ORB is the new gem in stoner, the creator of 2017's strongest album, and, above all, the assurance of a better life. The band will soon be performing on the best stages in the world and I thought, before he even had a first show planned in France, to ask him some questions about black magic, about Fuzz, King Gizzard, about the Dream Machine controversy with Castle Face, about Mac DeMarco, but also, about the why of the Australian scene and the stoner vs. punk fight. I found a band that has developed a genuine thinking on what it does. It's rare, and it only reinforces my excellent impression of it. Yours too, I hope.

Vous connaissez probablement Lars Finberg sans le savoir. Ancien membre de Thee Oh Sees, A-Frames, Wounded Lion, Puberty ou même The Intelligence, il fera paraître son premier album solo au début du mois de décembre. Moonlight over Bakersfield a été l'occasion pour lui de s'entourer de membre de La Luz, de Mikal Cronin, d'un fou des Melvins, et surtout, de Ty Segall, son principal allié. 

L'album est très inégal. Certains titres font mouche et on ne doute pas un seul instant de l'expérience de Lars Finberg. L'homme est sur la scène depuis 20 ans, ce que l'on entend souvent, pour le meilleur, sans lassitude. Mais l'exercice a également ses limites. Parfois, Moonlight over Bakersfield est trop démonstratif et cette sur-confiance le conduit à opérer des choix musicaux qui sont peu heureux. Moonlight over Bakersfield est donc de ces albums où l'on sélectionne les titres avec des pincettes avant de s'injecter le nécessaire à l'overdose.

"Permanent Prowl" est un excellent exemple de ce que Lars peut faire de mieux. Et "Born Shopping" est une belle illustration de ce qu'il peut faire de plus *soupir*, un truc trop robotisé - qui rappelle parfois Cate Le Bon - pour nous toucher. "Isle Of Lucy" a l'avantage de nous présenter une texture plus recherchée, mais c'est encore trop long. 

Article sur le dernier CFM (tuerie)

"Benevolent Panic" est d'un autre calibre. Lars Finberg retrouve le proto-rythme du premier morceau, et nous, on danse comme des sauvages après avoir découvert le feu. Ty Segall est au clavier - comme sur le titre précédent, Cronin est au cuivre. Lars Finberg est à la chaise électrique, même pas peur. L'introduction de tous ces cuivres dans les productions post-punk de 2017 mériterait bien un petit article. Malheureusement, ce qui mériterait également un petit article, c'est la tendance des groupes "de rock" à introduire de l'électronique, pour faire cool où je ne sais quoi. "Myopic Blue Heaven" donne la nausée, pourquoi donc ?!

De prime abord, "Empt Network" dit coucou à Joe Meek avant que Lars Finberg ne reprenne ses marches vers un tout finalement très aseptisé : more germs, il n'en veut pas, ce que l'on entend à l'évidence. Quelle drôle de volonté pour un rockeur habitué de John Dwyer, cette intention monsieur propre - qui, pour le coup, rappelle The Intelligence - produit rarement quelque chose de fascinant.

"Iffy Love", histoire de perpétuer le chaos de la tracklist, revient avec trois minutes de très haut vol. Shana Cleveland - La Luz - n'est pas bien loin. Ty Segall est assurément présent et l'on reconnait sa patte sur la production de la guitare. Ce titre est complet mais "I'm Welcome" peine à nouveau à nous convaincre malgré l'apparition de Coady Willis (Melvins), c'est à ne plus rien y comprendre. Et histoire que cette critique soit complètement illisible - ma faute, pas l'artiste - on conclut le tout sur "Ambiverts" et "Alone Alas", deux titres assez géniaux. Le premier, c'est du Segall 2014, un titre mené par la batterie qui, dans un mélange mid-fi assez brumeux, cache une en réalité une belle mélodie. Tout l'album eut été de ce calibre qu'il serait une claque comparable à celle du premier album de CFM. Le second est effectivement très solitaire, Lars semble perdu sur un terrain vague et ses seuls échos comme compagnons. Chapeau bas à la production qui, non contente d'être irréprochable, ajoute un véritable élément au morceau. 

Certains d'entre-vous ont probablement vu Lars and the Real Girl, un film correct avec un bon concept et un mauvais acteur. Le plastique de ce film semble parfois rappeler le plastique de l'album de Finberg, trop post-music, trop clean. Mais pour le reste, qu'est-ce qu'elle est bien foutue - j'ai le droit de le dire, ça ? La Real Girl de cet album conduit Finberg a des titres brutaux que seule l'extrême précision permet. Cet album sent bon le latex, et nous, esclaves de ces quelques ressentis, on se dit que l'on s'en souviendra, malgré le cellophane cadavérique d'une bonne moitié.

Bike Thiefs, c'est un groupe originaire de Toronto qui va dynamiter votre lundi. Son truc à lui, c'est le noise rock qu'il couple avec un post punk logiquement industriel. Son premier EP, Bloated, est paru en 2014 et il a depuis donné naissance à un petit frère intitulé These Things Happen All The Time. Il revient ces jours-ci avec Lean Into It, un nouvel EP qui fait monter la température d'un cran, à croire que Bike Thiefs est passé du vol de vélo à celui de Solex. 

Je ne m'en cache pas, Bike Thiefs ne fait pas vraiment partie de la scène chroniquée sur Still in Rock, je la trouve souvent trop sérieuse. Mais le phrasé de Kris Pandeirada fait ici penser à Andrew Savage - version Parquet Courts, je ne peux donc qu'adhérer. Et puis, Bike Thiefs reprend de nombreux codes de la musique punk alternative, ce qui en fait une pièce intéressante dans la lignée d'un style déterminant.

"Destination Wedding" a l’avantage de tout nous dire. Dès les premières secondes, vous serez donc fixé sur ce que cet article peut représenter dans votre journée – votre semaine, votre mois. Bike Thiefs ne laisse planer aucun doute sur ses intentions, il fonce dans un punk à tendance cathartique, ce que les années 2010’ font à la perfection. Et puis, c'est quelque chose que l'on retrouve dans beaucoup d'albums, le second morceau va moins vite mais tache d'être plus loud encore. "Cosmetic Damages" est de ce type-là, sans frémir.

Article sur Idles 

(immanquable punk de 2017)

"Carson" est probablement plus attendu sur le côté passage en force de l'instru', mais Bike Thiefs parvient encore à s'illustrer avec des paroles énervées qui font mouche. Surtout, ce qui se passe à l'attaque de la 3ème minute ferait de Justin Trudeau un punk-à-chat dévergondé. La dernière minute nous donne une guitare qui tire sur du stonegaze. Ça, on l'avait pas vu venir, voici de l'anti-slacker qui dit des choses responsables.

"Melatonin", c'est le côté sub pop du groupe. On y trouve un côté alternatif très nineties. Comme beaucoup de groupes de punk de cette scène, on entend une volonté war punk qui ressort par à-coups. C’est "Was I At Least Funny?" qui fait le mieux ressortir cela, avec ses nombreuses coupures, son aggresivité très active et l’hostilité vis-à-vis de ceux qui « take people for granted ». Ah, le thème de l’oppression n’est jamais loin dans le punk, surtout dans celui-ci anglais qui, à en croire l’écoute de "Was I At Least Funny?", a une large influence sur la scène canadienne.

Au final, Lean Into It est un EP fougueux que l'on écoute à la suite de Downtown Boys. Sans révolutionner son style, sans rompre avec ce que l'on attend d'un groupe de punk alternatif, Bike Thiefs délivre. Et le facteur n'a que rarement été à ce point faiseux de trouble, comme ils disent. On repassera donc pour le titre de groupe disruptif de 2017 - trophée TechCrunch-TechPunk de l'année - mais on restera encore en sa compagnie pour le pugilat underground.

Je me souviens d'avoir introduit un vieil article Still in Rock en faisant l'analogie de son écoute avec l'entrée dans une église. Jamais je n'aurai pensé qu'un autre album mérite d'autant plus la comparaison. On pénètre généralement la musique de King Gizzard avec une certaine palpitation. Mais pour son nouvel album, Polygondwanaland, il nous oblige la timidité de premiers pas dans un lieu Sain. On le découvre avec un peu de retenue, parce que conscient du caractère sacré. Ensuite, on exulte, on se transcende.

Et il faut à ce stade se poser la question : King Gizzard est-il le plus grand groupe psychédélique de l'Histoire ? Ou plutôt, comment le lui nier ? La réponse est donc positive, mille fois positive. Je crois que cet album mérite particulièrement que le titre soit attribué à King Gizzard parce qu'il introduit une nouvelle variable dans sa musique et que son statement mérite ainsi tous les honneurs. On écoute King Gizzard, me semble-t-il, pour deux raisons principales - outre le rire. La première tient au fait qu'il a toujours fait de sa musique un magnifique cabinet des curiosités, patchwork de sons qui viennent d'entrechoquer avec élégance. La deuxième est relative à la texture sonore. King Gizzard délivre toujours des sonorités inespérées, la meilleure preuve étant ce qu'il a fait avec ses frets, album Flying Microtonal Banana, couplés avec une volonté quasi-stoner.

Mais King Gizzard, en réalité, n'a ajouté le second élément qu'au fil des albums, jusqu'à tendre vers le chef d'oeuvre Muder of the Universe. Pour la première fois, il retire le premier élément de sa musique, laissant ainsi la seule texture comme maître des lieux. Cette démarche est fondamentale. Là se trouve la raison d'être de cet album, et, ce qui fait de King Gizzard le Souverain Juge. Combien de groupes sont à ce point capable d'une telle mutation.

Polygondwanaland sera donc j'en suis sur une nouvelle clé de voute de la musique de King Gizzard. Ce qui est troublant, pour autant, est qu'il est fort probable que l'on se souvienne surtout de cet album pour sa démarche commerciale. Voyez plutôt. Un matin de novembre, le groupe poste le message qui suit sur Facebook : "This album is FREE. Free as in, free. Free to download and if you wish, free to make copies. Make tapes, make CD’s, make records. The following files will be available to download at 9am Friday 17 Nov, Melbourne, Australia time at kinggizzardandthelizardwizard.com". That's right, King Gizzard a donné son album en proposant à qui veut de le presser en vinyle, K7 et j'en passe... C'est désormais chose faite, des dizaines de versions de cet LP vont sont pressées aux quatre coins du monde. J'ai opté pour celle de Stolen Body Records, parce que le label s'impose petit à petit comme une énorme référence européenne et qu'il faut donc le soutenir. King Gizzard semble aller trop vite pour l'industrie musicale, elle a donc baissé les bras, cette vieille consoeur que l'on aime détester.

Et voici la liste de tous les pressings disponibles : ICI (une sélection se trouve en fin d'article). Que signifient-ils ? Deux choses. La première, que King Gizzard est un mastodonte adulé à travers les patelins. Mais ça, on le savait. La seconde, qu'en procédant de la sorte, King Gizzard a trouvé un moyen de faire que le concept de rareté ne soit plus obsolète. C'est pourtant ce que l'on prête à Internet, notant que Lester Bangs rêvait d'avoir dans son sous-sol tous les vinyles du monde et que l'ère digitale le permet désormais. Mais ici, le concept de rareté - et c'est la première fois que cela me frappe de la sorte - trouve une nouvelle signification dans l'abondance. C'est un peu le mojo de King Gizzard qui est matérialisé. En faisant paraître tant d'albums d'une telle qualité, King Gizzard raréfie les recoins de sa musique, nous empêchant de les connaitre avec trop de précision. Il nous noie. Nous étouffe. On suffoque. On en redemande. Oh King Gizzard, groupe sadomasochiste.

Et c'est avec "Polygondwanaland" - qui semble de prime abord vouloir nous rappeler Paper Mâché Dream Balloon - que l'on est confronté au nouveau son de King Gizzard. Le fait est que la texture que le groupe nous propose avec Polygondwanaland est d'une nature différente. Elle est plus directe, non pas que King Gizzard ait laissé tomber ses quelques effets de manche, mais il semble avoir axé la production sur un contact plus immédiat, les passages ténébreux sont moins expressifs, mais ceux de modération sont plus réussis qu'à l'habitude. On a revient ainsi à l'abandon du patchwork.



"The Castle In The Air" fait l'alliance de Murder of the Universe et Flying Microtonal Banana. On écoute les variations orientales qui reviennent discrètement. Et si l'on est désormais habitué de la chose, il y a fort à parier que King Gizzard sera un jour le beau-père fondateur d'une nouvelle réconciliation de la musique psychédélique avec le magnifique Maghreb. Les Beatles avaient montré la voie. "Deserted Dunes Welcome Weary Feet" s'inscrit dans la continuité de l'album, et là encore, si l'on sait désormais que King Gizzard est grand clerc de l'album-concept, il faut se souvenir des claques que nous avaient envoyés ses premiers LPs ainsi bâtis, renouant avec la grande tradition de S.F. Sorrow & co.

Je tiens "Inner Cell" comme le deuxième chef d'oeuvre de cet album, après le titre introductif. Tout est là, le mélange entre le King Gizzard qui nous susurre des poèmes sur la mort, ses nouvelles représentations de la frontière avec l'hémisphère sud et un son analogico-gizzardien qui nous fait dire que oui, les reptiliens existent. Mais vient "Loyalty", et c'est là que le bât blesse. Son introduction électronique le disqualifie, de fait. Ayons des principes, merde ! Ce titre me provoque un haut-le-coeur. Je me souviens de la trahison de Tame Impala qui a depuis basculé de l'autre côté de la force. King Gizzard, au nom du peuple, ne laisse jamais tomber ta guitare. Et continue ainsi d'emmerder ceux qui écoutent de la gadoue électronique, tu vaux mieux.



Passé ce désagrément, on file tout droit sur "Horology" qui est introduit de la sorte : il était une fois... une divinité ? Un Incréé ! Et l'intérêt de "Tetrachromacy" est double. La guitare acoustique est d'une force peu palpable tandis que King Gizzard évoque une couleur qu'il n'est "pas possible de voir avec ses yeux, ou avec internet". Doit-on en tirer une quelconque conclusion quant à son rapport avec le numérique ? Il ne faudrait pas, parait-il (voir la Boston Review), s'émouvoir de la nouvelle génération qui ne jure que par les images - Instagram - au motif que ce serait une constante de nos sociétés. Mais si seulement King Gizzard pouvait bruler quelques rétines, on serait quand même tranquillisé.

Et le dernier combo, celui de "Searching..." et de "The Fourth Colour", vient conclure Polygondwanaland sur ce qu'il y a de plus pertinent. Le premier nous fait monter à bord d'un vaisseau, il prend le temps nécessaire au déploiement de ses ailes. Le second est la dernière masterpierce de l'album, trop rapide pour que Mamie puisse comprendre que ses disques sont morts, King Gizzard vient de buter un pan de l'histoire psychédélique en 3 ans à peine.


Au final, et sans surprise, Polygondwanaland est un nouveau chef d'oeuvre. Il est bien entendu que qui découvrirait King Gizzard avec cet album se prendrait une claque monumentale. Nous, on se prend aussi une claque monumentale. King Gizzard va trop vite, trop loin. Il ne nous reste qu'une seule chose à faire : pleurer ceux qui ne savent pas, s'excuser auprès du vieux peuple psychédélique de n'avoir pu jouir avant, et jouir encore !

(mp3) King Gizzard & The Lizard Wizard - Crumbling Castle
(mp3) King Gizzard & The Lizard Wizard - Inner Cell
(mp3) King Gizzard & The Lizard Wizard - The Fourth Colour
Tracklist : Polygondwanaland (2017, LP)
1. Crumbling Castle
2. Polygondwanaland
3. The Castle In The Air
4. Deserted Dunes Welcome Weary Feet
5. Inner Cell
6. Loyalty
7. Horology
8. Tetrachromacy
9. Searching...
10. The Fourth Colour

Liens :
Article sur Murder of the Universe
Lien vers TOUS les articles Still in Rock sur King Gizzard

OCS, c'est l'un des plus anciens groupes de John Dwyer. Créé en 2003, il a depuis fait paraître 5 albums sous ce nom. Le petit dernier est Memory Of A Cut Off Head, la 100ème sortie de Castle Face Records. Il est aussi le 20ème album du combo OCS/Thee Oh Sees/Oh Sees. Il est poétique. 

Si je veux constamment rapprocher John Dwyer de quelque chose de plus grand que le monde de la musique - multipliant ainsi les références à la littérature ou à la peinture - c'est que je constate, avec regret, qu'il est parfois l'objet de descriptions en réalité peu flatteuses. John ne serait qu'un artiste parmi tant d'autres, ou alors, un cogneur qui ne saurait que malmener les tympans de son public. Et je fais probablement partie de ces fidèles du Oh Sees stoner, ah que nous sommes beaux, donneurs de leçons à ne voir et vouloir que ce qui nous procure un peu d'immédiat(s). Mais John multiplie les projets et les styles, comme pour brouiller les pistes, en réalité, pour se prouver quelque chose à lui-même. Il le fait avec le brio de ceux qui osent tout réussir. 

Où en sommes-nous ? 2017, tout a déjà été fait ?! L'information nous écrase. Les projets se multiplient. Un groupe en 2017 n'a que trois options : révolutionner (seule une poignée y parvient), tomber dans l'oubli (seule une poignée n'y parvient pas), ou jouer sur les variations de plusieurs styles. The Soap Opera est du troisième type. Son nouvel album, Ready to Hatch, est paru le 10 novembre dernier via Howlin Banana Records et Ample Play Records, il fait dans le calypso-weird. Son calypso, c'est celui de Jonathan Richman qui nous raconte son "Down In Bermuda". Son weird, c'est celui de Ween, album Molusk. 

Lorsque l'on recherche ce qu'est un Soap Opera, deux types de résultats apparaissent : la première fait référence à ces "feuilletons radiophoniques américains qui étaient produits et commandités par des fabricants de savon et autres produits d'hygiène comme Procter & Gamble, Colgate-Palmolive et Lever Brothers". La seconde est relative au court-métrage réalisé par Andy Warhol. The Soap Opera, groupe français originaire de Rennes, relève un peu des deux. Son calypso-weirdo est une excellente nouvelle pour qui défend le possible dans un style musical - calypso - qui défini a priori le tout-cheesy. Son calypso-weirdo est également la preuve qu'un groupe peut, même en 2017, proposer une "musique new-look" à double lecture.

"We Were Mates" est un morceau de tradition, la pop de brise qui est fidèle à la scène de Real Estate. "Humanatee" corse ensuite les règles du jeu parce que le titre est tout à fait intransigeant, une véritable pop pour extrémistes : ce sera "danse ou crève". "You Caught On Fire", le petit suivant, ne fait jamais que renforcer cette tyrannie calypso que le Soap Opera nous impose sans nous avoir préalablement consulté, le culot ! Ce morceau, coup de grisou génie de Ready To Hatch, fait de nous les sujets heureux de sa musique pour crackbrainers.


"No Name No Packdrill" ose un rythme trop entrainant pour que mamie puisse y résister. Ces effrontés de Soap Opera n'ont décidément aucune limite. On choisi donc pour eux lorsqu'ils hésitent entre "The Saddle Or The Feather" : ce sera la selle, direction le bagne des artistes qui, un jour, ont aussi un calypso groovy. Après tout, nous ne sommes que des garageux à la recherche d'une musique pleines de réverbs'. Et "Bad Reputation" de jouer avec le fameux Molusk de Ween, faisant ses bulles, bien caché dans sa coquille rennaise.

"No Hullabaloo" vient nous susurrer des mots doux, le Soap Opera dit nous aimer comme nous sommes, amateurs de bridge, d'Orange Juice (le groupe) et de Georges Pernoud. Voyez ces beaux dauphins (plus bas). "For Odin's Sake" sort enfin la boule à disco, ce soir, c'est Caraïbes et sorbet coco à volonté. Le Soap Opera aime ses eighties et nous aussi.


Au final, Ready to Hatch est un album pour tous puisqu'il n'est pour personne si ce n'est Jeanette au stand de fricassée de lambis. Le fait est que The Soap Opera n'a pas besoin de jouer au groupe weirdo - pas besoin de mimer Alexander "Skip" Spence - pour faire de sa musique une pièce si singulière que l'on se demande, au final, si singularité ne serait pas le synonyme d'universaliste. Il ne s'agit plus désormais d'un "vaste drame doué d’un caractère d’universalité", mais bel et bien d'une salle des fêtes douée des mêmes propriétés.

(mp3) The Soap Opera - You Caught On Fire
(mp3) The Soap Opera - For Odin's Sake
Tracklist : Ready to Hatch (LP, Howlin Banana Records / Ample Play Records, 2017)
1. Eggs To Hatch And Cats To Kill
2. To All The Newbies
3. Unspeakable
4. We Were Mates
5. Humanatee
6. You Caught On Fire
7. No Name No Packdrill
8. The Saddle Or The Feather
9. Bad Reputation
10. No Hullabaloo
11. For Odin's Sake

Boy Germs, c'est un groupe originaire de Brisbane (Australiaaaaaa) qui hésite. Son hésitation, c'est celle d'un type qui ne sait pas trop s'il veut être un slacker ou un lover, un hédoniste ou un nihiliste. Et s'il ne faut probablement pas lui prêter une volonté de refondre la philosophie moderne, on y trouve tout de même quelques cachetons à se mettre sous la langue, pilule nineties au renfort d'une dragée lo-fi.

Angry Skeletons, c'est un artiste danois, oh, ils sont peu nombreux sur Still in Rock... Son truc à lui, c'est les cheveux longs, potentiellement gras, mais surtout, le garage punk pour les mannequins-skateurs. Après avoir fait paraître un premier EP en février dernier (lien), il revient avec un deuxième essai, meilleur encore, plus garage encore, j'ai nommé Slightly hostile​/​Real friendly. Au programme, cinq morceaux qui nous rappellent qu'une usine désaffectée, quelques planches et un vieux micro grésillant suffisent à nos vendredis soirs. Forever.

Tracklist : Slightly hostile​/​Real friendly (EP, 2017)

1. Planned Obsolescence

2. T.V. Freak

3. M. Death

4. Slightly hostile

5. Floating Awkwardly

Mouse, my god! Wow (et autres onomatopées). Voilà une entrée fracassante. Mouse est un groupe originaire de Durban en Afrique du Sud que je tiens comme la première grande découverte de ce mois de novembre 2017. Son premier EP, Three, est paru le 15 octobre dernier (logique) et il donne un peu d'espoir à tous les fans du nouveau rock psyché, stoner, brut, à la Koizilla. Il faut dire que ce duo (Damon Miles et Christopher Chay, pour les nommer) sait y faire en matière de déforestation. Les trois morceaux qu'il vient de dévoiler rappellent que le salut se trouve dans la violence d'une guitare garage qui n'a jamais eu peur de trop-plein. 

"Big Bad", le premier, est une petite épopée qui commence avec un rythme taquin. La partie vocale rappelle la scène garage et la structure du morceau, avec des multiples détonations, fera frissonner les groupies du Dr Chan. Mais ce qui caractérise le plus la musique de Mouse, c'est ce souffle harmonieux, avec ses lenteurs et ses rythmes précipités. La batterie y fait beaucoup, Mouse est aussi entrainant que la charrue avant les boeufs, on croirait retrouver le Ty Segall d'autan.

"Chiaroscuro" change la donne. Fougueux et attendu, il ne laisse aucun doute sur sa volonté : il cognera. Mouse joue sur cette attente qu'il suscite dès les premières secondes. "Chiaroscuro", c'est un peu le symbole de ce renouveau du punk pour les jeunes gens modernes et énervés. Je crois savoir qu'un écrivain français est en train d'épier chaque variation des Wytches - j'en reparlerai, ce Mouse est déjà la preuve que les sorcières anglaises n'étaient pas infertiles. La phase semi-psychédélique qui vient conclure ce morceau mêle la douceur d'une rencontre entre deux gangs de punk avec le noisy de Jeanne d'Arc sur le bûcher.

"Octave" conclut l'EP sur un rock psyché dans une brumeuse matinée de novembre. Qui a la force dédaigne la violence, parait-il. Mouse fait mentir le dicton, Victor ne voyez pas le vrai partout. Et Mouse de nous donner un quatrième titre en bonus, voir la vidéo ci-dessous, plus rude encore. 

Au final, Mouse signe un premier EP qui est excellent. S'il peut encore gagner en singularité, il a d'ores et déjà pour lui d'oser un message clairvoyant : l'art brut est mort, vive l'art brutal ! Mouse fera paraître un premier LP dans les semaines à venir et l'on sera fixé sur son avenir. Il peut jouer dans la cour des très grands. Il peut susciter suffisamment d'enthousiasme pour qu'un John Dwyer lui demande quelques ouvertures. Tout cela est du domaine du possible, entre cramés. Et malgré le calme qu’il affectait, de temps en temps un geste violent révélait ses convulsions intérieures.

Chris Darrow, c'est un artiste originaire de Dakota du Sud qui a fait les beaux jours de la musique country. En autre. Après avoir joué dans plusieurs groupes, Chris Darrow s'est consacré à une carrière solo lancée par son album Artist Proof (1972). Initialement paru sur Fantasy, il a été réédité par Drag City 40 ans plus tard, au grand plaisir des amateurs de la scène country folk à la Burrito Brothers. Il faut dire que Chris Darrow avait sorti l'artillerie lourde, se faisant accompagner du légendaire Cy Coben, de Dave Mattacks ("best folk drummer in UK") et Clive Chaman (qui a aussi collaboré avec Jeff Beck). Il en ressort un album qui est non seulement un beau témoignage de l'époque, mais aussi, l'occasion parfaite de se convaincre que la country a encore beaucoup à nous donner.

Parfois, un seul morceau suffit à l'écriture d'un article. C'est le cas de "Beware Of Time", premier titre de cet album qui est déjà une démonstration de ce que la folk peut délivrer de plus doux. Ecouter Chris Darrow, c'est un peu comme accepter un filtre sur le monde entourant, les couleurs sont plus chaudes et le dôme est plus accueillant. "Lovers Sleep Abed Tonight", le petit second, est assurément mélo, surement est-ce l'influence de Van Morrison.

"Shawnee Moon", c'est la véritable introduction de la country sur cet album. Ce morceau de Chris Darrow brille par son excellente ligne de basse qui renforce la tiédeur du chorus. "Move On Down The Line" est du même calibre, romanesque, quelque chose pour les tendres. Et ce sont les titres à l'image de "Song For Steven" qui participent de faire de cet album une oeuvre plus complexe que la simple représentation d'un genre. Les fantômes de Bert Jansch et Nick Drake semblent s'être accordés sur une dance.

"New Zoot" participe de donner à Chris Darrow ses lettres de noblesse, parce que l'on y comprend ce qui fait de lui un pionnier du country sixties. Et ce sont les morceaux à l'image de "The Show Must Go On" qui attire le plus ma sympathie, cette country lyrique et tendre. "The Sky Is Not Blue Today" - mais de quelle couleur est-il ? - force à prendre un peu de recul sur cet album qui marque son temps. C'est un peu soupeux - pour ne pas dire mielleux - mais c'est aussi ce que l'on veut avec ce genre d'albums, j'imagine. "We Can Both Learn To Say I Love You", enfin, fait de nous le témoin d'une demande en mariage à ce point fleur bleue qu'elle en devient violette. 

Au final, Artist Proof est un album complet qui brosse beaucoup des sous-genres de la country folk, pour le meilleur, toujours pour le meilleur. Cet LP ne convertira pas les masses à la vieille musique américaine, mais elle donnera un peu de baume au coeur à Natural Child tous ceux qui, un jour, se sont permis une larme en écoutant Buck Owens et Van Morrison.