Wand is one of the pillars of the scene. Although we thought for a long time that he would be a pillar of the garage scene, we have since understood that he wishes to experiment with many styles, without paying particular attention to the way his albums are received. And he says it himself, “does our band name belong to the records we already wrote, recorded, and have mostly stopped playing live? Or does it belong to the music we’re going to make in the future?“. This interview, conducted with Evan (band’s drummer), is one of the most in-depth interviews ever published on Still in Rock. I will come back to it, many times, there is so much to say… But until then, I address a huge thank you to the band!


Before Plum
Ganglion Reef was produced by Ty Segall. How different was working with him compared to other producers?
Evan: Ganglion Reef was not produced by Ty Segall, but he did help release it. That record was engineered by Andrew Schubert and Kevin Carle, and it was mixed by Cory with input from the rest of the band. It was released on God? Records, Ty’s imprint of Drag City.
In some interviews I’ve read, [Cory says] that Plum is less heavy but more challenging. Do you feel like you’ve reached your own limit with heaviness, and therefore, that you needed to shift to something brighter in order to get creative?
Evan: Our only resolutely ‘heavy’ record by my estimation is Golem, and that album was never supposed to signal any permanent choice of direction. If anything, I think we have always thought of it as tangential, a kind of myopic spin-off that follows a mythological character that first appeared on Ganglion Reef. The golem became a kind of totem and relay to some questions about insecurity, masculinity, power, performance and psychedelia that felt relevant at that time. We have always toyed with genre and trope and tradition. They are useful as costume you can take on and off, but they aren’t livable.

Talking about heaviness, I feel like the 2010s will be remembered, among other things, because of the psych stoner scene led by Thee Oh Sees who created a real movement. Do you see this music as a movement as well, if so, did you feel like you were part of it?
Evan: We have played with Oh Sees a number of times, we are fond of them, we run into them around Los Angeles with some regularity, and I bet we all love a lot of the same records. I never listened to Oh Sees much before we played with them, though I think Cory and Sofia did. They make records and play live with a destructive level of commitment. I love that. They are a powerful band.
But most artists won’t agree to be corralled into ‘movements’ that are conceived at a significant distance. I don’t think I’ll agree to it here. When you know other bands well, and you see them play a lot, you have a very keen sense of how ecstatically and thankfully distinct your approaches are. Maybe a concept like ‘the psych stoner movement’ is useful to someone, but I can’t think of who they would be, and for what purpose. It’s definitely not a concept that’s useful to us, and I think it paves over real subtlety. We could make a big sign that says that and lick dollar bills and stick them to it.
Maybe the 2010s just won’t be remembered, cuz we were all too stoned!

Black Sabbath seems to have been very important to you, and much less now. How do you explain going from something very dark to a brighter music? Is it related to personal stuff?
Evan: I think we all still listen to Black Sabbath pretty often, as we did when our music sometimes sounded more like Black Sabbath than it does now. All of us listen to all kinds of different music, as we also did back then. In our own music, I think we try to love our present moment by celebrating its mania of exposure and variety.
Everything about our music has always been related to personal stuff. And we take music personally.
I love that you are not making records to please people, but to release the music you feel like releasing. However, did you consider releasing this LP under another name?
Evan: I don’t think we considered it, because we never felt like a different band. Does our band name belong to the records we already wrote, recorded, and have mostly stopped playing live? Or does it belong to the music we’re going to make in the future?

Plum is your 4th LP, the second one on Drag City. How do you meet the guys from this label? Can you tell us the story?
Evan: I believe Ty introduced us to Drag City by offering to help release our first record. I think some Drag City folks came to see us play on our first tour through Chicago, and then they asked if we wanted to make a record with them. I’m very glad they did. I love Drag City. Thank you, Drag City! Blessings upon Drag City.
Plum has a Feelies vibe in some moments. Is the « avant pop » movement something of a new interest for you? 
Evan: Not the first place my ear and mind go, but that’s awesome. I love the Feelies. Sometimes I wonder if the Feelies were an influence on the Oh Sees actually. But I have no idea. 
I think most of the music I like could be called avant pop. But what is/was the “avant pop movement?” 

Allmusic was pretty harsh about your new LP, saying « it’s rare for a band to go from one person making all the calls to spreading the work around without it causing a major decline in quality ». Can you tell us more about this major change in the way the band is now creating music? 

Evan: That seems like one of those things you can say that sound true, but don’t have any more validity than any baseless thing you can say with authority anyway. Every time we’ve written a record, we’ve tried to alter our process in many different ways. Every time we’ve made a record, we have thought about what we’re doing differently. 
This time, we added two additional permanent members to the band, and the five of us spent hours and hours jamming together. We recorded as much of that music as we could, and then listened back to it. Most of the musical ideas on Plum were taken from those recorded jams, and then we developed the songs together, instruments in hand. We worked hard to democratize the songwriting process as much as we could. 1,000 Days represented the beginning of that process, and Plum accelerated it. We find it more rewarding to work this way. The music we all make together is a lot more surprising than the music any one of us could account for in total. 

On a different note (about Allmusic), do you read the musical press, and if so, do you care about what journalist say about how, can it (did it?) influence your music, and which magazine do you read? 

Evan: It’s very hard not to care what people say. Like, when I read that Allmusic review, I feel sad and frustrated and I think, “Wow, what a gassy, inattentive take on our record.” But you can’t let that stuff really get to you, or you’ll lose your mind. We try not to let it influence the music. 

You have worked with the amazing JJ Golden on this LP. The man collaborated with Thee Oh Sees, CFM, Tim Presley, Mike Krol and many many more, yet, nobody ever asks about him. Can you tell me a little bit about him, where’s from, how did you meet him, how does he work…? 

Evan: JJ Golden is a mastering engineer and an extraordinarily patient, attentive and friendly guy. We’ve always been glad to work with him. He provides mastering services out of his family’s studio called Golden Mastering in Ventura, CA. I think we met him through Larry at In the Red. Golem was the first record we mastered with JJ, and so far we’ve worked with him on everything since. He is really lucid, and I like his philosophy and approach. 

I’m currently reading David Foster Wallace and I’m obsessed with it. He describes better than everyone how we ALL become obsessed with consuming (food, bullshit, and ART). Would you say that yes, in some way, you consume art whatever its quality is, and if so, could you give us an example of this « quantity over quality » thing you are assuming in your personal life? 

Evan: Um, I really love snacks. I can’t get no satisfaction! 

« Bee Karma » also has a 90s feeling, somewhat similar to Country Teasers. Yet, the song is quite deconstructed with all of its variations. Is the great art found in the structures or, precisely, in the absence of structure? 

Evan: I feel like great art usually confounds the binary. 

« White Cat » is a German song to me. Do you listen to krautrock? Although I very much like the song, I wonder if, in 2017, with robots, artificial intelligence and all that producing a music which is a little automated and robotic makes as much sense as it did in 1970. What are your thoughts on that? 

Evan: I think we all have listened to krautrock, yes. It does seem like a lot of people are exhuming the 70s right now, and we do it now and then. We definitely love a lot of records that were made during that decade. And there even seems to be a kind of longing operative in the way a lot of us want to process our current American political catastrophe as some sort of Nixon redux. I wonder about that. 
All pop music is a little automated and robotic, isn’t it? I’m not sure that “White Cat” is so robotic though, as far as pop songs go. It’s a pretty naked, traditional five-piece rock band playing live in a room. I think it was the first take. Most of the performances have a very individualistic sense of attitude to my ears, which leads me away from motorik. I guess it’s a fast song. There are bongos. Sofia plays electric organ on it. The guitars are electric. It was mixed with a computer. 
You have a song entitled « Charles de Gaulle », and as a French dude, I have to ask: why? Are you a fan of the big man? 

Evan: Charles de Gaulle is the airport we fly in and out of most frequently on our European tours, so it’s very wrapped up in everything we’ve experienced over the last three years, including a lot of personal heartbreak and confusion. I feel like the song tries to find a meaningful connection between these different scales of time and life, different cultures, between intimacy and bureaucracy and history and love and trauma. I think it came out of wondering what it means that our weird profession keeps us passing through his name over and over while we just barely skim the surface of the culture and history he might represent. 

To conclude

What other contemporary bands are you listening to? 

Evan: Darto, Gun Outfit, Ka Baird, Circuit des Yeux, Wiki, Burial, Milk Music, The Dreebs, Wolf Eyes, Young Thug, Starlito, Yonatan Gat, Syko Friend, Earl Sweatshirt, Nidia Minaj, Nick Cave & the Bad Seeds, John Maus, Klein, CCR Headcleaner, Amps for Christ, Bill Callahan, Perfume Genius, Aphex Twin.
OK. It’s time for the last question now (almost). We interviewed Bret Easton Ellis a few weeks ago and he told us that, in his opinion, “rock’n’roll is dead.” What would you like to answer him? 

Evan: lol wow. There’s more than one emoji that would be perfect for this. 😉 
I’d say rock ‘n’ roll was a stillborn dream, and we’ve all been scrambling to resuscitate it this whole time. I don’t mean that as a slight– this is just plainly a necrophiliac business we’re all in. There’s a dead object with electric, living desire flying around it in a million different directions. 
It’s not shocking at all to hear one more famous person over 50 revert to the formula “x is dead.” People love to make this pronouncement about everything. It’s so clean and catchy, and it sounds iconoclastic even though it usually represents a conservative wish. Usually when someone says this they mean that their outdated critical framework won’t neatly cohere with a disobedient reality, or that the market for their work or the work they advocate for is dead or threatened– drying up or aging out. I’m not sure why Bret Easton Ellis said this– I guess the market for new electric guitars is drying up. But I do find his caricature of my generation cartoonish and misperceived. 
I don’t think the deathly stench around here is coming from the rock shows we play where there’s still plenty of ‘dumb’ emotion and energy and sweat and good faith being generated. This seems like a crisis of criticism, not a crisis of music. 
How about when Crass called out Patti Smith and Steve Jones and The Clash, and declared that punk was dead not even a year after Never Mind the Bollocks came out? Way back in 1978. And they did it in a punk song! Now that was something! 

The last time I’ve asked a band this question, it went pretty bad, and yet, I kinda want to you: it’s time for you to be French, could you criticize something about the music world that pissed you the most, and explain (please). 

Evan: I think I’m generally critical of how similar the music industry is to most other industries under the present arrangement. Why is it that the musicians, drivers, tour managers, roadies, sound engineers, bartenders, journalists, etc. who put in the most hours, do most of the manual labor, generate all the content, agree to inhuman lifestyles, put their bodies, minds and spirits on the line, etc. mostly receive less-than-a-living from all the capital that is circulating through this business, and work under conditions of precarity that often put us at odds with one another? Not having a good answer to this question pisses me off the most.

*            *

Wand fait partie des piliers. Seulement voilà, alors que l’on a longtemps cru qu’il serait un pilier de la scène garage, on a fini par comprendre qu’il expérimenterait de nombreux styles, sans se soucier particulièrement de la réception de ses albums. Et il le dit lui-même, “la question c’est de savoir si le nom du groupe appartient aux albums que l’on a déjà écrit, enregistré et principalement arrêté de jouer sur scène, ou s’il appartient à la musique que l’on va faire à l’avenir ?“. Cet interview, réalisée avec Evan (batteur du groupe), est l’un des plus fouillés jamais publié sur Still in Rock. J’y reviendrai, de nombreuses fois, il y a tant à en dire… Mais d’ici là, un immense merci au groupe !

Ganglion Reef a été produit par Ty Segall. En quoi est-ce différent de travailler avec lui par rapport à d’autres producteurs ?

Evan : Ganglion Reef n’a pas été produit par Ty Segall, mais il a contribué à sa sorti. Cet album a été conçu par Andrew Schubert et Kevin Carle puis il a été mixé par Cory avec quelques interventions du reste du groupe. Il est sorti sur God? Records, l’emprunte de Ty Segall sur Drag City.

Haha, ce qui se dit est donc faux ! Dans certaines interviews, j’ai pu lire (des propos de Cory ) que Plum est moins heavy mais plus stimulant. Penses-tu avoir atteint tes propres limites avec le style heavy ? Te sens-tu obligé d’aller vers quelque chose de plus lumineux afin de rester créatif ?

Evan : Notre seul album résolument heavy, pour moi, est Golem et cet album n’a jamais eu pour ambition d’indiquer un choix permanent dans notre direction musicale. Je dirais que l’on a toujours vu cet album comme tangentiel, une sorte de spin-off myope qui suivrait un personnage mythologique qui est apparu pour la première fois sur Ganglion Reef. Le Golem est devenu une sorte de totem et relève des thèmes de l’insécurité, de la masculinité, du pouvoir, de la performance et du psychédélique qui nous semblaient pertinents à ce moment-là. On s’est toujours joués des genres et de la tradition. Cela est utile en tant que déguisement que tu peux décider de porter ou d’enlever, mais ce n’est pas quelque chose de viable.

En parlant de musique heavy, j’ai l’impression que les années 2010 resteront dans les mémoires, entre autres, pour la scène psych stoner qui est emmenée par Thee Oh Sees qui a initié un vrai mouvement. Vois-tu ce genre musical comme un mouvement également, si c’est le cas, considères-tu en faire partie ?

Evan : Nous avons joué de nombreuses fois avec Thee Oh Sees, on est absolument fans, on se croise souvent dans Los Angeles et je pari que l’on aime tout un tas d’albums en commun. Je n’avais pas beaucoup écouté Thee Oh Sees avant de jouer avec eux, mais je pense que Cory et Sofia étaient déjà familiarisés à leur musique. Ils réalisent leurs albums et jouent en live avec un tel niveau d’implication. J’adore cela. C’est un groupe vraiment puissant.

La plupart des artistes ne veulent pas être intégrés dans des « mouvements ». Je ne pense pas être d’accord avec cette approche. Lorsque tu connais bien d’autres groupes, que tu les vois jouer souvent, tu sais parfaitement à quel point vos approches sont différentes. Peut-être que le concept d’un mouvement comme celui de « psych stoner » est utile à quelqu’un, mais je ne vois pas vraiment à qui. En tout cas, il ne nous est certainement pas utile.

Et peut-être que les années 2010 ne resteront pas dans les mémoires, pour la bonne raison que l’on est tous trop défoncés !

Black Sabbath à l’air d’avoir été très important pour vous à l’époque, mais moins maintenant. Comment expliques-tu être passé de quelque chose de très sombre vers une musique plus lumineuse ? Est-ce lié à des choses personnelles ?

Evan : Je crois que l’on écoute tous encore du Black Sabbath assez souvent, en tout cas autant que lorsque nous faisions une musique qui s’en rapprochait plus qu’aujourd’hui. Chacun d’entre nous écoute tout un tas de musiques très différentes. Dans notre musique, je crois que l’on essaie d’apprécier le moment présent en célébrant toute cette frénésie et cette diversité musicale.

Notre musique a toujours été liée à des choses personnelles. Et on considère la musique de façon personnelle.

J’aime le fait que vous ne fassiez pas des albums pour faire plaisir aux gens, mais simplement pour faire la musique dont vous avez envie. Cependant, est-ce que vous avez envisagé de sortir cet album sous un autre nom ?

Evan : Je pense qu’on ne l’a jamais envisagé pour la bonne raison que l’on n’a jamais eu l’impression d’être un autre groupe. La question c’est de savoir si le nom du groupe appartient aux albums que l’on a déjà écrit, enregistré et principalement arrêté de jouer sur scène ou s’il appartient à la musique que l’on va faire à l’avenir ?


Plum est votre 4ème album, le second sur Drag City. Comment avez-vous rencontré ce label ? Peux-tu nous raconter l’histoire ?

Evan : Je crois que Ty nous a présenté à Drag City en nous offrant son aide pour sortir notre premier album. Certaines personnes de Drag City sont venues nous voir jouer pendant notre première tournée, à Chicago, et nous ont demandé si nous voulions faire un album avec eux. Je suis très heureux qu’ils nous aient proposés. J’adore Drag City. Merci Drag City ! Je bénis Drag City.

Plum a quelque chose des Feelies par moment. Est-ce que le mouvement « avant pop » est quelque chose qui vous intéresse aujourd’hui ?

Evan : Ce n’est pas ce que j’aurais dit, mais c’est génial. J’adore les Feelies. Il m’arrive de me demander si les Feelies n’ont pas eu une influence sur les Oh Sees en réalité. Mais je n’en ai aucune idée. J’imagine que la plupart de la musique que j’apprécie pourrait être définie comme « avant pop ». Mais qu’est-ce, réellement, que le mouvement « avant pop » ?
Ah ça, on ne sait pas ! Bon, sinon, Allmusic a eu des mots très durs envers votre nouvel album, disant notamment « qu’il est rare pour un groupe de passer d’un leader qui prend toutes les décisions à un partage des décisions sans que cela ne mène à une perte majeure de qualité ». Peux-tu nous en dire un peu plus à propos de ce changement dans votre manière de créer votre musique ?

Evan : C’est le genre de phrase qui peut sonner vrai, mais qui, en réalité, n’a pas plus de validité que n’importe quel argument d’autorité. À chaque fois que l’on a écrit un album, on a essayé de modifier notre manière de faire. À chaque fois que l’on a fait un album, on pensait à la manière dont on pouvait faire les choses différemment.

Cette fois on a ajouté deux membres permanents au groupe et tous les cinq nous avons passés de nombreuses heures à jouer ensemble. On a enregistré tout ce qu’on a pu de ces sessions afin d’écouter ce qui en ressortait. La plupart des idées pour Plum proviennent de ces enregistrements. On a travaillé dur pour démocratiser la manière dont on écrit nos chansons. 1.000 Days correspond au début de ce procédé et Plum l’a accéléré. On trouve cela plus satisfaisant de travailler ainsi. La musique que l’on fait ensemble est bien plus surprenante que la musique qu’une seule personne pouvait faire dans son coin.

Sur une note différente (par rapport à Allmusic), lisez-vous la presse musicale et si oui, accordez-vous une importance à ce que disent les journalistes sur la manière dont cela pourrait influencer votre musique ? Et quels magazines lisez-vous ?

Evan : Il est très difficile de ne pas s’intéresser à ce que disent les gens. Lorsque j’ai lu cette chronique dans Allmusic je me suis senti triste, frustré, et j’ai pensé : « Wow, quelle approche gazeuse et distraite de notre album », mais tu ne dois pas laisser ce genre de chose t’atteindre sinon tu deviens fou. On essaie de ne pas laisser notre musique être influencée par cela.

Vous avez travaillé avec le génial JJ Golden sur cet LP. Il a collaboré avec Thee Oh Sees, CFM, Tim Presley, Mike Krol et de très nombreux artistes, pourtant, on ne sait pas grand-chose à son sujet. Peux-tu m’en dire un peu plus sur lui ? D’où vient-il ? Comment l’as-tu rencontré ? Comment est-ce qu’il travaille ?

Evan : JJ Golden est un ingé son et une personne extrêmement patiente, attentive et amicale. On a toujours été très heureux de travailler avec lui. Il propose ses services dans son studio familial, Golden Mastering à Ventura en Californie. Il me semble que nous l’avons rencontré par Larry chez In the Red Records. Golem était le premier album que l’on avait mixé avec JJ et depuis on a toujours travaillé avec lui. Il est très lucide, j’aime beaucoup sa philosophie et son approche.

Je suis en train de lire David Foster Wallace, une certaine obsession. Il décrit mieux que quiconque notre obsession pour la consommation (la nourriture, les conneries et l’ART). Dirais-tu que tu consommes de l’art peu importe sa qualité, et si oui, pourrais-tu nous donner un exemple de cette « quantité au détriment de la qualité » que tu assumes dans ta vie personnelle ? 

Evan : Um, j’aime beaucoup grignoter. Je ne suis jamais rassasié !

« Bee Karma » donne également une impression des années 90, quelque part similaire à Country Teasers. Pourtant le titre est très déconstruit avec de nombreuses variations. L’art réside-t-il dans la structure ou, précisément, dans l’absence de structure ?

Evan : L’art contrecarre l’aspect binaire des choses !

« White Cat » me fait penser à une chanson allemande. Écoutes-tu du Krautrock ? J’aime beaucoup ce titre, mais je me demande si en 2017, avec les robots, l’intelligence artificielle et tout ce qui va avec, une musique “robotisée” fait toujours autant sens qu’en 1970. Qu’en penses-tu ?

Evan : Je crois que l’on a tous écouté du Krautrock, oui. J’ai l’impression que beaucoup de personnes exhument les années 70 en ce moment et on le fait aussi de temps en temps. On apprécie beaucoup d’albums qui ont été faits durant cette décennie. Il semble même y avoir une certaine nostalgie dans la manière dont certains d’entre nous cherchent à traiter la catastrophe politique américaine actuelle.

L’ensemble de la pop music est un peu automatisée et robotique, tu ne trouves pas ? Je ne suis pas certain que « White Cat » le soit cependant. C’est un titre assez classique, avec un groupe composé de cinq personnes, jouant en live dans une pièce. Je crois qu’il s’agit de notre première prise, d’ailleurs. La plupart des performances ont une appréhension très personnelle à mes oreilles, ce qui m’a éloigné de motorik. C’est un titre assez rapide j’imagine. Sofia y joue de l’orgue électrique, les guitares le sont également et le tout a été mixé avec un ordinateur.

Vous avez un titre intitulé « Charles de Gaulle », en tant que français, je dois vous demander : Pourquoi ? Êtes-vous admiratif du Général ?

Evan : Charles de Gaulle est l’aéroport par lequel nous arrivons en Europe et en repartons le plus souvent, du coup il concentre beaucoup de moments vécus lors des trois dernières années, notamment beaucoup de déchirements et de confusions. J’ai le sentiment que cette chanson essaie d’établir une connexion entre ces différentes phases dans nos vies, ces différentes cultures, entre l’intimité, la bureaucratie, l’histoire, l’amour et les traumatismes. Je pense que cela est arrivé en essayant de trouver un sens au fait que notre métier nous fait souvent passer par cet aéroport, sans que l’on sache réellement toute la culture et l’histoire que ce nom implique.

Pour conclure

Quels autres groupes contemporains écoutes-tu en ce moment ? 

Evan: Darto, Gun Outfit, Ka Baird, Circuit des Yeux, Wiki, Burial, Milk Music, The Dreebs, Wolf Eyes, Young Thug, Starlito, Yonatan Gat, Syko Friend, Earl Sweatshirt, Nidia Minaj, Nick Cave & the Bad Seeds, John Maus, Klein, CCR Headcleaner, Amps for Christ, Bill Callahan, Perfume Genius, Aphex Twin

C’est (presque) l’heure de la dernière question. J’ai interviewé Bret Easton Ellis il y a quelque temps et il m’a dit que, selon lui, le « rock’n’roll est mort ». Qu’aimerais-tu lui répondre ?

Evan : lol wow… il y a plus d’un emoji qui serait parfait pour y répondre 😉
Je dirais que le rock’n’roll est un enfant mort-né et que nous essayons tous de le ressusciter depuis tout ce temps. Je ne dis pas cela à la légère, nous sommes dans un business hautement nécrophile.
Ce n’est pas très surprenant d’entendre une célébrité de plus, ayant dépassé les 50 ans, s’approprier la formule du « c’est mort ». Les gens aiment faire ce genre de déclaration pour tout. C’est accrocheur comme slogan et ça sonne comme quelque chose de singulier, même si en réalité cela représente plus un souhait conservateur.

Généralement, lorsqu’une personne dit cela, c’est que son champ critique est dépassé et qu’il n’entre plus en cohérence avec une réalité qui le contredit. Je ne sais pas trop pour quelles raisons Bret Easton Ellis l’a affirmé, mais je trouve sa représentation de ma génération caricaturale et erronée.
Je ne crois pas que cette image provienne des concerts de rock que l’on donne et où il y a toujours cette émotion primaire, cette énergie et une certaine candeur. Cela ressemble plus à une crise de la critique qu’à une crise de la musique.

La dernière fois que j’ai posé cette question à un groupe, ça ne s’est pas super bien passé. Et pourtant, la voici : pourrais-tu être français juste un instant et critiquer quelque chose du monde de la musique qui t’énerve le plus ?

Evan : Je suis généralement assez critique sur la manière dont l’industrie musicale est similaire aux autres industries à l’heure actuelle. Comment se fait-il que les musiciens, managers, ingés son, barmans, journalistes… qui passent de nombreuses heures à faire l’essentiel du travail, à générer le contenu, acceptent ce style de vie inhumain et mettent leurs corps et leurs esprits en danger, ne perçoivent qu’une trop maigre part de l’argent qui circule dans ce business et travaillent souvent dans des conditions de grande précarité. C’est le fait de ne pas avoir de véritable réponse à cette question qui m’énerve le plus.

Tournée (les dates) :

– 31 Janvier à Reims, la Cartonnerie
– 1er Février à Biarritz, L’Abatal
– 4 Février à Bordeaux, L’Astrodome
– 5 Février à Poitiers, Le Confort Moderne
– 6 Février à Rennes, l’Ubu
– 7 Février à Paris, La Maroquinerie
– 11 Février à Nancy, L’Autre Canal

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