BBQ Pope, c'est la nouvelle bénédiction du moment, le gros son de 2017, le gâteau sur la cerise. Originaire de Toronto (Canada), ce groupe vient tout juste de faire paraître un premier LP qui va agiter la scène slacker/fidlar-esque/dumbpunk/pop-crado. Il est paru le 2 juillet dernier. 

Parce que le groupe a trouvé le meilleur nom de ces derniers mois, autant ne pas se priver d'intituler son album de la sorte. Ce BBQ Pope est donc composé de neuf morceaux qui sentent bon la merguez, la chipolatas bien grasse, la pizza au feu de bois qui dégouline de tout son gras, la fritte surgelée et mal décongelée. Vous l'aurez compris, passer votre chemin si vous cherchez une musique qui soit aussi healty que votre quinoa du midi. Ici, on parle de fat et de rock'n'roll sans délicatesse. 

Ça crise d'entrée de jeu avec "Welcome to My Hell" et on se demande quelle sera la part glam rock dans la discographie de BBQ Pope. L'enregistrement de la voix est étonnamment clair ce qui donne à ce morceau un indéniable côté seventies. "Sad and Stoned" - la maxime de cette génération - est plus mid-fi-habituel. Le refrain est un repère à amateurs de Audacity. 

"Cry" complète le trio introductif à l'aide d'un marasme qui fait décoller la moumoute du curé venu pour l'occasion. BBQ Pope n'aura pas attendu un second album pour faire preuve d'un peu de maitrise pop. C'est fort, très fort, aussi fort - je dirai même - que le camembert qui vient couronner la tartiflette du jour. Et puis, vient "No More" et son punk pour groupies bien roulées. On imagine déjà les cheveux du groupe se balancer sur scène, plein de sueurs qu'ils seront.

"Baby Face" attaque la seconde moitié de cet album sur une introduction très garage pop. Et l'ensemble du titre de continuer dans cette veine. Je me demande si on ne préfère pas lorsque BBQ Pope flirte avec le stoner de la scène californienne, mais qu'importe à ce stade, le final est trop bien fait pour ne pas s'en émouvoir. "All My Friends Smoke Cigarettes", en revanche, est un brin en dessous. Je vois bien quelle a été l'intention du groupe - ce qui lui donne en légitimité, faire du Strokes post-2001, mais on attend BBQ Pope sur le côté cheesy plus que sur la mélodie Rock en Seine. "Make It Happen" se veut du même calibre.

Et les choses sérieuses recommencent avec "Cartoon Moon" avec le renfort d'une guitare plus appuyée. La ligne de basse qui arrive à la 2ème minute va donner un petit orgasme à tous les amateurs de Deerhunter - ils savent de quoi je parle. "Blank Screen" conclut le tout avec ce que l'on attend depuis le début : un bon punk US sans concession, du fast food autant que du fast punk, du pulled pork mis en musique. 

BBQ Pope ne peut pas rester dans l'ombre. Ses 600 fans Facebook (ici) recevront bientôt le renfort de toute une armé de zombies punk (pour vérifier). BBQ Pope a pour lui le cheesy des meilleures formations US. La veine Fidlar qui ressort dans plusieurs de ces morceaux pourra l'amener très loin. Laissez tomber la pop les mecs, d'autres s'en chargent, vous, vous êtes destinés à faire du slacker punk pour hommes tatoués (mais si!).

(mp3) BBQ Pope - Cry

(mp3) BBQ Pope - Blank Screen

Tracklist : BBQ Pope (LP, 2017)

1. Welcome to My Hell

2. Sad and Stoned

3. Cry

4. No More

5. Baby Face

Son nom l'indique, Chillers est un nouveau groupe de slacker. Sans grande surprise - tant ils écrasent la scène cette année, ils sont originaires d'Australie (Melbourne) et ils viennent de faire paraître leur premier EP via Pissfart Records, un petit label qui ne fait décidément que dans le très bon.

La maxime du groupe est d'être "hard for the boys, sweet for the girls". Tout est dit. La musique des Chillers est punchy, un garage rock qui tire souvent sur du punk, de quoi faire la fête avec Dune Rats & co. Mais à la différence de beaucoup de groupes slacker, les Chillers refusent toutefois dans tomber dans la marmite pop. Le pop punk a envahi cette scène, mais les Chillers préfèrent écouter les vieux groupes anglais des années '60. Le combo est audacieux, peu commun et probablement infaillible !

"Punch + Run", le premier titre, est une belle promesse. Ceux qui aiment les Drunk Mums y trouveront leur compte. "Johnny Rock" débute quant à lui comme un morceau de garage somme toute assez classique. Et puis, lorsque les Chillers se mettent à faire crisser la guitare tel Alice Cooper dans Wayne's World, on comprend que la dégénérescence mentale a du bon. La deuxième partie du morceau se transforme en "joli massacre pour tympans dévergondés". C'est excellent, du garage punk super efficace ! Et "I Wanna Fight" ne nous réserve pas moins. Les allures anglaises du groupe ressortent comme les pustules du front de nos grands-mères. La volonté de cogner fort est toujours aussi présente, les Chillers ont écouté Jay Reatard et ça s'entend. 

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"Heart Attack" voudrait aller plus vite qu'il aurait du mal. Comme dans beaucoup d'albums de punk, Chillers joue la carte d'un rythme cathartique qui nous rappelle les débuts du genre. Le final est un boxon sonore dont on ressort grandit. "Ciggie Break" est probablement le morceau que Chillers a voulu dédicacer à ses groupies. Il leur consacre quelques minutes le temps d'une cigarette, mais qu'elles ne s'attendent pas à de la pop. "Vampire" s'introduit enfin sur quelques notes qui imite l'approche de la bête. Tient-on l'un des hits de l'été 2017 ? Sans aucun doute. Le mixage d'Adam Ritchie fait de morceau un modèle slacker que l'on retiendra. Les Chillers sont au sommet de leur art, cheesy, frappés, sales et rock'n'roll.

Ce genre d'EP en "name your price" fait partie des raisons de ce pour quoi Bandcamp est une bénédiction. Les Chillers, avec ce premier cri, nous montrent que les bébés slacker sont encore pleins de ressources. Sans trop parler de bières, sont trop porter de t-shirts de Hockey et sans trop rigoler niaisement, les Chillers parviennent à imposer un très bon EP qui ravira tous les ravis les amateurs de punk rigoleur. Et puis, comme le dit Adam Richie au sujet de ces quelques morceaux, "you can't polish a turd, but you can roll it in glitter" (tu ne peux pas polir une merde, mais tu peux la faire griller). Voilà.

The heading concept is very simple: every Wednesday (or so), Still in Rock proposes to list some "top 5": an artist's 5 best songs, a label's 5 best albums, a musical style best's 5 albums and so on ... One day, we will even make the top 5 of these Gimme Top 5, I promise. This little game necessarily is subjective but it compensates by one of its main qualities: to tease all of those thinking that lists are useless. Whether we like it or not, the amount of available information on the Internet is endless. Let us try to put a little order, each at our own scale.

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Le concept de cette rubrique est des plus simples : tous les mercredis (ou presque), Still in Rock se propose de lister quelques "top 5" : celui des meilleurs morceaux d'un artiste, celui des meilleurs albums d'un label, celui des meilleurs albums d'un genre musical et j'en passe... Un jour, on fera même le top 5 des tops 5, promis. L'exercice est nécessairement subjectif mais il compense par l'une de ses qualités : titiller tous ceux qui pensent que les listes ne servent à rien. Qu'on le veuille ou non, la quantité d'information disponible sur Internet est sans fin. Tachons d'y mettre un peu d'ordre, chacun à notre échelle.
Bonne lecture my friends !

Baywitch est un groupe originaire de Seattle qui fait dans le surf. Et que dans le surf ! Sa production garage, ses mélodies un peu zombifiées et ses doo-wop font de Baywitch un bon groupe du genre. La musique surf est très codées, il était donc important que Baywitch respecte chacun d'entre eux. Avec Hellaspawn, Baywitch fait suite à Moonstoners, son premier album paru en 2016. Le groupe renforce son côté série B pour l'occasion. Il gagne également en intensité et en morts-vivants. Tout un programme.

C'est avec "Ghost" que l'on rentre vraiment dans le vif du sujet, le surf ensorcelé que nous promet Baywitch depuis la première seconde. L'instru' passe la vitesse supérieure, la mélodie est plus noirâtre, on surf de nuit, les requins font la fête et Dick Dale vient de perdre une jambe ! "Unfairytale II" est plus groovy. Un peu de reverb' a été placé sur la voix de Lila Burns, la bonne idée. On se rend compte que le groupe aurait intérêt à muscler encore sa musique pour contraster davantage avec le timbre suave dont elle nous gratifie. 

"Widows" se perd un peu dans une instru' qui ne claque pas assez. C'est l'un des défauts de l'album, cette tendance à ne pas être jusqu'au-boutiste et à parfois nous servir un plat réchauffé avec des accords similaires aux précédents. "Black Holes" est plus chanté que les autres, je ne suis pas certain non plus que l'on recherche autre chose qu'une grosse partie instrumentale, mais soit. "Hellaspawn", avec son introduit digne de Chillerama, fait parfaitement le travail. Le groupe a choisi ce morceau comme single (voir la vidéo), preuve qu'il sait détenir un hit lorsqu'il en trouve un. "Potion Breeze", enfin, vient apporter à cet album la petite excitation finale, celle qui impulse nos jeudis soirs.

Au final, Hellaspawn est un bon album de surf qui sent bon l'été Californien. Seulement voilà, Baywitch est un groupe originaire de Seattle, et outre la boutade, on se dit qu'il aurait pu aller plus loin. Les titres instrumentaux sont les meilleurs de cet album parce que Baywitch n'exploite pas assez le contraste entre son intru' et la voix très audible de Lila Burns. Le groupe franchira à mon sens le cap' supérieur lorsque sa musique sera plus garage encore et la voix de Lila plus sexy encore, de sorte à créer un Blonde Redhead du surf, quoi. 

Pour le plaisir :

Hello Joyce est un groupe originaire de Floride qui se présente comme étant un repère de "dad rockers in the making". On s'attendrait donc à une musique un peu ringarde faite de longs solos, d'un peu de grandiloquence et de mélodies poussives, mais il n'en est rien. Hello Joyce, en réalité, n'a rien du dad rock, le groupe fait plutôt dans un jizz jazz - ou plutôt, une jizz folk - qui nous fait rester sur notre canapé - le nom de l'album le dit d'ailleurs. Son mot d'ordre, "let your mind slip beneath the cushions" (littéralement, laissez votre esprit glisser sous les coussins) fait particulièrement sens dans un LP qui oscille entre dream pop, jangle pop et musique d'ascenseur.

"Couch Thoughts", le premier morceau, rappelle immédiatement les anciennes sonorités de Mac DeMarco - surement est-ce la guitare. Les titres de cet album ont été enregistrés dans la chambre du chanteur, ce que l'on entend à l'évidence tant les mélodies sont apathiques. "Breathe" est plus proche de la breeze pop de Real Estate. La ligne de basse fait très bien le travail et le morceau est parfaitement séquencé.

"I'm Your Hound", le troisième titre, est encore plus lancinant que les autres. Hello Joyce nous transporte aux confins de la pop de chambre tandis que "Where She Goes" joue la carte Ducktails. Ecouter Kyle D. Muti est un exercice reposant. Ecrire cet article un lundi matin n'est pas la chose la plus aisée. Il y a comme une légère tendance au somnambulisme que cet LP ne fait que renforcer. "Ceiling" vient clore la face A. Le concept-album de Hello Joyce est très bien fait, les titres s’enchaînent avec grâce et on se dit que le groupe ne peut pas délivrer un titre en deçà d'un niveau plancher pourtant très haut. C'est une fois encore la ligne de basse qui nous interpelle.

"[Intermission]" est une excellente chose. Les interludes sont généralement peu efficaces mais celui-ci a l'avantage de nous guider dans un pays instrumental qui sent bon les fleurs fanées. Et "Hanging Heavy" réenclenche la machine à faire la sieste.

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"Getting Fatter" est la conséquence logique de toute cette agonie. Hello Joyce met ces quelques minutes à profit pour nous montrer qu'il sait écrire des morceaux autre chose que sur des thèmes poétiques. "Midnight Snack" réintroduit des airs plus dream pop à la Real Estate, ce qui, à mon sens, réussit moins bien au groupe tant on est habitué de ce genre de créations. Voyez "Strange Year" et son côté spectral. Le titre bien plus captivant que ne l'est le précédent. 

Lorsque contacté au sujet de cet article, Hello Joyce m'a confié être "a psych rock/jangle pop band based in Florida, we've been great friends for years and we just love to get some dope sounds into people's ears". Voici donc sa formule, passer du bon temps entre amis, ne jamais trop s'en faire pour nos oreilles et écrire l'apologie du canapé. Entre bedroom, jangle pop, jizz jazz et breeze pop, Hello Joyce navigue d'une main de maître dans l'univers des formations indolentes. Alex Calder peut se réjouir d'avoir de nouveaux compagnons de route. Cet album réussit tous les objectifs qu'il s'était fixé d'atteindre. Hello Joyce travaille actuellement à la création d'un nouvel EP. Retenons donc notre souffle au milieu de cet air marin. 

(mp3) Hello Joyce - I'm Your Hound

(mp3) Hello Joyce - Couch Thoughts

Tracklist : Couch Thoughts (LP, 2017)

1. Couch Thoughts

2. Breathe

3. I'm Your Hound

Je me souviens avoir passé de longues soirées à débattre de ce qui est mainstream et de ce qui ne l'est pas. Le rédac' chef de Roads Magazine - que je salue délicatement ;) - défendait que des groupes comme Fidlar et Ty Segall étaient mainstream sans l'être, parce qu'inconnus du grand public... ce qui est vrai ! Je disais, à l'inverse, qu'une partie de la population est de toute façon perdue et ne serait jamais attirée du côté underground de la force. Je considérais, dès lors, que les Strokes faisaient partie du patrimoine commun de la scène indépendante et que leur musique est mainstream (à notre niveau), sans que cela ne retire rien de son génie.

Si j'évoque ces vieilles discussions aujourd'hui, c'est que Sheer Mag pose la question de ce qui est indépendant et de ce qui ne l'est pas. A l'évidence, le groupe est prisé de la scène des connaisseurs et il est très peu probable qu'il se retrouve bientôt sur les télévisions du monde entier. Dire que Sheer Mag est mainstream serait donc faux. Il n'en demeure pas moins que sa musique, en s'inscrivant en plein dans celle des Strokes, nous est familière dès les premières secondes, et ainsi, très facile d'accès. Cela n'enlève rien non plus à la force de ses morceaux - au contraire - mais il faut reconnaître le fait que Sheer Mag ne fera pas partie de ces formations innovantes qui nous pousseront vers quelque chose de nouveau. Il faut donc se concentrer sur les hits, Sheer Mag s'écoute comme cela - à mon sens !

Avec Need to Feel Your Love, son premier album studio, Sheer Mag perpétue la lancé qu'il avait entrepris sur ses premiers EPs : on est en plein dans du post-2001, à l'époque où les Strokes s'inspirent de Television pour relancer la scène rock'n'roll New Yorkaise. En conséquence, on écoute la musique de Sheer Mag pour ses nombreux hits, ses dances, ses riffs qui transpirent l'évidence, la voix de Tina Halladay et ses mélodies bubblegum. Dans ce registre, Sheer Mag est le meilleur de tous.

"Meet Me In The Street", comme tous les morceaux qui suivront, fait du Sheer Mag à 100% - et que demander d'autre à un groupe. A dire vrai, il est probablement le titre qui colle le plus au Sheer Mag que nous connaissions déjà. "Need to Feel Your Love" est plus eigthies, on danse dessus comme Blondie dansait dans ses vidéos. 

Lien vers tous les groupes de "Post 2001"

"Just Can't Get Enough" n'est pas la version singée du grand titre du nom. "Just Can't Get Enough" est un morceau de Room On Fire de Post 2001 qui excelle encore et toujours dans le genre. Une question se posera rapidement : Sheer Mag sera-t-il suffisamment fort pour créer des vocations et entrainer toute une scène avec lui ? 

"Expect The Bayonet" est plus doux que les autres, c'est de la bubblegum 70s que le groupe nous sert sans vergogne. On pense alors aux démos de Milk'n'Cookies qui flirtent entre power pop et punk. Une chose est sure, Sheer Mag a écouté les Speedies autant que les Records ! "Rank And File" ne dévie pas d'un fil - une véritable couturière Chanel cette Tina Halladay - tandis que "Turn It Up" intègre la belle lignée des morceaux à la Dictators - Californiaaa Sun !

"Suffer Me", le premier titre de la face B, est aussi le premier single de cet LP. Il demeure le titre le plus inventif de l'album. Plus que jamais, Sheer Mag fait le pont entre les Strokes et Television, laissant un brin l'influence du premier pour se fondre dans le second. Le clip est irréprochable, il jouera dans la catégorie de meilleure vidéo de 2017 ! Quant à "Pure Desire", avec sa basse proéminente, il fait penser à du X revisité à la façon d'un groupe de disco. Et quitte à parler de X, notons à quel point la musique de Sheer Mag est faite de luxure.

Article sur le groupe X (à ne pas manquer !!)

"Until You Find The One" est une pièce étonnante, lo-fi - au milieu de cet album très bien produit. "Milk And Honey", avec sa mélodie aiguë et ses riffs groovy, fait définitivement tomber Sheer Mag du côté (power) pop de la force. Je ne ferai pas la liste de tous les groupes seventies auquel ce morceau fait référence, notons simplement à quel point Sheer Mag joue bien la chanson d'amour : "In a dream I hear you call my name; We pass like ships in the night; Cut from the vine; Cut like shadows out of time". Paul Collins sera d'accord avec moi. Les Beat disaient vouloir trouver une "rock'n'roll girl", la voici face à eux !

"Can't Play It Cool" ressert quelque peu les boulons pour rappeler que Sheer Mag n'est pas que mielleux. Et puis, "(Say Goodbye To) Sophie Scholl" nous fait au revoir dans un chorus qui nous tirerait presque les larmes aux yeux. Si Sheer Mag rappelle parfois la force de frappe des Fugazi, cette dernière création joue la carte mélancolique dans un style proche de celui des Flamin' Groovies.

Il est amusant de constater que Sheer Mag cultive l'image d'un groupe difficilement accessible. Il ne répond pas aux demandes d'interviews - même de magazines papier tirés à plusieurs milliers d'exemplaires - et, paraît-il, déteste être comparé aux Strokes. En fait, Sheer Mag est un groupe indé au sens premier du terme. Sa musique fait pourtant partie de celles qui ont la base la plus large de la scène underground. Son premier LP est une immense réussite, et si on est déjà habitué au son qu'il délivre, il faut noter à quel point aucun autre groupe ne sait aujourd'hui faire ce que fait Sheer Mag.

Et Sheer Mag fait parler, il fait danser et il fait sourire. Ce monde de bisounours nous va bien. Son rock est gentil et il est fait pour les gentils. Sans jamais tomber dans le slacker, Sheer Mag trouve la formule pour nous faire rire. J'en reviens une fois encore à la conclusion de Hermann Hesse dans le Loup des steppes, "tu apprendras encore à rire comme les immortels". Sheer Mag fait partie de nos instructeurs. 

(mp3) Sheer Mag - Suffer Me

(mp3) Sheer Mag - Milk And Honey

Tracklist : Need to Feel Your Love (LP, Wilsuns Recording Company, 2017)

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Bonne lecture my friends !

Matthew Melton, c'est... Bare Wires, Warm Soda, Pleasers, Dream Machine et... désormais... un scandale. J'en ai rapidement parlé dans l'édito du mois de juin ainsi que sur Facebook, je ne reviendrai donc pas sur la polémique Dream Machine causée par l'interview que j'ai réalisé avec le groupe. L'affaire est désormais entre les mains de Fox News (seriously??!) et je n'entends pas faire du commentaire politique sur Still in Rock. Cet article parlera donc de musique, et uniquement de musique. Je prends le pari que trop peu de journaux et autres webzines adopteront cette approche à l'occasion de la review de l'album qui fait l'objet de cet article, ce pour quoi il est d'autant plus nécessaire de le faire. 

Le 15 octobre prochain sortira le nouvel LP solo de Matthew Melton. Ce sera son troisième, après Still Misunderstood (2009) et Outside Of Paradise (2014). Doris, sa femme, sera également de la partie, voyez plutôt : "Matthew & Doris Melton from Dream Machine join forces again for Matthew's new solo album. "Night Life" is a concept album about darkness and being an outsider". Le tout paraîtra sur Fuzz City Records, son label perso.

Les 10 morceaux qui composent cet LP se veulent être plus brumeux qu'à l'habitude. Enregistrés sur Tascam 388 at 432hz (explications), on se souvient que Matthew avait confié avoir une adoration particulière pour Over the Edge, un film sur la révolte adolescente d'une petite ville américaine (interview). Tout semble s'organiser la nuit, lorsque l'oppression est endormie. C'est précisément ce que traduisent ces deux premiers morceaux de l'album, "Neon Light" et "Right There Waiting" qui font office de singles très réussis.

"Neon Light" laisse place à l'analogique des derniers Warm Soda tandis que Doris vient renforcer la présence d'une volonté plus sombre avec un clavier... langoureux. L'enregistrement est ainsi fait que l'intru' prend le pas sur la piste vocale, comme si Matthew Melton avait voulu remettre sa musique au centre de l'attention. Le deuxième clavier qui arrive aux alentours de la 90ème seconde fait des merveilles, sans grandiloquence, dans un style diamétralement opposé à celui de Dream Machine.

"Right There Waiting" a cette même volonté presque-psychée qui pousse la musique de Matthew Melton vers quelque chose de plus dark que l'on veut écouter dans les rues engourdies d'Austin (Texas). Sa voix est délivrée à la façon de la power pop, nous sommes en plein dans l'âge d'or des Melton. Aucun autre groupe ne délivre une musique dont le genre s'approche de celui-ci, sorte de pop intemporelle pour amateurs de Solex en solitaire.

Le 15 octobre sera donc le début d'un renouveau pour Matthew Melton. Still in Rock sera bien entendu de ceux qui écriront une chronique complète de cet LP. Les amateurs de Shoes, Toms, Cheap Trick et autre glam rockers ne m'en voudront pas !

(mp3) Matthew Melton - Neon Light

Tracklist : Night Life (LP, Fuzz City Records, 2017)

1. Neon Light

2. Right There Waiting

3. Hot Night

4. Taken By The Night

5. When It All Comes Down

6. Afraid Of Myself (Without You)

7. Night Walk

8. Standing In The Darkness

9. I Hear The Words You Say

10. Night Life

Liens :

Interview avec Matthew Melton
Interview avec Dream Machine (les Melton)

Album review du dernier Warm Soda
Album review du premier Dream Machine

Blonde Redhead est un groupe new-yorkais créé en 1994 et qui est toujours actif à ce jour. La légende veut que ses membres - Kazu Makino et les frères Amedeo et Simone Pace - se soient rencontrés dans un restaurant italien à Manhattan. Très vite, Blonde Redhead travaillera à la production d'un premier album. Il sortira en 1994 sur Smells Like Records, le label de Steve Shelley (batteur de Sonic Youth), et dans la foulée, paraîtra La Mia Vita Violenta. 

Interview Still in Rock avec Thurston Moore

Il est évident, à l'écoute des premiers Blonde Redhead, que sa musique est parfois similaire à celle de Sonic Youth. Ses deux premiers albums regorgent de sonorités nineties, ils sont expérimentaux, une voix féminine vient former un duo avec une voix masculine, bref, Blonde Youth - ou Sonic Redhead - est un combo qui tient la comparaison. Alors, sans surprise, les fans de l'un des deux groupes aimeront nécessairement l'autre, et si SY est bien évidemment le précurseur dans l'histoire, Blonde Redhead ne doit pas être dénigré, parce que ses morceaux sont souvent novateurs, qu'ils ajoutent en sensualité à la décennie 90s et qu'ils traduisent le spirit de ces immenses années comme très peu d'albums le font.

"(I Am Taking Out My Eurotrash) I Still Get Rocks Off" nous met immédiatement dans tous vns états. Volontairement très aguicheur, il nous emporte avec une belle véhémence que la guitare traduit sans difficulté. Le duo fonctionne à la perfection, nous avons à faire à l'un des meilleurs titres du genre nineties. 

Vient ensuite "Violent Life", le morceau qui a le premier attiré mon attention sur La Mia Vita Violenta. Le son de la guitare, très métallique, rappelle un brin la mouvance de rock industriel des années 80s, et pourtant, Blonde Redhead n'a jamais sonné autant nineties, la faute à des paroles poético-Winona-Ryder-ish - comprenez par-là, un peu artiste maudit avec ses jeans déchirés. On y trouve, comme beaucoup des meilleurs morceaux de cette décennie, le spleen d'une génération pommée, la première de l'histoire à l'être véritablement.

Semaine spéciale Sonic Youth

"U.F.O." retombe sur les terres de Sonic Youth, version premiers albums. Le son est relativement minimaliste et guidé par une batterie omniprésente. Ça fonctionne parfaitement, ces balades d'indie rock ont disparu de l'environnement, on les écoute donc avec un immense plaisir. Et que dire du final sinon qu'il propulse Blonde Redhead dans les hautes sphères des groupes expérimentaux d'exception. 

"I Am There While You Choke On Me" rajoute une couche de sado-masochisme, ce que le son lo-fi qui est volontairement posé sur ces deux minutes magnifie. "Harmony" revient à une production plus classique mais Blonde Redhead en profite pour délivrer un morceau tout ce qu'il y a de plus psyché. Et "Down Under" de faire enfin ressortir la sensualité de Kazu Makino, ce qui, à mon sens, distingue le plus Blonde Redhead des autres formations de l'époque. 

"Bean", c'est une pièce de craie noire avec laquelle Blonde Redhead dessine des choses creepy. Le riff est super mécanique, ce n'est pas la première fois, preuve de l'influence 80s qui ressort en filigrane. "Young Neil" est pour sa part un hommage inversé, comme son nom l'indique. "10 Feet High" reprend la route d'une musique plus noisy. Yo La Tengo version Electr-O-Pura n'aurait pas dit non. "Jewel" clôt l'album dans une mouvance proto-rock dont l'évidence de la structure contraste avec le travail porté sur les différentes sonorités. Au risque de faire trop puriste, ce titre mérite l'approbation de tous ceux qui se sont un jour intéressés à l'influence du free jazz dans le rock alternatif - dont Frank Zappa est le père... Blonde Redhead aurait pu pousser le vice encore plus loin en prolongeant le morceau de quelques minutes.

On ne peut pas toujours publier des articles sur de jeunes loups en quête du grand amour. L'artiste du jour, Peter Perrett, ne fait pas partie de la clique de ces artistes à la Burger Records, casquette de côté et t-shirt Trasher sur les épaules. Peter a 65 ans, il est connu pour être l'ancien leader des Only Ones - "Another Girl, Another Planet" - et il vient de faire paraître son premier album en 19 ans.

Article sur The Only Ones

A vrai dire, je n'ai jamais été un grand fan de ces albums solo d'anciennes légendes, mais il en va différemment avec Peter. Peter, c'est un artiste qui a su capitaliser sur son expérience de la scène pour délivrer un album qui ne tente pas d'imiter ce qu'il faisant dans le temps. Très noir, le rock'n'roll de Peter Perrett parle souvent d'amour. On croirait entendre la bande-son d'un nouveau Spaghetti Western, à moins que ce ne soit celle d'un film noir.

"How The West Was Won" est le grand single de cet album. La vidéo qui l'accompagne a été réalisée par Douglas Hart, chanteur de Jesus and the Mary Chain. Peter chante au sujet de sa femme, Zena, qu'il a marié en 1970 à l'âge de 18 ans. Cela a son importance tant la musique de Peter Perrett ne se comprend qu'à la lumière de son intention. Ces vieux rockeurs ont beaucoup à nous dire, et si la scène la plus jeune est souvent hermétique à ces messages, je crois que le pont ne se fera qu'à travers un story telling convaincant.

"An Epic Story" est plus proche de ce que faisant les Only Ones. Le cheesy revient en force, pour le meilleur. Dans "Hard To Say No", Peter Perrett nous offre une nouvelle dichotomie: "some people are vampire and some are bleeders". Je suis moins convaincu par le chorus, mais la voix nasillarde de Peter finit toujours par reprendre le dessus.

"Troika", avec ses premiers accords de power pop, est logiquement consacré au "true love", à l'éternelle belle rencontre. Le refrain est super bien fait, on retrouve un peu de jangle pop, bref, Peter manie tous ces genres à la perfection. "Living In My Head", le dernier morceau de la face A, se veut plus mystérieux. Le premier solo de guitare fait son apparition, voilà bien quelque chose dont la jeune scène pourrait s'inspirer. Je ne serai pas étonné que l'influence de JAMC y soit pour quelque chose.

"Man Of Extremes", le premier morceau de la face B de ce How the West Was Won - qui est pensé comme un concept-album - est le plus pop de tous. Etrangement, c'est là où la voix de Peter Perrett prend sens, une touche de brume dans un univers fleurit. Et puis, on en revient toujours à ce "You and Me".

"Sweet Endeavour" est plus mélo, on passe donc à "C Voyeurger" qui n'arrive pas au meilleur moment tant on aurait aimé sortir, ne serait-ce qu'un peu, de cette ambiance pesante de l'album. Mais c'est probablement la volonté de Peter Perrett, nous maintenir la tête sous l'eau 45 minutes durant. Heureusement, "Something In My Brain" réinjecte un peu de pop dans cet album tandis que la guitare retrouve ses allures 1978. "Take Me Home", le petit dernier, tente l'instru' diversifiée. Et si Peter Perrett était meilleur dans sa version minimale ?

Beaucoup des albums des anciens rockeurs en font trop, ils sont surproduits tandis que les textes sont pompeux au possible. Peter Perrett évite chacun de ces recueils. How the West Was Won est un bon album qui, tout en rappelant parfois les Only Ones, donne un second-troisième souffle à sa belle carrière. 

Je me souviens par ailleurs d'avoir questionné Paul Collins - The Beat - sur la disparition des chansons d'amour. Il partageait mon constat et ce nouvel LP de Peter Perrett, avec son obsession du big love, ne fait jamais que renforcer l'impression. La scène n'ose plus composer sur ce thème, frontalement, sans filtre. Les 90s sont passées par là, il faut que tout soit ironique. Cet album est une bouffée d'air frais, non pas qu'il ne faille pas vénérer les nineties, mais de là à ce que la scène tout entière soit écrasée...

(mp3) Peter Perrett - How the West Was Won

(mp3) Peter Perrett - Man of Extremes

The heading concept is very simple: every Wednesday (or so), Still in Rock proposes to list some "top 5": an artist's 5 best songs, a label's 5 best albums, a musical style best's 5 albums and so on ... One day, we will even make the top 5 of these Gimme Top 5, I promise. This little game necessarily is subjective but it compensates by one of its main qualities: to tease all of those thinking that lists are useless. Whether we like it or not, the amount of available information on the Internet is endless. Let us try to put a little order, each at our own scale.

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Le concept de cette rubrique est des plus simples : tous les mercredis (ou presque), Still in Rock se propose de lister quelques "top 5" : celui des meilleurs morceaux d'un artiste, celui des meilleurs albums d'un label, celui des meilleurs albums d'un genre musical et j'en passe... Un jour, on fera même le top 5 des tops 5, promis. L'exercice est nécessairement subjectif mais il compense par l'une de ses qualités : titiller tous ceux qui pensent que les listes ne servent à rien. Qu'on le veuille ou non, la quantité d'information disponible sur Internet est sans fin. Tachons d'y mettre un peu d'ordre, chacun à notre échelle.
Bonne lecture my friends !

No Aloha, c'est un groupe originaire de Montréal (Québec) tout à fait enlevant - comme ils disent. On se souvient qu'il avait fait paraître un bon EP au mois d'août 2015, que Mazz l'avait chroniqué pour Still in Rock et que le groupe était resté relativement discret depuis lors.

No Aloha n'a jamais caché ses influences très diverses : My Bloody Valentine pour l'aspect 90s shoegaze, la power pop pour l'évidence des mélodies, mais aussi, le post-punk pour ce qu'il y a de plus noir et de plus mécanique. Si No Aloha n'a pas encore trouvé la recette magique lui permettant d'intégrer toutes ces envies dans un seul morceau - est-ce seulement possible ? - il délivre en revanche de très bons morceaux qui font indéniablement appellent à nos meilleurs souvenirs. Son dernier EP en date, Sway, est paru le 30 juin dernier et il ne déroge pas à la règle.

"Sway" est un morceau de surf pop qui intègre quelques éléments de shoegaze. Un surfeur qui regarde ses shoes, ça se peut et ça ne semble pas l'empêcher d'aller loin sur la vague du riff. On retrouve logiquement l'influence de DIIV - voir Beach Fossils - qui a également su, par le passé, allier ces deux styles de musique dans une mouvance finalement très 90s. 

"Dead Head", c'est la raison d'être de cet article. Si le morceau est introduit comme une nouvelle pièce de surf comme il s'en fait tant, on se rend rapidement à l'évidence : No Aloha vient de dénicher sa plus belle mélodie, faisant de "Dead Head" de l'indie pop pour cocktails un peu smart. Ah, je vois déjà l'affiche, le DJ set forcé où les animateurs portent des couronnes de fleurs et prolonge "Dead Head" pendant de longues minutes histoire de séduire Sandrine qui semble décidée à ne jamais quitter la piste de danse. 

"Work Shirt" est un poil plus rock'n'roll. Le son de la guitare est largement renforcé du côté fuzz de la force. Certaines phases instrumentales rappellent la scène too much des années '70s, une agréable surprise. Pour le reste, on se dit que la production aura pu insister encore plus sur l'aspect guitare-esque de ce morceau. Mais là repose une simple question de détails...

Avec No Problemo, son premier EP, Mazz disait pour Still in Rock qu'il avait "parfois l’impression que le groupe a (trop) essayé d’honorer ses influences, perdant ainsi l’occasion de nous présenter une identité sonore véritablement unique". Si cet accueil apparait encore en filigrane sur Sway, l'excellente mélodie de "Dead Head" l'atténue largement. 

Avec ses trois directions artistiques pour trois titres, on sent bien que No Aloha ne s'est pas encore complètement trouvé. Reste à savoir quel label il vise, quel est le public qu'il veut attirer et, surtout, quelle musique l'inspire le plus. À défaut de clarifier rapidement ces trois questions, la discographie de No Aloha deviendra rapidement illisible. En attendant, on surfe avec eux. 

(mp3) No Aloha - Dead Head

Tracklist : Sway (EP, 2017)

1. Sway

2. Dead Head

3. Work Shirt

Liens :

Premier article sur le groupe

Tous les articles de surf pop

Basketball Shorts a fait paraître un très bon premier album en 2016, le dénommé Hot and Ready. Qualifié de pizza rock, on se souvient que sa musique était classée aux portes du top 20 de l'année précitée (lien). Alors, la parution il y a quelques jours à peine de son nouvel album suscite forcément quelques espoirs, et c'est à juste titre tant il contient quelques belles minutes de slacker rock. Ressortez vos pizzas du congélateur, Basketball Shorts entend bien délivrer votre Domino's Pizza avec des Air Jordan aux pieds.

"This Summer", disons-le franchement, est l'un des hits underground de l'été 2017. Le pari est donc réussi pour Basketball Shorts qui délivre un de ces morceaux slacker que l'on réécoutera chaque mois de juillet. La prod' est légèrement entubée de sorte que le titre nous caresse le tympan plus qu'il ne le cogne. Il y a un peu de 90s, de la pop, un refrain qui revient en boucle, bref, Basketball Shorts confirme qu'il sait comment écrire d'excellents morceaux. "Home" a lui aussi la très bonne idée de laisser place à deux guitares. Le refrain est un brin moins efficace que celui du titre précédent, mais on se raccroche aux nombreuses variations que le groupe nous offre. 

Et puis, revient "Hot And Ready", un titre que l'on connaissait déjà pour être de son premier LP paru en 2016. Si on peut s'étonner du choix de le représenter à nous, on se laisse rapidement bercer par sa douce mélodie et ce message d'une rare finesse : "je suis chaud, je suis prêt, let's go". Basketball Shorts fait dans le slacker punk sans la moindre once d'hésitation, les amoureux du CGBG aimeront. "Tommy's a Cop", le premier titre, est un titre très high school qui parle de bières, de faire la fête et de tout ce que vous pouvez imaginer dans un American Pie 9. 

Basketball Shorts ne déroge en rien aux règles de la scène slacker que je me plais à promouvoir ici même. C'est vrai, mais il le fait si bien que son conformisme se transforme finalement en quelque chose de singulier. Avec Basketball Shorts, on se rend compte que scorer très haut dans le monde du slacker n'est finalement pas chose aisée. Lui, il sait le faire.

Cotillon est un groupe originaire de Brooklyn sur lequel je veux écrire depuis un moment. Je profite d'un petit creux dans l'actualité musicale - mois de juillet oblige - pour me lancer. Il faut dire que la pochette a toujours joué le rôle de repoussoir et que je n'étais pas certain d'adhérer à ce cool un peu forcé. En réalité, The Afternoons - le nouvel album de Cotillon - est fort intéressant et je crois que l'année 2017 de Still in Rock ne serait pas complète sans l'avoir évoqué.

"Secret", le premier titre, affiche la volonté très 90s de cette scène qui utilisait l'acoustique pour délivrer des morceaux aussi noirs que ceux du grunge. On retrouve ce même élan dans les créations de Tracy Bryant. "Promises 1" et "Promises 2" est d'un esprit similaire. Ces deux morceaux sont toutefois un peu creux, Cotillon a voulu jouer la carte minimaliste mais le tout manque un peu de corps. Il est probable que l'on réécoute cet album dans quelques années et que l'on se dise, comparativement, que Cotillon aura su se donner un peu plus de matière.

Vient "I Like People", le HIT de cet album, une pièce nineties qui fait penser à un songwriting à la Lennon... I like people that don't like people. Si l'intention est punk, le titre délivré est à mille lieux d'une quelconque impulsivité. Cotillon parvient à infuser sa pop d'un léger fuzz qui le rend attachant parce qu'un peu daté. "Black Sea" clôt la première face de l'album. Il y a quelque chose de très Girls, pour ceux qui se souvienne de "Hellhole Ratrace" !

"SFO" se veut plus sévère. L'instru' est inspiré de la scène punk mais Cotillon nous ramène toujours à un univers plus contrôlé avec des partitions vocales qui jouent le contraste. L'aspect Cloud Nothings n'en demeure pas moins prégnant. "Alex's Room" - merci Pavement - est également emprunt de ce léger fuzz qui anime l'album. Le titre est très américain. 

"10 Dish Set" introduit le trio final dans un élan instrumental qui, outre le fait que ses aspects expérimentaux soient bien pensés, manque de faire sens dans un album aux sonorités plutôt accueillantes. "Fang" pourrait être un morceau post-emo à la American Pie mais on se rend rapidement compte que Cotillon en a fait un nouveau statement à la Clerks. Beaucoup de groupes australiens s'inscrivent aussi dans cette démarche. "Staying In" s'appréhende avec les minutes. Cotillon, une nouvelle fois, fait référence au temps qui passe, comme une obsession. Et puis, notons que cet album se conclut sur un "life is impossible" ce qui nous fait dire que Cotillon symbolise - en son nom directement - la désolation que peuvent éprouver les plus taciturnes d'entre nous lors des soirées de Nouvel An lorque la foule s'embrasse avec des chapeaux en papier sur la tête.

Alors, qu'est-ce qui fait de Cotillon un groupe qui mérite votre attention ? Sa nonchalance 90s, pour commencer, qui rappelle indéniablement quelques grands noms de l'époque visée. Il y a aussi ce contraste entre l'utilisation du fuzz et l'intention très bedroom pop de plusieurs des créations. Sans pouvoir parler de violence tranquille comme on le fait au sujet de Tomorrows Tulips - voir cette vidéo - on se rend compte que la musique de Cotillon a la mélancolie très carabinée. Le bourdon psychologique se transforme parfois en bourdon sonore, le tout est très bien pensé, bref, The Afternoons est un album qui fait sens à de nombreux niveaux et s'il manque encore de mélodies je ne doute pas que l'on retrouvera bientôt Cotillon dans nos playlists black summer.

The heading concept is very simple: every Wednesday (or so), Still in Rock proposes to list some "top 5": an artist's 5 best songs, a label's 5 best albums, a musical style best's 5 albums and so on ... One day, we will even make the top 5 of these Gimme Top 5, I promise. This little game necessarily is subjective but it compensates by one of its main qualities: to tease all of those thinking that lists are useless. Whether we like it or not, the amount of available information on the Internet is endless. Let us try to put a little order, each at our own scale.

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Le concept de cette rubrique est des plus simples : tous les mercredis (ou presque), Still in Rock se propose de lister quelques "top 5" : celui des meilleurs morceaux d'un artiste, celui des meilleurs albums d'un label, celui des meilleurs albums d'un genre musical et j'en passe... Un jour, on fera même le top 5 des tops 5, promis. L'exercice est nécessairement subjectif mais il compense par l'une de ses qualités : titiller tous ceux qui pensent que les listes ne servent à rien. Qu'on le veuille ou non, la quantité d'information disponible sur Internet est sans fin. Tachons d'y mettre un peu d'ordre, chacun à notre échelle.
Bonne lecture my friends !

TH Da Freak, vous le savez désormais, est le meilleur représentant du nineties dans le territoire hexagonal. Son premier LP ainsi que l'EP qui avait suivi ont fait l'objet un article détaillé il y a peu. On y parlait de Ween, de Built to Spill et de Pavement, la crème de la crème, le muffin top, la pepperoni sur la pizza (?).

Sortez vos t-shirt de Sonic Youth, vos jeans déchirés et vos énormes Doc Martens, TH Da Freak est de retour en exclusivité sur Still in Rock avec un nouveau morceau qui atteint un nouveau niveau de cool : celui des ironistes de la scène 90s, celui de la généation post-spleen parce que trop désenchantée pour être triste. Ne cherchez pas non plus à vous procurer un vinyle de ces quelques minutes de musique, TH Da Freak les sort pour le fun dans une démarche qui correspond parfaitement à celle de Pavement et des véritables indie-rockeurs (désolé du gros mot !) de cette génération anti Blank Generation (on en parle ici). Et son statement est clair : magnifier la vie solitaire des suburbs', faire de Will Self l'un des plus grands de sa génération, rappeler que la période grunge était aussi noire qu'elle en avait l'air.

"I Don't Understand", que j'ai l'honneur de vous présenter en avant-première intergalactique, est un morceau extrêmement bien maîtrisé qui, dans l'esprit d'un Slacker, rappelle que certains groupes sont naturellement cool tandis que d'autres n'y arriveront jamais. Son côté D.I.Y. bricolé - qui n'enlève rien à la superbe de la mélodie - et Butterglory très nonchalant le met en bonne place parmi les meilleurs titres de post-nineties de ces derniers mois. À la frontière entre weird pop et inspirations alternatives, ce titre semble être la version 4-MTA et électronique de l'album One Foot In The Grave de Beck. Il est finalement très TH Da Freak. Il sera parmi les meilleurs titres de l'année.

(offert par le groupe)
Liens :

Bandcamp du groupe

Article sur son premier LP