tous ses atouts et c'est très bien ainsi. Comptons désormais Perfect Pussy, Priests, Ex Hex, The Courtneys, Peach Kelli Pop et Feels comme meilleurs représentants du genre. Si seuls les deux premiers s'inspirent du Riot Grrrl, notons qu'ils feraient tous un excellent candidat aux Femmes S'en Mêlent. On ne croise pas souvent la route de groupes féminins capables de prétendre au même public que celui de Fuzz et Thee Oh Sees. Feels en est et je prends le pari que cet album lui permettra de s'attirer toute la lumière qu'il mérite.

Liens afférents : 

Article sur Perfect Pussy
Article sur le dernier Ty Sgeall

Redd Kross était (est) un groupe originaire de la banlieue de Los Angeles. Mené par deux frères, Jeff et Steve McDonald, respectivement agés de 18 et 14 ans lorsqu'ils feront paraître le premier album du groupe, il demeure aujourd'hui comme l'un des albums de garage punk les plus influents de toute l'histoire.
Lien vers tous les articles anachroniques

FRENCH VERSION
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Murals. Je l'ai dit et redis, l'histoire d'amour entre Murals et Still in Rock traverse les années avec la même passion des premières heures. Nous avons créé ensemble le Colorcast, maintenant sur une radio du Kentucky, ArtxFm. J'ai eu l'occasion d'écrire de nombreuses fois sur ce que je qualifierai comme n'étant rien de moins que de la virtuosité, un live review et un interview sont venus ponctuer le tout...

Alors, lorsque Murals m'a envoyé son dernier LP, Violet City Lantern, je me suis efforcé d'opérer une écoute la plus neutre possible. Et puis, je l'ai à mon tour fait écouter à quelques proches, sans commenter plus avant, dans le but d'avoir une réaction possible. C'est unanime, ce nouvel album est si grand qu'il est difficile de mettre des mots dessus. Seulement, mes liens d'amitié avec les membres du groupe posaient une difficulté supplémentaire : comment écrire un album review qui parvienne à convaincre de ma sincérité ? Comment, pour commencer, convaincre le groupe lui-même de mon attachement à sa musique, et comment vous transmettre ma passion pour cette formation ? 

Je cherchais donc un fil conducteur. Je cherchais à exprimer le message de cette critique à travers un propos qui serait capable de rendre ces lignes le plus universelles possible. Cela faisait déjà plusieurs mois que je ruminais, essayant quelques incursions dans un système de pensée trop complexe pour être exprimé simplement. Dire que la musique de Murals est magique ne pouvait suffire, trop d'articles ont décrit des musiques d'une bien moindre importance comme telle. Et puis, j'ai finalement trouvé mon leitmotiv dans la musique du groupe, en écoutant "Adina".

La première phrase de ce morceau allait me délivrer : "open your eyes". C'était ça, c'était donc ça. Pour la première fois, j'écoutais une musique avec mes yeux. J'avais immédiatement ressenti une attirance particulière pour cette phrase que je trouvais être plus belle que beaucoup d'autres. Ce n'était pourtant pas la première fois que je l'écoutais, mais sa mise en contexte était telle que j'y trouvais une sensation nouvelle. J'avais alors décidé de continuer ma quête visuelle et tombais rapidement sur "Watching In The Dark", l'un des premiers titres de l'album. Oui, Murals parvenait à me faire faire l'impossible : ouvrir les yeux sur ce que je n'avais jamais pris la peine de regarder. Je pouvais alors supprimer le terme "voir" de mon vocabulaire, je "regardais" enfin.

Et puis, la sensation n'a fait que se confirmer au fil des écoutes. Me voilà aujourd'hui devant vous, quelques mots en poches pour tenter de décrire cette musique qui m'est devenue si chère. Je crois vous devoir à présent un peu plus de détails sur ce que contient cet album, mais au préalable, faites l'effort mental de vous penser dans une ville paisible où la notion de danger n’existe pas. Tout est possible, vous pouvez tout explorer, l’interdit n’est pas de ce monde-là. Vous marchez dans les rues, des lucioles bordent la route. Tout est calme, personne d’autre que vous n’est là, c’est votre moment. Marchons ensemble. 

"Fortress" commence tel un titre instrumental. On reconnaît immédiatement la touche de Mutilator Defeated At Last, coucou l'curé, on t'avait manqué ? (réf). C'est lorsqu'une qu'apparaît une deuxième guitare, plus grave encore, que l'on entre dans le vif du sujet. Notons, également, à quel point John Dwyer laisse une place de choix à son batteur, Nick Murray. Cette fois-ci, on dissèque un drôle de corps au fond de l'église, ne c'est pas ragoûtant mais c'est du Oh Sees, que voulez-vous. Toujours aussi psychédélique, toujours aussi punk dans l'intention et stoner dans la réa, ce morceau a tout d'un des grands titres du groupe.

A l'image de cette photo particulièrement pertinente en ce qu'elle montre que certaines personnes du public peuvent être encore plus 'mal' que John Dwyer lui-même, l'écoute prolongée de "Man In A Suitcase" peut causer des dommages irréparables Et pour cause, le son de la guitare reprend le tourbillon si cher au groupe. Et puis, le groupe sait aussi temporiser et en fait une pièce parfois plus maitrisée, comme pour mieux exploser. 

Le label en profite pour annoncer la sortie d'un nouvel LP des Oh Sees durant l'année 2016. Et en attendant, on se dit que ces deux morceaux auraient été intégrés à la tracklist de Mutilator Defeated At Last que ça n'aurait fait que renforcer sa position de #1 sur Still in Rock. Les Oh Sees sont plus que jamais ancrés dans l'idée du concept album, loin de tout ce qui se fait par ailleurs sur la scène. 

(mp3) Thee Oh Sees - Fortress

(mp3) Thee Oh Sees - Man In A Suitcase

Pro Teens est un groupe originaire de Phoenix dans l'Arizona. S'il n'avait fait paraître que deux singles en 2014, ses tous premiers, il a assuré la promotion d'un full LP en fin d'année 2015. Auto-produit et paru sur Moone Records, cet album self-titled oscille entre pop des années '80 à la Orange Juice et Garage / Surf Pop plus dans l'air du temps.

Si je suis un peu embêté, c'est que j'avais décidé de m'éloigner de la scène pop, souvent trop facile et trop attendue. Il faut dire que l'on se lasse des morceaux dont l'immédiateté en fait de parfaits candidats à un titre radio. Mais l'histoire est là différente, Pro Teens assume certes sa volonté pop et dansante, mais il le fait dans un genre indépendant qui mêle certaines des influences que l'on n'entend plus. Si Stratocastors était hier l'occasion de rappeler que la scène française a également été punk, Pro Teens est l'occasion de rappeler que les Américains ont aussi développé des alternatives à la musique danse-punk anglaise.

De plus, cet album est dicothomique, rajoutant ainsi en profondeur. "Control", le tout premier, c'est une sorte de slow lancinant, une fin de bal qui a mal tourné. "Gjeez, Kjinny" est lui aussi dans la même veine, on y entend du Future Islands. Avec "This Cop is God", Pro Teens franchit un palier supplémentaire sur le côté vocaliste assumé. "I Wanna Die", enfin, se la joue presque à la Deerhunter, c'est plus expérimental que le reste de l'album, tout aussi Pro Teens.

"One of These Days" est plus Indie/garage pop-ish. C'est le premier de cette série dans laquelle on retrouve "Mona", bien qu'il soit surement plus à la frontière des deux genres que clairement de l'univers de la scène française. Le suivant est logiquement "Lisa" (vous avez compris ?!), lui aussi plus rythmé que la plupart des morceaux de cet album, mais qui n'en perd pas pour autant son identité analogico-fait-pour-danser-en-amoureux. Le final est particulièrement bon. Pro Teens est à mon sens moins convaincant lorsqu'il s'essaie à la math pop sur "Abble", mais il revient en force avec "Randal Can't Handle", un festival de ce que l'indie a encore du bon.

Stratocastors est un groupe originaire de... disons Belleville. Il avait fait paraître un premier EP self-titled en 2014 et nous en étions restés à son single Sheitan. Le groupe s'apprête désormais à faire sortir Nuage via Black Totem Records, le label des Maximators. Enregistré sur un 4 pistes Tascam dans l'appart' de la maman, on comprend rapidement que le produit est de chez nous. Et ça tombe bien, le terroir garage, on aime ça. À noter, Danny, le batteur/bassiste des Stratocastors, a également tourné avec Useless Eaters, histoire de se faire la main avec un groupe ricain. Et puis, les Strato organisent aussi le Festival de la Cour Denis, dont vous avez peut-être entendu parler. Le portrait est ainsi dressé.

Algebra Suicide, c'était un duo originaire de Chicago, Lydia Tomkiw au chant et Don Hedeker à la guitare. Le couple a été fut l'un des meilleurs représentants de ce que la musique underground a souvent flirté avec la poésie. Nous avons déjà chroniqué Maggie Estep en décembre dernier, voici un autre groupe d'exception, un comme il s'en est fait seulement une poignée dans l'histoire de la musique. Inutile de chercher une multitude de références à l'écoute d'Algebra Sucide, ce groupe était des créateurs qui ne se laissaient pas embarquer dans une mode particulière. 

Le groupe est l'auteur d'une poignée d'album studio. Nous nous attacherons aujourd'hui à décrypter The Secret Like Crazy, deuxième LP du groupe paru en 1987. L'album est composé de 20 morceaux, je tâcherai de ne chroniquer que les meilleurs, bien qu'il soit difficile de faire le tri. 4 morceaux de True Romance At The Worlds Fair (premier EP, 1982) sont inclus, trois de An Explanation for That Flock of Crows (deuxième EP, 1985) le sont également et six proviennent de Big Skin (le premier album du groupe, 1986). Cet album a le mérite de condenser une partie de l'histoire du groupe, à laquelle il ajoute sept inédits. La cohérence d'ensemble n'en est que plus remarquable.

La poésie monotone de Lydia Tomkiw y est assurément dérangeante. L'écoute d'à-peu-près n'importe quel titre d'Algebra Suicide permet de se faire un bon avis de ce qu'il était. "Little Dead Bodies" joue immédiatement dans la cour des grands. Si l'on pourrait longtemps débattre du véritable sens des paroles, on notera d'ores et déjà l'aspect super analogique de cette création. Et puis, la guitare a la force de son époque, bien qu'avant-gardiste puisque déjà grungy. 

"Somewhat Bleecker Street", c'est une satire New-Yorkaise, l'esprit punk que le rock'n'roll doit porter. C'est ce genre de morceaux qui fait d'Algebra Suicide un groupe disruptif et en dehors du système, lui aussi. "Gist" fait état d'une instru similaire, pour quoi il faut je crois porter notre attention sur les paroles, une fois encore. "Father's By The Door" a le ton plus grave. C'est ce que l'on retrouve sur "Sinister", quelques titres plus loin. La guitare de Don Hedeker vient se poser sur la poésie inspirée de la Beat Generation de Lydia Tomkiw, une fois de plus sur "Tractor Pull". La boite à rythmes, quant à elle, ne semble pas plus cantonner le groupe, les envolées de "Tuesday Tastes Good" attestent également de son potentiel psyché.

Le son du synthé à quelque chose de très singulier sur "In Bed With Boys", la raison de notre attachement à ce morceau dès les premières secondes. Lydia se permet le récit de ses conquêtes, eux que ont des hands too sweaty to hold and their backs wetting the bed. Ce sont les femmes qui sont ensuite visées sur "True Romance At The World's Fair", commençant ainsi, A whispered remark changed a girl's life. Et puis, la rencontre des deux sexes se fait finalement sur "Tonight", cette soirée où there is no moonlight; no fragrance, no rawness, no luck. On est plus que jamais sur les traces de la beat generation. Une phrase résume Algebra Suicide : Sex or jazz or both. But not tonight. C'est tout le paradoxe d'Algebra Sucide, un groupe qui donne à entendre la fantaisie d'une génération désabusée. Cette décadence, c'est "Please Respect Our Decadence" qui la poursuit. L'enchaînement de cette tracklist est absolument parfois. Everybody's dying, so we send them flowers.

"Heat Wave" est en effet plus new wave. Algebra conserve son thème, j'en veux pour prouver ce Sunday is a killer. I want a festive time, a darling illness. Pourtant, on trouve là une gaîté supplémentaire dans l'orchestration et dans la voix de Lydia Tomkiw qui contraste avec le message, Nothing can shimmy. Nothing can dance, du Algebra Suicide en puissance. "No War Bride" déplore les moments loin de la guerre. Et puis, sans surprise, "Lethargy" s'introduit ainsi : Everyone is so boring. C'est le Algebra Suicide le plus ténébreux qui se montre à nous. Le groupe doit être plongé dans la pénombre, c'est du Beetlejuice en puissance.

Avec "Amusing One's Self" débute le final absolument imbattable de cet album. C'est cynique et génialement à l'image de ce "It's easy, like sending a card to yourself on your birthday and crying when you get it, 'cause someone remembered!'". Et puis, Algebra Suicide sort de la première fois de son manoir sur "Recalling The Last Encounter". La belle gothique vient alors se positionner au milieu de la rue. Tout est noir et blanc, les passants ont le regard malicieux, ils nous menacent, nous sommes enfermés dans un film de Burton. Et puis, Lydia Tomkiw se questionne encore sur le suicide, le thème récurant de The Secret Like Crazy. "Seasonal Zombies" annonce la fin. Cette même pop synthétisée nous convie au royaume des immortels, là où Algebra nous attend. C'est finalement "Agitation" qui nous donne à entendre les dernières notes. L'album aura bien plus agité nos neurones que nos hanches, alors, lorsque le thème revient une dernière fois, on se dit qu'il est peut-être temps.

Voilà, j'aurai donc sélectionné les meilleurs titres : l'intégralité de cet album. The Secret Like Crazy s'en tient à son thème principal et le tourne dans tous les sens, à la façon d'un opus de poésie qui ne serait concentré que sur l'automne. On y retrouve une délicatesse comparable à celle de Winona Ryder, un beat à la Magie Estep et la pop de Nico, album Chelsea Girl.

Il y a également, avec Algebra Suicide, cette sensation de bien-être que l'on retrouvera dans l'article de vendredi. Pourtant, les titres sont souvent tristes et le minimalisme de la synth-pop du groupe a pour effet de renforcer les paroles. Ceci n'est pas pour nous gêner, on lance la lecture d'Algebra Suicide lorsque l'envie d'un moment pour soi se fait ressentir. 

(mp3) Algebra Suicide - Little Dead Bodies (1987)

(mp3) Algebra Suicide - In Bed With Boys (1987)

(mp3) Algebra Suicide - Recalling The Last Encounter (1987)

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Article sur Maggie Estep

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DIIV est un groupe originaire de Brooklyn qu'il est parfois de bon ton de critiquer. Yes, DIIV irrite aussi ceux qui voient dans la musique lo-fi un exercice trop facile, gommant les imperfections à la façon d'une photo en noir et blanc. Et puis, Captured Tracks (son label) agace du fait de son inclination à ne sortir que des hits. Seulement, il serait une offense de comparer DIIV à toute cette horde de groupes lo-fi qui, effectivement, ont comme prétexte d'enregistrer leurs démos avec le capteur son d'une webcam pour vendre une image de cool. Il est vrai que DIIV vend également cette image, celui du revival nineties qui DOIT vous convaincre, parce que les nineties, c'est cool. DIIV en joue et sait comment se marketer. Mais cela va avec une effronterie qui n'a rien de comparable avec le reste de cette scène là. Cela va, aussi, avec une volonté disruptive, visant l'éloignement avec les clichés d'un style musical qui en souffre trop. Comment ? Explications.

Après avoir fait paraître ses premiers singles en 2011, on se souvient que DIIV avait délivré un premier opus fort intéressant, le dénommé Oshin. Il donnait déjà dans une dream pop lo-fi qui emportait avec elle de longs jams, c'était agile mais perfectible. Le groupe est revenu début février avec Is The Is Are, l'un des albums pour lequel j'ai constaté le plus d'attente depuis la création de Still in Rock. Et sans vouloir d'entrée briser le secret, cet LP est trois crans au-dessus du précédent. La raison ? Un long processus de maturation que le groupe nous a décrit dans un long interview conduit en décembre dernier (lien). Et pour faire taire les mauvaises langues, nous avons accepté cet interview qu'après avoir écouté l'album, n'y voyez donc pas une fausse relation de cause à effet, comme une obligation d'encenser un LP dans le but de conserver une cohérence d'ensemble. 

Avec Is The Is Are, DIIV est sorti du pathos d'Oshin. L'album est en cela beaucoup moins facile. Si Zachary Cole Smith nous confiait ses envies funestes dans l'interview précité, notons qu'il s'est bien abstenu de nous les cracher à la figure, nul "prends ma tristesse et plains-moi". Alors, bien souvent, DIIV parvient à ce que Beach House sait également faire : nous émouvoir parce que sa musique nous transporte vers des sonorités désincarnées, sorte de ballade dans l'espace sonore d'un groupe à l'identité inégalée. Et puis, à la différence de certains Beach House, on ne retrouve jamais cette sensation d'un passage en force. Le groupe ne durcit pas le trait, il lui arrive, au pire, d'être un brin moins créatif lorsque certaines mélodies semblent trop convenues, mais là s'arrête déjà la liste des défauts.  

"Out Of Mind", le premier morceau, sera l'un des plus joyeux de tout l'album. Ne vous en détournez pas pour autant, you emo, la volonté de DIIV est on ne peut plus louable : commencer gaiement pour masquer la tristesse ambiante. "Under The Sun", le deuxième, est déjà l'un des grands temps forts de cet LP. La transition vers un ciel à la Turner se fait lentement, le refrain est dynamisant et l'effort porté sur la production se fait déjà remarquer. "Bent (Roi's Song)" vient compléter ce trio introductif en tout point excellent et DIIV achève de nous guider vers une journée pluvieuse. La voix de Cole Smith a l'avantage de sa monotonie, laissant toute la place au message délivré. DIIV est tourné vers le passé, ce que le shoegaze du morceau traduit parfaitement. Son final est immanquable.

"Dopamine" est déjà plus féminin, et c'est avant que n'intervienne "Blue Boredom (Sky's Song)", l'oeuvre partagée avec Sky Ferreira. La chaleur envoutante de sa voix contraste elle aussi avec le champ lexical de cet album : l'amertume, la mélancolie et la maussaderie (voyez l'idée). Et l'on se dit que Sonic Youth n'a jamais été aussi proche, peut-être même trop proche pour que l'on puisse le créditer pleinement au groupe. "Valentine" est l'un des titres les plus sombres de tout l'opus, aussi l'un des 5 meilleurs. La guitare sautille et annonce l'exaltation de "Yr Not Far". 

"Take Your Time" passerait inaperçu si l'on n'y voyait pas un symbole de ce qu'est Is the Is Are, un album qui emprunte parfois au flow du jazz sur des jams qui permettent au groupe d'exprimer langueur et tonus. "Is The Is Are", pour sa part, est l'un des morceaux les plus travaillés de cet LP. Les échos placés sur la guitare viennent parfaitement suppléer le synthé qui rajoute en psychédélisme. Vient ensuite "Mire (Grant's Song)", un titre instrumental qui rappelle à nous l'odeur de la pluie fraichement tombée. La voix de Zachary Cole Smith est plus fantomatique que jamais, l'expérience de cette pop spectrale vient s'entrechoquer avec le style shoegaze que DIIV maintien sans jamais défaillir. Et encore ce jazz. "Incarnate Devil" perpétue le mouvement avec des boucles plus rapprochées, fortifiant Lucifer dans un espace sonore plus noisy, un véritable tourbillon.

"Healthy Moon" attaque la dernière ligne droite, tout en contrôle, surement plus proche de l'univers d'Oshin. Et toujours, en fond, ce bourdonnement qui caractérise la pop spectrale façon Alex Calder. "Loose Ends" se veut plus scintillant et parvient à nous faire espérer une petite lueur de positif. L'interlude "(Napa)" casse toutefois ce bel élan et nous plonge droit sur "Dust", l'une des plus belles réussites de cet album. La batterie de Colby Hewitt rappelle le "Nothing That Has Happened So Far Has Been Anything We Could Control" de Tame Impala tandis que la guitare crie ses dernières forces. Ce titre, plus rock'n'roll que les autres, nous fait comprendre l'apport de Jacob Portrait au mixage de l'album, lui qui a également travaillé avec Bass Drum of Death. La pression redescend enfin avec "Waste Of Breath", retour dans la brume d'un petit village anglais perdu au milieu des collines, à la Spacemen 3. 

Le paradoxe de DIIV continuera à déranger : le groupe se la joue cool, voyez le nombre de photos sur les press kit, mais force est de reconnaitre qu'il l'est aussi, terriblement. Qu'il serait dommage de s'arrêter à l'image qu'il renvoie alors que cette musique a tant à nous dire. Comme Julia Cumming l'a fait (groupe Sunflower Bean), Cole Smith a lui aussi collaboré avec Hedi Slimane (lien). Ouais, je maintiens que cela desservira le groupe, parce que le message envoyé se veut trop corporate. Mais ce serait sans considérer le fait que Shannon Shaw (Shannon & The Clams) était elle aussi au défilé américain de YSL il y a deux jours à peine. Et qui pourrait contester la suprématie du cool de Shannon ?! La même chose vaut pour DIIV.

Au final, Is the Is Are est au shoegaze ce que Ty Segall est au garage : on retrouve les codes de la musique originelle, mais il y a ce fantasme qui souffle un vent d'audace et qui le place au-dessus de la meute. Les autres copieront. L'album score là où la pop spectrale trouve d'habitude ses limites, sur la capacité à nous bercer autant qu'à nous galvaniser. C'est fort, espérons que l'on soit nombreux à s'en rendre compte. 

(mp3) DIIV - Bent (Roi's Song)

(mp3) DIIV - Dust

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Interview Still in Rock avec DIIV

Article sur la vidéo de "Doused"